Las alas de la vida

Producción documental español del año 2006 dirigido por Antoni P.Canet ganador del premio al mejor documental ese mismo año en la Seminci de Valladolid. Carlos Cristos era un médico de cabecera en Mallorca natural de Galicia al que le diagnostican una enfermedad terminal del sistema nervioso que poco a poco le hará perder el habla y sus facultades motrices, pero no sus facultades intelectuales. Este hombre pide a su amigo Toni Canet que es director de cine que filme su vida y sus reflexiones después de tan terrible diagnóstico y que hay que afrontar la vida desde ese momento con una sonrisa sin perder la consciencia sobre a lo que se tiene que enfrentar. En un admirable esfuerzo tanto del director como de Carlos ruedan un documental donde la reflexión y el impulso por la vida se impone a la sensiblería de feria y a las actitudes lacrimógenas que surgen ante las dificultades.

Nos encontramos ante un tesoro dentro de la filmografía de nuestro país donde un hombre tan inteligente como Carlos Cristos nos entrega su sabiduría médica y un legado para recordar que la medicina está a disposición de las personas y que el dolor forma parte de nosotros. En el documental se hace hincapié en varios aspectos éticos dentro de la medicina como los cuidados paliativos del paciente que está sufriendo, Carlos elige la opción de una eutanasia pasiva, es decir, que no adelanten su final pero que tampoco lo retrasen y que si hay que dejarle morir en su dignidad que se le deje y que no se haga nada por mantenerlo en este mundo. También está el enfoque del cuidador donde tiene a su mujer que también tiene que hacer su vida al margen dentro de lo que se puede de la enfermedad que afecta a su marido. Una lección de vida de este hombre que aún sigue entre nosotros y que su deterioro le hace que apenas ya se le entienda al hablar pero me quedo con una frase que dice en el documental. Mientras siga la música nosotros continuaremos bailando. Una película cuyos derechos ha comprado el Ministerio de Sanidad ya que el actual ministro Bernat Soria es amigo de este gran médico y que debería ser obligada su visión para recordar por qué estamos aquí.



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My Blueberry Nights

Producción chino-francesa dirigida por el hongkonés Wong Kar Wai, film que estrenó la sección oficial del Festival de Cannes del año 2007. Elizabeth frecuenta todas las noches la cafetería que regenta Jeremy, ha perdido a su pareja y se encuentra en la fase de búsqueda de sí misma y comenzar otra vez de nuevo. Su viaje introspectivo también se verá reflejado en diversos personajes que va conociendo en su viaje al exterior, así a través de los sinuosos caminos de la ruta 66 conoce a Arnie, un policía alcohólico que intenta recuperar a su mujer Sue Lynne, mientras su mujer ya lo dejó hace tiempo por otra persona. También conoce a Leslie en Las Vegas, una jugadora de casino muy segura en sus posibilidades pero que en realidad es una mala apostante y que hace en Elizabeth el efecto de no confiar en los demás.

En su aventura americana Kar-Wai apuesta con su mismo equipo de siempre y por una historia ahora enfocada en el personaje femenino de Elizabeth interpretada por la debutante Norah Jones, este director tiene una manera muy interesante grabando que crea su propio estilo y universo que cuando ves un fotograma sin saber que es suyo adivinas que lo ha realizado él. Ahora rodeado de actores occidentales habla de los mismos valores que en sus películas asiáticas y con una fantástica banda sonora con temas muy buenos cantados por la propia Norah Jones y Cat Power. Adolece el relato eso sí de un ritmo adecuado donde a veces las cosas suceden demasiado rápido y otras ocurren demasiado despacio. Hace 3 partes dentro del relato que podrían haber sido 3 películas independientemente y echo de menos al Wong Kar Wai que no se preocupaba porque hubiese acción sino que en los simples detalles encontrabas emociones y recuerdos para toda tu vida. Recuerdos como esas latas de piña que comía el policía de 'Chungking Express' y que ahora son pasteles de arándanos en una cafetería de Nueva York.



