El Buen Aleman

Recien acabada la segunda guerra mundial, se va a celebrar en Potsdam una cumbre Anglo-Rusa-Americana para ver como se reparten los territorios 'liberados'. La guinda del pastel, es, como no, Berlín. Entre tanto, la justicia aliada se encarga de buscar y juzgar a los criminales de guerra nazis; los más importantes, deberían estar tambien en la capital germana. Para seguir estos acontecimientos el capitán Jake Geismer, viene de Estados Unidos en calidad de corresponsal militar. Aunque su verdadera inquietud es reencontrarse con un viejo amor, la judia Lena Brant. Esto no le resultará dificil; lo que si le resultará complicado será librarse de los lios que parecen perseguir a la bella hebrea. Un marido perseguido por rusos y norteamericanos, un pasado demasiado oscuro y para colmo la muerte de un chofer estafador americano a manos de una bala del ejercito soviético. Una misteriosa trama que oculta una triste verdad. Todo esto entre mentiras, promesas de libertad y un siniestro pero a la vez místico, Berlín.

Producción de 2006 en la que Steven Soderbergh vuelve a reencontrarse con el director que le lanzó a la cumbre gracias a la magistral Traffic. En esta ocasión se atreve con una pieza de cine negro al viejo estilo. Y sí, por qué no decirlo, a los que adoramos este género, nos llega al corazón que se rueden films así. Presentada como un thriller de misterio, la sensacional historia, nos va guiando a través de una ciudad de Berlín convertida en una especie de poesía deconstruída hasta llegar a la verdad de una sucia trama política, que es más que probable, no esté muy alejada de la ficción. George Clooney y la bellísima Cate Blanchett nos dejarán pegados a la pantalla durante los 105 minutos que dura la acción. Muy buena elección que se puede visionar desde diferentes puntos de vista: relato de místerio, político, dramático, histórico y hasta poético.

Nota: 8,1


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Skammen (La vergüenza)

Producción sueca del año 1968 dirigida por Ingmar Bergman, premiada a mejor película, director y actriz por la asociación nacional de críticos de cine. Jan y Eva Rosenberg es un feliz matrimonio que vive en una isla pequeña huyendo de una guerra civil, eran músicos de la orquesta sinfónica pero a consecuencia del estallido de la guerra viven en una casa de campo subsistiendo por sus propios medios, tienen gallinas, plantan frutos que luego venden en el pueblo y viven de manera humilde sin perder sus aficiones por el arte. Hasta que las tropas también llegan a la isla, al principio son entrevistados por un bando y luego el otro bando los detiene por haber colaborado con los rebeldes, el general Jacobi amigo de Jan les libera después de haber sido sometidos a varias torturas. Un hecho que ocurre entre Jan y Eva con dicho general Jacobi hace que ambos cambien y se instale el odio en sus almas, ya nada será igual y Eva se pregunta como el ser humano no tendrá la vergüenza suficiente para parar toda esta barbarie de ejecuciones, torturas e incendios provocados por el napalm. Jan se vuelve una bestia y ve que necesita ser así para su propia supervivencia, hasta su rostro cambia y se parece más a la muerte cuando va subido en la patera con Eva. Ese pañuelo en la cabeza de Jan da escalofríos.

A Bergman siempre se le dio mucha caña por no tratar la realidad de su tiempo en cuanto a temas sociales y políticos, esta película es la excepción y de nuevo muestra su maestría en el arte del cine. Para Bergman la guerra es el peor engendro humano que puede existir y no existe ninguna excusa para llegar a ella, por ello apenas hay explosiones ni se ve tanta violencia como en un film bélico, de hecho no sabemos que bando es cada cual porque no se molesta ni en presentarlos ni en decirnos las ideas que defiende cada uno, no hay una contextualización del conflicto armado. A este director le interesa más el cambio que pueden sufrir las relaciones personales e internas de este matrimonio que a causa de esta guerra deciden no tener hijos y que su posición neutral al final les hace ser castigados por todos sitios. Esa transformación de Jan en una bestia para sobrevivir y la frase de Eva en el campon de concentración son los momentos estelares. Eva dice 'Creía que estaba en un mal sueño mío pero resulta que es el sueño de otra persona y lo que no entiendo es como no le dará vergüenza de soñar semejantes cosas', el papel de Eva es impresionante a cargo de Liv Ullmann y la fotografía de Sven Nykvist es magnífica. Para mi de momento todas las producciones que he visto de Bergman son un verdadero regalo y una suerte que pueda disfrutar, incluida esta 'Vergüenza' que me dejó la noche del visionado realmente fascinado.



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Le voyage du ballon rouge (El vuelo del globo rojo)

Producción francesa del año 2007 dirigida por el taiwanés Hou Hsiao Hsien. Simon es un niño que vive en París con su madre Suzanne, ella pone la voz a las funciones de marionetas y le absorbe gran parte de su tiempo para poder cuidar del joven Simon, por eso Suzanne contrata a una estudiante china de cine que está en París haciendo un curso, es Song Fang que mientras filma al niño y las calles de París cuida de él, juegan flipper en las cafeterías y rueda su película con el muchacho mientras sostiene un gran globo rojo. Lo que no saben ni Song, ni Suzanne ni siquiera Simon es que ese globo rojo siempre está al lado del niño para cuidarlo, lo acompañaba en la boca del metro, en el andén, cuando duerme en la buhardilla e incluso cuando comentan un cuadro donde una niña persigue también un globo rojo. El único que ve el globo es Simon y juega con él, le habla y son inseparables.

Esta producción es un homenaje del director taiwanés a la película 'El Globo Rojo', una producción francesa Albert Lamorisse del año 56 que es un mediometraje de 36 minutos que rueda con su hijo de 4 años, obtuvo el Óscar al mejor guión original y es pura poesía, casi sin diálogos y que constituyó una sorpresa al ser premiada. Ahora en el 2007 Hou Hsiao Hsien adapta la historia a principios del siglo XXI donde una estupenda Juliette Binoche hace de madre trabajadora independiente que está separada del padre de la criatura mientras la hermana de Simon vive en Bruselas y el padre está en Montreal escribiendo su novela. Suzanne tiene que acometer su vida de madre soltera y necesita la ayuda de la estudiante china para que el niño desarrolle dentro de este realismo mágico sus aptitudes al piano y que alguien vaya a recogerlo a la escuela y tenga la compañia de la buena de Song para hacer sus deberes de matemáticas. Un relato de niños para visionar los adultos donde se ve la soledad de los crios en estos tiempos que corren, me encanta los papeles tanto de Juliette Binoche como el de Simon con esa mirada inocente y haciendo lo que es, un niño.



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The Sopranos (Los Soprano)

Serie de televisión norteamericana creada entre 1999-2007 en la productora HBO a cargo de David Chase, ganadora de 20 premios Emmy y 5 Globos de Oro. Anthony Soprano es el Don de New Jersey y lleva los negocios de juego, recogida de basuras, construcción y un montón de derivados más dentro de la mafia. La familia es una estructura rígida compuesta de su mujer (Carmela) y sus hijos (Anthony JR y Meadow), además están sus hermanas, sobre todo Janice, su madre Livia, su tio, anterior jefe de la familia, Corrado Soprano y su ayudante-sobrino Chris Moltisanti. Anthony tiene en sus capitanes su "otra" familia mafiosa donde están Silvio Dante que es su consigliere, Paul Gualtieri, Bobby Baccalieri, Patsy Parisi y Vito Spatafore. Durante las 6 temporadas de la serie Tony Soprano acude a la psicóloga Doctora Melfi para tratar sus desmayos a causa de sus ataques de pánico, con ella habla sobre la vida, la muerte, la infancia y la influencia que tienen nuestros familiares sobre la personalidad y el comportamiento humano.

Sensacional serie producida por esta televisión por cable, no soy amante de las series pero esta divertida y a la vez interesante visión nada romántica sobre la mafia a pequeña escala ha hecho las delicias de muchas personas y me tuve que rendir a la evidencia cuando empecé a visionarla, ha sido todo un pique ver esta serie y mucho de mi tiempo que dedicaba a ver películas al uso lo he sacrificado para seguir las peripecias de la familia Soprano y esas luchas de poder, las relaciones de pareja o las relaciones de padres a hijos son temas que me interesan mucho y en esta serie se ven colmadas todas mis aspiraciones de lo que el cine debería tratar. Me quedo con dos momentos sublimes de esta serie porque tampoco voy a contar lo que pasa durante 6 temporadas. El silencio de la doctora Melfi delante de Tony Soprano al tratar el tema de su violación para que el mafioso no se involucre y tome la justicia por su mano y el cuelgue de Tony Soprano en pleno desierto de Las Vegas a causa del peyote con la amiga de Chris Moltisanti. Esa visión de Tony en medio de la nada gritando que ya lo había entendido todo llega a poner los pelos de punta. Una serie que no olvidaré en la vida y que me ha hecho disfrutar durante 6 meses de este 2008. Sencillamente genial y sublime que deja al final una duda en torno a una mesa de restaurante donde los componentes de la familia Soprano no sabemos que será de ellos.



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Celos, amor y mercado común

Producción española del año 73 dirigida por Alfonso Paso. Felipe, Ramón, Irene o Caridad son españoles que forman parejas a la antigua usanza y la España de los 70's necesita modernizarse y ser europeos, por eso para empezar a serlo tienen que cambiar sus relaciones de pareja y ser más abiertos al mundo que les rodea, el gran enemigo es saber controlar sus celos. Para ello las relaciones se flexibilizan y ya no es ningún problema que alguien se esté besando con otra persona que no sea tu novio/a o que haya reuniones hasta tarde cuando en realidad se está en cualquier club de Madrid o paseando por Doctor Fleming acompañando a inocentes muchachas hasta sus casas.

Relato que muestra el lado de la España más cañí y casposa que había por esa época, personajes del humor como Saza o Tony Leblanc están en esta obra coral donde hay un montón de secundarios como Fernando Esteso haciendo de mariquita loca, Juanito Navarro haciendo de chulo o Victoria Vera haciendo de hija del personaje de Saza. Todo lo que se te pueda pasar por la cabeza que eran topicazos de los años 70's salen en la película, discusiones al más puro estilo de 'Escenas de matrimonio', enredos donde salen chicas mostrando sus delanteras o desórdenes en el tráfico madrileño porque una loca persigue a su marido. Todo lo tienes en esta horripilante producción que da un toque bizarro a este blog marcado de películas de gran calidad. La emisión de esta película por televisión demuestra la calidad a la que los espectadores nos vemos sometidos durante todo el año. Sólo nos queda poner una sonrisa y reírnos de nuestras propias desgracias.



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Gomorra

Producción italiana dirigida por Mateo Garrone, homónima del libro de Roberto Saviano, ganadora ya del gran premio del jurado del festival de Cannes y seleccionada por Italia a los Óscars en la categoría de mejor película de habla no inglesa. La región de Nápoles y Caserta en su día a día está regida por las "normas" de la Camorra y sus habitantes no tienen el derecho a elegir en que dirección conducir sus vidas porque están sometidos a los regímenes de la Mafia. Así el sastre de modelos de alta costura tiene que trabajar en un taller haciendo horas extras y explotado bajo la ley del silencio, la Omertá. Los niños prontos son reclutados para sus primeros trabajos, los jóvenes que van por su cuenta son ejecutados de manera discreta y los negocios de residuos del norte del país son llevados a cabo de la manera más fraudulenta y miserable que puede existir. Varias historias nos reflejan la manera de sobrevivir en el sur de Italia y como la bajeza humana late en los barrios periféricos de un país del mundo occidental.

No podía dejar de escribir que por esta obra el escritor Roberto Saviano como mucha gente sabrá está amenazado de muerte por la Camorra napolitana y debe llevar a sus 29 años 5 escoltas permanentemente para su protección y seguridad. La película en clave muy realista, sin efectivismos y con actores no profesionales, muchos de ellos gente de Nápoles, muestra la dureza a la que están sometidos los compatriotas de Saviano, para dar más realismo al relato la música sólo suena cuando en la escena está sonando algún aparato, no ponen ninguna voz en off para manejar al espectador y no se utiliza ningún efecto especial. El resultado no es tan espectacular como si fuera una película de gansters mafiosos con toda la idiosincrasia del cine, sino una sucesión de historias que se entremezclan y que si eres consciente de que en realidad eso ha pasado te hace estremecerte en tu butaca del cine, la violencia lo impregna todo y como resumen final el film te explica que la Camorra napolitana ha matado a 4000 personas, que si lo contabilizas con el tiempo sale a un muerto cada 3 días. Así que 'Gomorra' demuestra la crudeza del sur de Italia y como en Nápoles solo te quedan dos opciones si tienes suerte, o hacer pizzas o sobrevivir en un mundo de delicuencia que es más sanguinario que cualquier organización terrorista de toda Europa.