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Seppuku (Harakiri)

Producción japonesa del año 1962 dirigida por Masaki Kobayashi, premio especial del jurado de Cannes ex-aqueo con "Az prijde kocour". En el siglo XVII muchos samurais después de los conflictos entre familias feudales del Japón se quedan en la más absolutas de las miserias ya que no tienen trabajo, nadie les da un oficio y muchos de ellos para vivir deshonradamente van a las casas de las familias feudales a pedir la ceremonia de Seppuku, que consiste en rajarse el estómago con un corte transversal mientras estás asistido por otro samurai que te decapita llegado el momento. Muchos de los samurais amenazando con el Seppuku lo que obtienen son unas monedas de los señores y no se hace la ceremonia. No es el caso de Tsugumo, un viejo samurai que se presenta en la misma casa donde Motome había practicado Seppuku antes que él. Mientras llega el samurai que tiene que asisterle a la ceremonia pide humildemente contar la historia de su vida. Los señores feudales de la casa se van a llevar más de una sorpresa con este viejo samurai.

Seppuku es una de las historias cumbre de samurais del cine japonés, en cualquier web o foro se ve la alta nota que tiene este film, con un acento marcado en cuestiones de honor, venganza, traición o cobardía recuerda a las grandes obras del maestro Shakespeare como 'Hamlet' o 'El Rey Lear'. Un relato duro pero con una tremenda humanidad que no tiene ningún artificio musical o de fotografía y que está rodado en blanco y negro. Son del tipo de relatos cinematográficos que ya no se hacen ahora donde importa más la historia y su cuidado que aspectos meramente técnicos. Sus 135 minutos de duración no se hacen nada largos y aunque en alguna escena se te cierran los ojos debido a la dureza de la imagen al terminar de verla te quedas satisfecho y con la sensación de que la honorabilidad es uno de los más altos valores que existen en el ser humano. Cine de aventuras pero con mensaje basado en las más grandes obras literarias.



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Joe Strummer: The Future Is Unwritten

Producción irlandesa del año 2007 dirigida por Julian Temple, director de documentales musicales tales como 'The Filth and The Fury' de los Sex Pistols. En este ocasión el protagonista del documental es Joe Strummer, cantante de los Clash y los Mescaleros fallecido en el año 2002 y uno de los actores principales de la escena punk del Londres de finales de los 70's - principios de los 80's. Alrededor de hogueras, tal como le gustaba a Strummer, personas afines a él y músicos muy importantes de esa generación recuerdan a este genio vitalista que no paraba de moverse, desde su nacimiento en Ankara y viajando desde muy pequeño ya que su padre era diplomático hasta su llegada a Londres donde es internado y empieza sus primeros flirteos con la música en los 101'ers. La ascensión de un hombre que lideró una de las bandas más míticas del punk y que dejó el éxito para seguir explorando otros caminos como la electrónica o el rock con su grupo Los Mescaleros. Strummer fue mucho más que un músico de unos cuantos hits con The Clash, era un artista que siempre quería algo nuevo y que siempre avanzaba para escribir de nuevo el futuro.

El director de este documental habla del protagonista con un tono de amistad ya que en vida fueron muy amigos Temple y Strummer (alias rasgueo) pero también lo retrata como un ser humano con sus aciertos, errores, virtudes y defectos. Recomiendo la biografía de este personaje ya que el aspecto más interesante de Joe era que siempre estaba buscando algo nuevo, era su melomanía en constante búsqueda de nuevas músicas y sobre todo eso le hacía apostar mucho por las personas, de ahí el constante goteo de personajes que hablan de él durante el documental y con un tono de muestras de cariño hacia él aunque era un personaje bastante arrogante que te podía hacer una putada en cualquier momento. Un hombre digno que tuvo hasta el final el detalle de volver a juntar a miembros de The Clash no para hacerse de oro, sino para ayudar a unos bomberos en Inglaterra. Un artista de los que ya no quedan que el dinero le daba todo igual, la fama, su arrogancia en su obra se palpa, pero es alguien que no te deja indiferente y que en mi caso no dejo de admirar ante su gran sabiduría musical y su espiritu noble y dispuesto ante la perspectiva de aprender nuevas cosas para el futuro.