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La escalera de caracol

Un pequeño pueblo de principios de siglo está siendo objeto de la peor oleada de crímenes de su historia. Varias mujeres jóvenes están siendo asesinadas a manos de un despiadado criminal. El patrón es simple: todas tienen alguna minusvalía física. Es por eso que la inocente Helen Capel, muda desde la infancia, corre a guarecerse en la mansión dónde trabaja de asistenta. Es de noche y una tormenta azota las ventanas del caserón; un caserón propiedad de una anciana moribunda matriarca del clan Warren. Entre sus delirios febriles, se empeña en promulgar el terrible peligro que corre Helen dentro de su casa. Una casa únicamente habitada por el servicio y por los hermanastros Warren. Alguien tiene que ser el asesino… ¿o serán todo fantasías de una mente vieja y enfermiza?

Tal como prometí, traigo una nueva obra del director Robert Siodmak. En esta ocasión, se trata de un film de misterio, de intriga; una película con sabor a clásico y a cine negro. Más convencional que “El diablo ataca de Noche”, este largo retrata a partes iguales las miserias de las familias ricas y las bondades de la gente humilde. Todo ello aderezado con una atmósfera “terrorífica” al más puro estilo de las películas de mediados de siglo de la Universal. Una pieza clave para seguir con la filmografía de Siodmak, apta para los que disfrutan con el género de misterio a la antigua usanza.

Nota: 7,9


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Soy un ciborg (I'm A Cyborg, But That's Ok)

Producción coreana del año 2006 dirigida por Park Chan-wook, creador de la magnífica 'Old Boy'. Young-goon es una joven adolescente que la ingresan en un pabellón psiquiátrico, ella cree que es un cyborg y por ello se alimenta chupando baterias y pilas y además renuncia a toda ingestión de alimentos. En el psiquiátrico hay todo tipos de personajes dementes, entre ellos un chico que siempre se oculta bajo una máscara. Entre los dos surge una curiosa y poética amistad donde juegan con las máquinas y surge un amor imposible entre dos personas que no rigen nada cabalmente. Al final como era de preveer la chica cae enferma por no comer y en su mundo sigue soñando con el chico de las máscaras y los demás componentes del centro clínico, la mujer gorda que se come su comida, el que no habla, etc...

Delirante producción de este extraño director coreano. Poniéndome en su lugar creo que Park quiso crear su homenaje particular a 'Alguien voló sobre el nido del cuco' pero le ha salido un relato surrealista demasiado pretencioso en mi opinión. Tiene puntos interesantes como que el cyborg quiera robar la maldad para ejecutar sus funciones pero lo que es el ritmo del film es pesado y anodino. Es de ser un poco petulante que en un metraje de 105 minutos dejes 4 ó 5 ideas más o menos interesantes y en lo demás te dediques a poner musiquitas mangas, cosas sin sentido y efectos para quedar de puta madre. Una decepción tras la grata sorpresa de 'Old Boy' y de 'Joint Security Area'. Seguiremos en el futuro la trayectoria de este interesante director pero si sigue por los derroteros de esta producción se convertirá en el perfecto director de culto que a los demás les parece un perfecto coñazo que enmascará su arte en cuatro rayadas insustanciales.



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El Caballero Oscuro

La ciudad de Gotham puede descansar tranquila. Las antaño calles plagadas de delincuentes se están volviendo seguras gracias a las acciones de un justiciero nocturno: Batman. La corrupción se esta rindiendo a la justicia. Pero el crimen nunca descansa, y su versión más violenta en forma de desquiciado psicópata toma forma en el cuerpo de un deforme: El Joker. Alguien que sabe quien es la verdadera amenaza de la mafia; alguien sin sentimientos y sin miedo a apretar un gatillo. Sólo quiere caos; sólo quiere la muerte de Batman. Para ello centrará todos sus esfuerzos en crear un ejército de criminales. Su inteligencia y su extremada crueldad pondrán al filo de la navaja tanto al Batman héroe como al Batman hombre, Bruce Wayne.

Hace unos meses que vi esta película y decidí no comentarla debido a lo comercial del personaje principal de la historia (Batman). La verdad es que me pareció otra nueva genialidad de Nolan, pero no se me pasó por la cabeza incluirla en el blog. Sin embargo, la semana pasada ojeando el top 250 de imdb, me percaté de que estaba situada nada menos que en el puesto 4 con una media de 9,1. Eso me abrió los ojos. El Caballero Oscuro es simplemente una película imprescindible. Sin lugar a dudad la mejor realizada con Batman como protagonista. Si con ‘Batman Begins’ el listón se ponía alto, con ‘El Caballero Oscuro’ se ha rozado la perfección. Y esta perfección consistente en dotar al personaje protagonista de su principal esencia: Un superhéroe que no es un superhéroe. Bruce Wayne será Batman y no al revés. Con todo detalle, Nolan nos sumerge en la historia que da lugar a las acciones del vengador de la noche: brutalidad extrema, sin contemplaciones; criminales sádicos y despiadados. Con una soberbia ambientación, Gotham se asemejará a cualquier megalopoli plagada de delincuencia. Caine y Bale, bordaran los personajes; personajes que quedan en un segundo plano debido a la magnifica recreación de Heath Ledger, protagonizando al Joker. Una obra maestra, a la que como pega, yo le pondría la falta de valor (aunque ya esta al 120% de la mayoría de films de este estilo) para convertirla en la película “sucia” que se merece el “no-superhéroe” mas grande de la historia del comic.

Nota: 9

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El tren de las 3:10

Un peligroso forajido (Russell Crowe) es detenido en una pequeña ciudad del salvaje oeste. Entre sus múltiples crímenes figuran acciones contra la todo poderosa Empresa Nacional de Ferrocarriles. Justamente un apoderado de dicha empresa, pagará una suculenta suma de dinero por encerrar al violento Ben Wade entre las rejas de la prisión estatal. Para ello hay que desplazar a Wade varios kilómetros hasta un tren que parte hacía la ciudad de Yuma: el tren de las 3:10. Varios hombres custodian al delincuente; sin embargo no son suficientes para detener a la banda de Wade; unos hombres salvajes y con dinero para pagar los servicios de cualquiera. Poco a poco todos van cayendo; sólo quedará vivo un exmilitar metido a granjero, Dan Evans. Un granjero que lo ha perdido todo, excepto a su familia y a su honor. Un honor que será mas fuerte que la ira incontrolada del legendario Ben Wade.

Película de reciente producción que revitaliza el poco de moda género de vaqueros. Remake de un film de 1957, considerado de culto para los amantes del western. En esta ocasión unos fantasticos Russell Crowe y Christian Bale, bordan una simple historia del oeste. Y es el director, James Mangold, el que le da la categoría suficiente para convertirla en una de las mejores películas del año. Con la sobriedad de Leone y la violencia de Peckinpah, el tren de las 3:10, aporta un soplo de aire fresco al género; algo similar a lo que ocurrió con la magnífica 'Sin Perdón' en su momento.

Nota: 8,2


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Before Sunset (Antes del atardecer)

Producción americana del año 2004 dirigida por Richard Linklater, nominada a varios Óscars de la academia. Jesse y Celine, un americano y una francesa se conocen en un trayecto de tren, juntos pasan una noche inolvidable en Viena y se prometen verse seis meses después en la misma ciudad, no se dan ni el número de teléfono móvil ni va a haber ningún contacto hasta ese momento. Han pasado diez años y Jesse está presentando su nueva novela en París acerca de ese viaje en tren a Viena. En la libreria de la presentación aparece Celine y desde ese momento Jesse deja todo lo que está haciendo en la ciudad del Sena para ir a cafés, charlar y de nuevo intimar con Celine. Al principio todo será muy cortado porque a los seis meses Jesse sí que regresó a Viena para ver a Celine mientras ella no acudió a la cita pero después de esos primeros tensos momentos la conversación fluye y sabemos cual va a ser el final de esas dos personas.

Sinceramente no esperaba de un realizador como Linklater un drama romántico tan convencional donde cuenta la historia de una tarde entre dos personas que se enamoraron pero fuerza la situación a más no poder, el metraje de la película es de apenas 80 minutos pero ya no sabe ni que inventarse para que ambos protagonistas estén conversando. Así se repasan temas hartamente utilizados en este género romántico, la profesión artística del hombre siendo escritor y ella una persona preocupada por los desfavorecidos y el medioambiente mientras pasean por los barrios más caros y preciosos de una de las capitales más lujosas de Europa como es París. El guión no está bien vertebrado porque las excusas que pone Jesse para seguir al lado de Celine son inverosímiles. La película tiene dos puntos agradables como ver a la guapa Julie Delpy por esos barrios tan bonitos de París y que la música también la firma la propia Julie Delpy, para amantes de la chanson francesa es una buena noticia. Me da la sensación que este tipo de película es la que se imaginan las ciudadanas americanas de como ellas podrían enamorarse en Europa haciendo su viaje a lo mochilero, tan bonito que Rachel de 'Friends' se quedaría prendada de este relato. Me parece increíble que el director de una obra tan underground como 'Slacker' firme este mediocre film.



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Shortbus

La vida en Nueva York es muy aburrida. La única via de escape son las experiencias sexuales. Una terapeuta, una pareja Gay, un mirón y una prostituta sadomasoquista tienen en común que pasan las noches en un garito muy peculiar: el Shortbus. La originalidad radica en la libertad total para practicar todo tipo de intereses sexuales: orgias, transvestismo, performances, masoquismo, intercambio de parejes... todo vale en el Shortbus. Dentro del local comprobaremos que estas marionetas del placer, tienen pensamientos muy profundos; vidas tortuosas perdiadas entre los ruidos de la gran manzana. Y de transfondo la busqueda de un orgasmo; un lemento mas necesario que el oxigeno en un mundo regido por los intereses sexuales.

Otra gran obra de último cine independiente visita hoy nuestro blog; la provocativa Shortbus. Una película con sexo explicito en momentos puntuales, que pasa desapercibido al buen cinéfilo pero que es una cosa que ha dado mucho que hablar dentro del público en general. Intensa y profunda, la película muestra de manera irónica la importancia del sexo en una sociedad capitalista y aburrida de si misma. El orgasmo es el dios de una religión hedonista y las personas son tan infelices, que hasta piensan en morir por puro aburrimiento de si mismas. Una arriesgada apuesta del director John Cameron Mitchell, que ha contado con críticas diversas. Yo me quedo con la parte buena, con la inteligencia del guión y con las geniales escenas de sexo en estado puro. Una deliciosa música, completa el trio de bondades que nos regala este film. Como parte negativa, la lentitud de la trama que hace que en algunos momentos nos creamos que estamos viendo gran hermano.

Nota: 7,9


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The Boy in the Striped Pyjamas (El niño del pijama de rayas)

Producción americana del año 2008 dirigida por Mark Herman basado en el relato del John Boyne, uno de los best sellers mas vendidos de este año 2008. Bruno es un niño berlinés que en el año 1942 está orgulloso de su padre porque es un soldado y defiende su patria. Pero el padre de Bruno es destinado al campo y se traslada con su familia a otra mansión. Para Bruno su vida da un completo giro ya que pierde a sus amigos en la ciudad y en el campo no puede jugar con otros niños. También le separan de sus abuelos paternos y el ambiente en la nueva mansión es mucho más tenso entre sus padres y la chimenea de la granja de al lado donde trabaja su padre despide un fuerte olor. El único amigo que encuentra Bruno es tras una excursión que hace el niño y llega a una alambrada donde supuestamente trabajan los "granjeros" de su padre, es Shmuel, un niño judío. Un estrecho lazo de amistad envuelve a los dos niños que ni siquiera pueden jugar juntos porque les separa el alambre de espino. Un día Bruno y Shmuel podrán estrechar sus manos y se dirigirán a su horrible final.