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La hija del engaño (Don Quintín el amargao)

Producción mexicana del año 1951 dirigida por Luis Buñuel basada en la novela teatral de Carlos Arniches. D. Quintín es un comerciante casado y con una hija muy pequeña, es un hombre honrado que apenas puede subsistir. Un día al regresar a su casa por el imprevisto en uno de sus viajes de negocios encuentra a su mujer con uno de sus clientes, enseguida echa de casa a su mujer y ella en venganza le dice que la hija que creía suya es de otro hombre. D. Quintín lleno de furia se convierte en otra persona, un ser nuevo, deja a la hija abandonada a una familia humilde y no da posibilidad a la madre de volver a verla nunca más, se convierte en un hombre importante y regenta un casino con mano de hierro. Su mujer en el lecho de muerte le confiesa a D. Quintín que la hija efectivamente es suya y que lo dijo en venganza por echarla de casa, a partir de ese momento D. Quintín va en busca de su hija legítima.

Esta adaptación teatral que Buñuel aborda en su exilio mexicano ya la había producido en Madrid en su juventud y pone su indiscutible sello surrealista en este breve relato de zarzuela de Arniches. Detalles como que el casino de D. Quintín se llama 'Infierno' porque representa los valores de la bajeza humana y donde nuestro protagonista es la copia exacta del mismísimo diablo o cuando D. Quintín al final de relato va hacía la cámara desafiante para invocar que todo le sale mal a pesar de que ha recuperado a su hija, en el fondo no está alegre por el bien porque el diablo lo que quiere es el mal. Una obra sencilla, básica y con un argumento fácil es capaz Buñuel de darle la vuelta y estampar su propio estilo y personalidad y así una pieza teatral se convierte en un pieza de cine surrealista. Por algo se dice en algunos mentideros que Luis Buñuel es el más grande de los directores que ha tenido el séptimo arte.



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4 luni, 3 saptamini si 2 zile (4 meses, 3 semanas y 2 días)

Producción rumana del año 2007 dirigida por Cristian Mungiu, ganadora de la última Palma de Oro del Festival de Cannes y mejor película y director de los premios del cine europeo. Gabita y Otilia son dos estudiantes que comparten cuarto en una de las residencias de estudiantes de Bucarest durante los últimos días del comunismo. Otilia tiene un novio y proyectos de futuro y Gabita se ha quedado embarazada. Otilia siendo una gran amiga y compañera de Gabita contacta con un tal Mr Bebe para que le practique un aborto, una práctica ilegal durante el régimen comunista. Para realizar dicho aborto contratan una habitación de hotel y 3 noches para que Gabita se recupere. La operación resultará una auténtica carnicería llena de negligencias y muy poca humanidad por este hombre contratado, lo que hace que Otilia se replantee la relación con su novio y su forma de vida.

Escalofriante relato de Mungiu donde nos traslada a los últimos momentos de la guerra fría y la agonía del régimen de Ceausescu a través de los ojos de Otilia y del dolor físico de Gabita. Este hombre ha dirigido tan bien este drama que sus elipsis hacen que parezca una narración lineal y que actores desconocidos dentro del panorama internacional nos parezcan que han hecho películas durante toda su vida. Para mí el acierto más importante dentro de la historia es que el personaje principal no es la desvalida embarazada víctima que es Gabita sino que Otilia centra el eje central de la historia ya que ella no es la que tiene que abortar pero tiene que preparar todo a su amiga, negociar, luchar y plantearse hacia donde va ella en su futuro. Un relato de la desesperanza que no deja muchos resquicios al optimismo, justamente premiado y que sobre todo al género femenino haría retorcerse de su butaca ante las brutalidades machistas que hoy todavía existen y que reinvidica el papel de la mujer ante la toma de decisiones personales. Me dejó como 4 ó 5 días de reflexión esta película.



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Corazon Salvaje

Todo comienza cuando Sailor Ripley, mata a golpes delante de su novia a un matón negro que quería asesinarlo. Es condenado a prisión, aunque sale al poco tiempo debido a que el crimen fue en cierto modo, en defensa propia. Nada más salir, Sailor queda con su chica (Lula Fortune) y se embarcan en un sucio viaje hacía New Orleans. En motivo: la pasión de Lula por esa ciudad; el fin: amarse de forma visceral y lasciva. Solamente hay un problema; la madre de Lula, celosa de su propia hija, odia a Ripley y desea su muerte. Contrata a un matón despìadado para que termine con la vida del joven. Una trama más siniestra se esconde detrás de todo esto. Vudú, asesinatos, corrupción... un sinfín de delitos ensombrecen el truculento amor de la pareja. Una lucha visceral que terminará en un violento desenlace, coronado por la música de Elvis.