Carlos Boyero dijo algo muy acertado de esta película y es que te están contando una tragedia horrenda y no te logran remover del asiento, todo es muy correcto y hasta en algún momento parece que estamos inmersos en un cuento feliz a través de los ojos grandes y azules de Bruno cuando a su alrededor todo es podredumbre y miseria. El relato es muy reiterativo en los encuentros entre los dos niños cuando por ejemplo otras cosas se pasan de soslayo, como la relación del padre de Bruno con su madre que es una desidente del regimen nazi. Da la sensación como que en el film te quieren tomar el pelo a través de trucos cinematográficos de principiante como el columpio dando vueltas cuando se cae un niño, la pelota que rueda sola a través de las escaleras y la pomposa y recargante música de un James Horner que me pone de los nervios. 'El niño del pijama de rayas' es un libro interesante, de un cuento que conecta con las personas y que lo han producido también en formato de cine para seguir acumulando fama y dinero pero se ha notado demasiado que han estirado demasiado el chicle, esta historia da para un buen corto pero no para un largometraje.



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Azul oscuro casi negro

Producción española del año 2006 dirigida por Daniel Sánchez Arevalo, ganadora de 3 premios Goya (dirección novel, actor de reparto por Antonio de la Torre y actor revelación por Quim Gutiérrez). Jorge es el portero de una torre de pisos en Madrid, cuida de su padre que antes también ejercía de portero en el mismo edificio. En prisión está su hermano Antonio que conoce en el taller de teatro a Paula entablando una relación donde Paula quiere quedarse embarazada de Antonio para así que la aislen en otro módulo y poder librarse del acoso que la someten otras presas. Antonio tiene un tumor y no puede dejar embarazada a Paula y pide a su hermano Jorge que en los vis a vis la deje embarazada a Paula. Para Jorge se presenta un difícil dilema ya que a la comunidad vuelve su antigua novia Natalia y lo que más ansia es dejar atrás su vida de portero y dedicarse a un trabajo de acorde con lo que ha estudiado, algo de Económicas. Así cree que Natalia se sentirá orgullosa de él y será algo en la vida.

Azul oscuro casi negro representa un estado de ánimo desde el cual nuestro protagonista Jorge va a ir dándose cuenta de que la vida va poco a poco y desde el más absoluto negro que tiene nuestro panorama pues pasito a pasito ya vas viendo el azul oscuro y quien sabe en el futuro hasta donde podremos llegar, eso si, con la determinación de que a pesar de los problemas nuestro ánimo va a permanecer intacto y continuaremos en el proceso de ser la persona que nosotros deseámos ser. Es un canto contra la inmediatez en que siempre queremos conseguir nuestras metas en un instante y que yendo más despacio veremos más claras las cosas y al final la recompensa es que hemos decidido nosotros mismos. La idea de la película a pesar de ser un tema muy recurrente me parece muy original con esa comparación cromática. Los actores están maravillosos porque tanto Antonio de la Torre como Quim Gutiérrez, Marta Etura y Raúl Arevalo están geniales. Unos secundarios de lujo y un guión muy trabajado constituyeron una de las sorpresas de los premios Goya del pasado 2007. Una producción que espero que sea la primera de muchas de un director que promete ser el relevo generacional de gente como Julio Médem.



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El diablo ataca de noche.

En plena Guerra Mundial, la alemania nazi civil intenta llevar una vida lo más normal posible. Los agricultores trabajan la tierra, los comerciantes llevan los víveres al pueblo y la policía se dedica a perseguir a los delincuentes... En efecto, en aquellos tiempos, el cuerpo de policía intentaba realizar su labor. Entre torturadores de las SS, soldados muertos y campos de exterminio, había que detener a delincuentes comunes. Como por ejemplo a un asesino de mujeres que había sembrado el terror en un pueblecito bávaro. Es tema prioritario detener a alguien; una cabeza de turco, un castigo ejemplar para aparentar que la policía actua con eficacia. Sin embargo el comisario Claus Holm (militar incapacitado) se va a tomar muy en serio su cargo y no va a abandonar la investigación hasta esclarecer todos los interrogantes. Lo conseguirá y atrapará al asesino en serie; pero también se dará cuenta que en los tiempos que corre, su labor policial es poco menos que una farsa.

Sorprendente película de un aclamado director del que no había visualizado ninguna pelicula: Robert Siodmak. Brillante trama que aborda las miserias de la guerra desde un punto de vista inusual: la población civil. Atrevida declaración de intenciones sobre la política nazi y sus métodos policiales. La película, nos ofrece momentos de reflexión, como cuando el general de las SS le dice al comisario Holm, que quien se va a preocupar de varias mujeres muertas cuando al día caen mil soldados alemanes. Denso largometraje, con sabor a clásico, que me "incita" a seguir profundizando en la obra de este director. Un comentario final: esta pelicula se debería ver en versión original, porque la versión doblada esta más cerca de "Mundo Viejuno" que de una leyenda del cine negro.

Nota: 8


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Cronos

Un extraño anciano muere al derrumbarse una iglesia. La leyenda cuenta que un alquimista encontró el secreto de la inmortalidad: nunca moriría por causa natural. Este anciano, estaba decrépito y falleció al ser perforado por una viga de madera. Podría ser el el vetusto alquimista. Extraños sucesos ocurren tras esa muerte. Alguien quiere el artefacto que puede otorgar la vida eterna. Un pequeño mecanismo mecánico que es capaz de evitar la muerte. Parece ser que el viejo químico lo escondió dentro de un ángel de la guarda de porcelana. Uno igual que el que compró Jesús Gris. Y no igual, sino que es exactamente ese, pues en la peana tiene escondido una especie de escarabajo dorado con una especie de reloj es su interior. Jesús, intrigado, examina el objeto; por accidente, presiona un botón que pone en marcha la pequeña máquina que alberga en su interior el curioso insecto. Un aguijón metálico se incrusta en la piel del hombre. A partir de ese momento, Jesús Gris parece otra persona; se siente rejuvenecido y con muchas ganas de vivir. Sin embargo, no todos los efectos han sido benévolos; una enfermiza sed de sangre humana recorre su garganta. No entiende que le ocurre ni por qué; necesita respuestas. Respuestas que le dará alguien que lleva mucho tiempo persiguiendo el secreto de la eterna juventud...

Estamos ante la primera película de uno de los directores de culto dentro del cine fantástico. Guillermo del Toro, muestra claramente sus intenciones con su opera prima: Cronos. Y como cabía esperar esta más cerca de la aburrida 'El espinazo del diablo' que de su genial 'El laberinto del fauno'. Una historia simplona, un desarrollo previsible y un final insustancial, dejan esta obra en un nivel muy bajo dentro de su filmografía. Únicamente salvable la actuación de sus protagonistas. Me llevo una nueva decepción por parte de este director; esto me hace pensar ¿será 'El Laberinto del Fauno' una excepción dentro de la filmografía de este realizador? Ahí dejo mi cuestión...

Nota: 6,3



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Che: El argentino

Producción americana del año 2008 dirigida por Steven Soderbergh, premio en el último festival de Cannes al mejor actor protagonizado por Benicio del Toro, la película en cines comerciales se ha dividido en dos partes y en esta crítica comentaros la primera parte. En el año 1956 el doctor argentino Ernesto Guevara conoce en un apartamento en Mexico DF al rebelde cubano Fidel Castro, este hombre tenía ideas muy avanzadas acerca de la revolución que debería llevar a cabo el país y además de grandes dotes políticas en sus discursos tenía grandes dosis de estrategia militar. Ernesto se va a Cuba con el ejercito de Castro para dar el golpe definitivo y derrocar a Batista, figura que representaba la dictadura cubana a través del imperalismo norteaméricano. De los 82 hombres que partieron de México en el barco de Castro sólo 12 llegaron a ver el día de la victoria en La Habana el 2 de Enero de 1959. Guevara fue uno de ellos, tras un largo periplo en la selva por Sierra Madre y haciendo labores de comandante, médico, educador y guerrillero.

Al sólo poder comentar la primera parte del film me siento todavía a medias de poder comentar si el relato es fascinante, desde luego alguna cosas claras si que tenemos en este parte del argentino, la magnífica interpretación por parte de Del Toro del Ché y que Soderbergh deja a un lado el prisma más utópico y romántico de la revolución cubana que tantos clichés generan en Occidente desde las partes más izquierdistas. La revolución cubana fue una guerra de guerrillas donde los hombres de ese ejército tienen que pasar por diversas penalidades, realizar trabajos de construcción, enseñanza, labores médicas y realizar asentamientos, no estar por ahí pegando tiros con un rifle a diestro y siniestro y que los del otro bando son malos malísimos que se merecen el fuego del infierno por ser unos imperalistas. También se muestran varias facetas humanas de Guevara, su valentía al estar siempre en primera línea de fuego, sus dotes de enseñanza pero también su violencia en el combate y que nunca se amedrentaba ante el enfrentamiento cara a cara como cuando se presenta en la ONU para convencer a la comunidad internacional del levantamiento del embargo sobre Cuba que mantiene EEUU. De poco le sirvió porque tanto la OEA como la propia ONU siguen con el veto hacia esta isla caribeña.



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Amores Perros

Amores Perros relata tres historias de amor que ocurren de manera paralela en la truculenta ciudad de México DF. Al primero que conoceremos será a Octavio, enamorado de su cuñada, e inmerso en el escabroso mundo de la lucha de perros. Entre batallas caninas y amores platónicos, transcurre la vida de Octavio. El dinero le sonrie, aunque no así sus vida sentimental. Un mal día, en una trifulca, clava un cuchillo a un jovén y huye a toda velocidad en su coche; sin mirar atrás, va saltándose todos los semáforos hasta que en un cruce choca brutalmente contra Valeria. Este es el momento es donde comienza la segunda historia; Valeria esta enamorada de un hombre casado. Este hombre y su perrito son las dos pasiones de su vida. Todo es de color de rosa hasta que ocurre este accidente; las piernas de la chica quedan inmovilizadas y su carrera de modelo se trunca repentinamente. La tristeza invade la existencia de Valeria y el amor deja paso a la desesperación... Todo por culpa del impacto contra el coche de Octavio; impacto que presenció un vagabundo llamado 'El Chivo'. Este hombre comparte su cariño por los perros con el amor fraternal hacia una hija perdida. El Chivo esconde un oscuro secreto que sólo conoce una persona y sus queridos canes...

Aclamada película que dió la consagración definitiva a su director Alejandro Gonzalez Iñarritu. Primera parte de una trilogía que componen 21 Gramos y Babel. Con una original puesta en escena y un atrevido planteamiento, este film resulta algo vacio en cuanto a contenido. Si bien las historias estan perfectamente entrelazadas y el ambiente esta muy conseguido, lo que se cuenta en la pelicula me dejó insatisfecho, con la sensación de que no había pasado nada desde el inicio de la pelicula. No obstante, podemos decir que se trata de una apuesta más que decente del "humilde" cine mexicano.

Nota: 7,4


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Cashback

Ben Willis es un joven estudiante de arte que sufre su primera crisis amorosa. Debido a este hecho, su vida da un giro de 180º y empieza a filosofar sobre el sentido de la existencia humana. El por qué del amor, el por qué una persona cambia de opinión tan rápidamente, que es la soledad... Tribulaciones que acaban perturbando al muchacho hasta el punto de no dejarle dormir. Tras una semana de insomnio decide emplear las horas nocturnas en algo lucrativo: turno de noche en un supermercado de 24 horas. Trabajo fácil, dinero fácil. Además el super es un sitio adecuado para seguir con sus inquietudes existencialistas; entre meditación y meditación Bill se da cuenta que posee una habilidad especial: es capaz de detener el tiempo. Gracias a esta capacidad, el chico consigue desprenderse del aburrimiento inherente a su empleo; con el reloj congelado desuda a las mas bellas clientas y las dibuja en secreto; recuerda su infancia, como empezó a amar la hermosura femenina, como todo ha ido transformandose hasta el actual momento en que vive. Entre transición y transición, una guapa cajera noctura, llama la atención de Bill. El amor llama de nuevo a su puerta; el vacio interno y la melancolía desaparece paulatinamente, a la vez que el artista intima con la empleada del supermercado. Sin embargo siempre hay factores humanos que perturban el mundo de Bill cuando el tiempo corre; factores con los que hay que convivir y a los que hay que vencer; factores que no impedirán que el tiempo sea detenido siempre que nuestro protagonista tenga necesidad de ello.

Sorprendente película, revelación en el festival de cine de San Sebastián de hace dos años. Producción inglesa del año 2006, muy alabada por la crítica internacional. Ciertamente se trata de un film fresco y original, que trata la temática del sentimiento humano, de una manera cercana y metafórica. Una primera hora genial, donde
la comedia se mezcla con el drama al más puro de estilo de las obras de Allen. Poco a poco la historia se va transformando en un relato romántico que culmina en un final algo previsible. No obstante no quito ni una pizca de mérito a este largo independiente, que me ha gustado y asombrado gratamente.

Nota: 8

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Tropa de Élite

Producción brasileña del año 2007 dirigida por José Padilha, Oso de Oro en el último festival de Berlín. El capitán Nascimento es el comandante de un escuadrón del Batallón de Operaciones Policiales Especiales (BOPE), es un equipo al que se llama cuando la policía convencional de Río de Janeiro no puede resolver los problemas con disturbios y delicuencia sobre todo en las favelas, cosa que ocurre casi todos los días. El capitán Nascimiento próximamente va a tener un hijo y quiere dejar el cuerpo que tanto en peligro le pone cotidianamente, para ello tendrá que elegir un sustituto que esté al mando del escuadrón. Para ese puesto se presentan dos firmes aspirantes, Neto y André. Cada cual tiene sus virtudes y sus defectos y Nascimiento quiere que uno de los dos sea un polícia digno de la BOPE y que ese hombre no ponga en ninguna situación de peligro al escuadrón que él deja, todo se complica con la corrupción de la policía brasileña y la próxima visita de su santidad el Papa a las favelas de Río de Janeiro.

Brutal relato de Padilha que engloba al nuevo cine brasileño con otros títulos como 'Carandiru' o 'Ciudad de dios', aunque en el caso que nos ocupa este relato es de una violencia extrema donde más que un cuerpo policial parece un ejército que está constantemente en guerra. Me parece muy interesante el enfoque del director para la historia porque nos muestra lo podrido que es el sistema brasileño tanto para la ley como para la delicuencia pero no se moja en que la solución es poco más que una secta cerca del fascismo como la BOPE, aquí el director es aséptico, simplemente muestra como un hombre que cree en el sistema termina arrollado por él y entonces solo te quedan dos soluciones, aprovechas el sistema para impartir un mínimo de justicia durante un tiempo muy corto o te vuelves un corrupto que acabarás desangrándote en cualquier esquina de una favela de Río. También me gustó mucho la discusión acerca de como cuatro pijos blancos brasileños que fuman porretes el mercado que se mueve alrededor de la miseria y la pobreza en las favelas, en especial el tráfico practicado por los niños. Un relato que no te deja indiferente y que al terminar de verla te deja un poco jodido sobre lo que hay por ahí.



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Masculin, féminin

Producción francesa del año 1966 dirigida por Jean Luc Godard. Paul es un joven parisino que acaba de terminar el servicio militar. En los turbios años 60 este chaval es idealista y utópico, se dedica a pintar proclamas revolucionarias en cualquier sitio que puede y sobrevive gracias a trabajos de conocidos. En un café conoce a Madeleine, una chica que trabajaba en el periódico de un amigo de Paul dedicándose a la fotografía, ahora graba singles de pop y quiere ser una estrella de la chanson francesa. Paul se enamora locamente de la dulzura y ternura de ese estrella pop emergente y comienzan una relación donde Paul se instala en el piso de Madeleine junto a sus dos compañeras de piso. La sexualidad, el trabajo en la música y las encuestas sociológicas de Paul son tratadas por Godard en clave de cuasi documental en esta relación imposible entre nuestros protagonistas.

Ha sido mi primera experiencia dentro del cine de Jean Luc Godard, en una narración nada convencional, con letreros de proclamas y consignas crea una pieza que puede sorprender pero en mi opinión me parece más un tostón intelectualoide que un relato donde voy a excusar al resto de la humanidad que no lo entiende y solo la élite ve la belleza y el movimiento de la cámara prodigioso de este genio franco-suizo. De acuerdo que puede tener momentos puntuales que pueden sorprender, incluso ves la bonita ciudad de París y la música pop junto con el rostro angelical de la protagonista que destila dulzura y sensibilidad. Pero de eso a ponerla como una de las obras de la nouvelle vague va un trecho, referencias inconexas, un tipo que va detrás de una chica guapa mas en plan pagafantas dándoselas de saber todo en política cuando es un pringao de mucho cuidado y esas conversaciones acerca de la anticoncepción y la moral podrían sorprender en aquella época pero no voy a dar un mérito de gran director de cine a un tipo que habla de temas más vanguardistas simplemente por citarlos. Espero que en otra próxima oportunidad que le dé a Godard sea mejor y por dios, que salga más tiempo la gran musa, Brigette Bardot.



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The Hustler (El Buscavidas)

Producción americana del año 61 dirigida por Robert Rossen, ganadora de 2 Óscars (fotografía y dirección artística) y con 9 nominaciones. Eddie Felson es un joven arrogante y talentoso con el juego del billar, va por los billares de América dispuesto a batirse en duelo con cualquiera que le rete, de las apuestas viven su representante y él. Pero Eddie no quiere ser sólo un raterillo que se gana la vida engañando a pobres infelices en los billares, quiere ser el mejor, por eso sus pasos se dirigen a Minnessota para batirse en duelo con el Gordo, el mejor jugador de billar que existe. Su poco cerebro y su baja autoestima hace que pierda el duelo cuando ya lo tenía vencido y acorralado. A partir de ese momento su vida se encamina a recaudar el dinero necesario para obtener de nuevo otro duelo con el Gordo de Minnessota, tal vez el amor que encuentra en la joven Sarah Packard puede que reconduzca su vida de soberbia pero de nuevo Eddie con sus problemas de autoestima paga el precio que haga falta con tal de resacir su mayor ambición.

Nos topamos con una de las grandes obras del séptimo arte, en cualquier ranking de las 100 mejores películas de la historia encontraremos esta obra. Habla de valores universales como la lucha, la ambición y una constante que sobre todo se da en el país de las barras y estrellas, los perdedores. Tal como le dice el apoderado de Eddie Felson en un momento de la película, tiene un enorme talento, es el mejor, pero ha nacido para perder. Con la genial interpretación de Paul Newman como ese jugador de billar que no sabe reconducir ese don que tiene y que solo sabe arruinar su vida y lo que es peor, la vida de los que tiene alrededor. Ante los ojos de los eruditos Eddie Felson es un hombre de éxito, el mejor en su disciplina pero en su vida real es una de las personas más desgraciadas de este mundo. 130 minutos donde se nos cuenta algo simple y sencillo que luego te hace reflexionar algo las cosas más complejas del comportamiento humano. Sencillamente genial.



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Inland Empire

En la ostentosa ciudad de Los Angeles, va a comenzar el rodaje de una película del director Kingsley Stewart. Esto no seria noticia, a no ser por las características del film en cuestion. Se trata de un remake de una antigua pelicula polaca, cuyos protagonistas sufrieron extraños accidentes; el titulo fue calificado como 'maldito' y la obra nunca se concluyó. Kingsley se desmarca de cualquier tipo de superstición, y decide filmar el largometraje. Un día antes del comienzo del rodaje, la protagonista principal, Nikki Grace, recibe la inquietante visita de una vecina. La mujer es de alguna parte del este de Europa; le cuenta la historia de la maldición de la pelicula y le comenta cosas sobre su futuro. Nikki, contrariada, empieza a perder la percepción de la realidad. No obstante, al día siguiente acude a trabajar sin comentar nada de lo sucedido. Sin embargo su mente irá perturbandose progresivamente; el personaje que interpreta (Susan Blue), tomará el control de su realidad y la vida miserable de Susan se convertirá en la cruda existencia de Nikki. La paranoia regirá las acciones de Nikki y la embarcará en un viaje desde Los Angeles a Polonia, para terminar de nuevo en la ciudad Californiana, esta vez en los suburbios, herida de muerte y sin saber diferenciar entre quien es Nikki y quien es Susan...

Estamos ante una de las peliculas mas vanguardistas que hemos comentado en el blog. El mejor cine experimental de los últimos años. El maestro Lynch se atreve a rodar una pelicula, en la que el guión es prácticamente improvisado por el propio director. El resultado es un film extremadamente complejo, para que que muchos espectadores no estaran preparados. El secreto es verlo como una obra diferente; no hay que esperar una película "clásica", sino un cúmulo de sensaciones. Son impresionantes los juegos de colores, la calidad de las escenas (cuidadas hasta el último detalle) la música con el gran Angelo Badalamenti (Twin Peaks), la fotografía, el modo de filmación (100% digital, Sony DSR-PD150)... En este punto quería recalcar, que me ha recordado mucho a la película La Habitacion (ya comentada en el blog). En lo referente a la historia, a veces es clara y brillante (la conversación de las prostitutas de Los Angeles es genial), a veces es ofuscada y opaca. El secreto esta en dejarse llevar y asombrarse, como me he asombrado yo, con todo lo que se reflejaba en mis pupilas. Con esta obra, Lynch demuestra una vez mas que solo hay un trio de directores que estén a su altura creativa. No apta para seguidores de cine racional/convencional.

Nota:8,8


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El hombre que pudo reinar

Daniel Dravot y Peachy Carnehan, son dos granujas aventureros que sobreviven en la decadente India Británica. Siempre andan metidos en líos, de los cuales casi siempre salen victoriosos. El más truculento y descabellado, les sucede cuando conocen al periodista Rudyard Kipling: nuestros protagonistas pretenden hacer fortuna en el norte del país, en los lejanos parajes que solamente logro conquistar Alejandro Magno. Firman un rocambolesco contrato, con Kipling como testigo y se embarcan en una peligrosa epopeya destinada al fracaso. Tras muchas penurias, logran llegar a su destino. Cargados con rifles y munición, se ofrecen a entrenar a los habitantes de la primera aldea que visitan; el jefe de la aldea, acepta y conviereten a unos humildes pueblerinos, en un pequeño ejercito de élite. Comienzan a conquistar aldeas cercanas y las arcas de los dos aventureros se llenan incesantemente. Todo parece ir viento en popa, hasta que un día sucede un hecho sorprendente: el sumo sacerdote de la región, cree que Daniel es el hijo de Alejandro Magno. De esta manera, los dos occidentales, logran gobernar de manera pacífica todos los territorios no conquistados. Sin embargo, Daniel, comienza a creerse su papel de semi-dios; esto no gusta a Peachy, que decide volverse a Inglaterra con la fortuna que han ido amasando. El destino hace que se conozca la verdadera identidad de Daniel, lo que provocará la ira del sumo sacerdote y tornara de rojo sangre la odisea de los dos locos viajeros...

Clásica epopeya de aventuras, dirigida por el maestro John Huston.A destacar, por supuesto, la tripleta interpretativa, nunca más repetida, a cargo de Michael Caine, Sean Connery y Christopher Plummer. Una historia directa, sobria y original, acerca de las ambiciones del hombre. Esta película de 1975 resulta indispensable para apreciar la evolución del cine aventurero y como un film del género puede convertirse en una obra de referencia dentro del séptimo arte. En definitiva, un largometraje de gran calidad, con un buen guión, unas actuaciones sobresalientes y una fotografía soberbia.

Nota: 8,7



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Juno

Producción americana del año 2007 dirigida por Jason Reitman, Óscar al mejor guión original en la última entrega de premios (Diablo Cody) y nominada a mejor película, director y actriz protagonista. Juno es una chica de 16 años que va al instituto que se queda embarazada de Bleeker, su mejor amigo. Para Juno la historia no va mucho con ella y en primer lugar decide abortar sin contar con su padre y su madrastra pero luego recapacita y quiere darlo en adopción a una pareja, en una anuncio del periódico encuentra la pareja perfecta, los Loring (Vanessa y Mark), para Vanessa es una gran noticia porque al fin podrá cumplir su sueño de ser madre pero para Mark es más interesante su relación con Juno porque enseguida conectan y hay una complicidad que con Vanessa ahora no consigue en su carcelario matrimonio, sus visiones de la vida son totalmente opuestas.

Interesante producción independiente donde habla de temas universales como la juventud, la madurez, el síndrome de Peter Pan, la maternidad y sobre todo el amor. Quiero resaltar como punto oscuro de este film el papel sobreactuado de la protagonista (Ellen Page) que tiene un punto de sabionda repelente que podría haber arruinado todo el relato pero está muy bien escrito y de ahí su merecimiento al premio Óscar. El aspecto más interesante del film y que creo que es un acierto por parte de Diablo Cody es que en ningún momento hay una carga moral o juiciosa sobre ningún personaje del relato, si algo me gustó de esta película es que cada cual toma sus propias decisiones en virtud de su manera de ser, así si Vanessa quiere ser madre pues ella sigue en su objetivo, mientras Mark se muda a un loft del centro de la ciudad y Juno encuentra el amor al lado de su inseparable Bleeker, un chaval que no le cuesta ningún esfuerzo querer a Juno y que la acepta como es, un terremoto en erupción que ni su propio padre militar la puede parar. Un cine entretenido que a ratos te hace pensar.



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