En 1.990, David Lynch estrena esta obra de dificil calificación. Más que un film lineal, la película cuenta con un conjunto más o menos relacionado de escenas de corte surrealista. Repleta de buenos momentos, la historia se muestra demasiado inconexa, como si se hubieran cosido un montón de retales de celuloide. Este largometraje, es el menos cuidado que he visto hasta la fecha del genial director. Lejos de quitarle mérito, hay que destacar los grandes papeles que desempeñan los protagonistas (la irregular Laura Dern rebosa sensualidad en cada fotograma) así como la sobresaliente banda sonora de Angelo Badalamenti (Twin Peaks) que se atreve hasta con temas de Hard Rock (elección más que acertada). En definitiva, un intento por seguir en la brecha del suspense psicológico, que deja a medias a los que nos hipnotizamos con el cine de Lynch.

Nota: 7,6


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Once Upon a Time in America (Érase una vez en América)

Producción americana del año 1984 dirigida por Sergio Leone y de 225 minutos de duración. David Aaron es el nombre de Noodles, un chaval judío que vive a principios del siglo XX en Manhattan en los barrios inmigrantes de la isla junto a italianos, irlandeses y chinos. Su vida durante su infancia transcurre entre la miseria y el trapicheo típico de aquellos años en Manhattan hasta que llega otro niño judío un poco mayor que él a la comunidad, se trata de Max, un chaval con una personalidad arrolladora que hará con Noodles una banda callejera donde tendrán unos duros comienzos e incluso un accidente marcará a la pandilla para siempre. Con el tiempo se harán con el control de las actividades de juego y alcohol en plena ley seca en el barrio judío de Manhattan, están en lo más alto y la amistad es plena entre los componentes del grupo, pero todo se irá deteriorando, adicciones, mujeres y ambición propiciarán la mayor de las traiciones por parte de Max hacía Noodles. Mucho tiempo después Noodles regresa a Manhattan para aclarar las cosas.

Extenso relato el de Leone como para poder hacer un resumen de lo que es esta obra para el cine moderno. Para muchos expertos la mejor película de este realizador conocido mas por el 'spaguetti western' que por esta producción. Con una música hecha por su habitual colaborador Ennio Morricone supone una de las películas cumbre del cine contemporáneo. Con un aroma a los grandes clásicos donde te podías pasar una tarde de fin de semana entera para visionarla, un gran vestuario, unos actores de lujo como Robert de Niro o James Wood y una historia con tintes shakespirianos pues tienes que nada más quitarte el sombrero para admirar semejante trabajo. Los puntos más fuertes de la historia están en la historia de amistad entre dos líderes como son Noodles y Max, capaces de lo mejor y lo peor en la misma persona, Noodles se tira una condena entera en la cárcel por sus compañeros pero luego es capaz de hacer daño a su más tierno amor de la infancia. En definitiva una película que muestra a flor de piel los sentimientos humanos más altos y más bajos que se pueden dar en una persona, la amistad, la lealtad, la traición o la violación de la ley en 3 horas y 40 minutos de una versión que denominaría como 'El Padrino' pero sobre el tema de la amistad en vez de tanto hincapié en la familia como hacía Coppola.



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Good Night. And Good Luck (Buenas noches y buena suerte)

Producción americana del año 2005 dirigida por George Clooney, nominada a 6 Óscars de la academia y Copa Volpi en Venecia al mejor actor (David Strathairn) en el papel del periodista protagonista Edward R. Murrow. Basada en un hecho real este periodista tenía en la cadena CBS un programa de actualidad donde trataba diversos temas, uno de los asuntos tratados fue la expulsión de un ciudadano de origen del Este de Europa por supuesto apoyo al comunismo sin ningún hecho refutado por la comisión de caza de brujas del senador Joseph McCarthy. A partir de esta denuncia tanto Murrow como su inseparable productor Fred Friendly tienen que lidiar tanto con la comisión del senador que perseguía a seguidores y simpatizantes del partido comunista como a su propia cadena porque estaba en juego su dignidad y ética periodista frente a los intereses políticos, comerciales y empresariales. Una fe inquebrantable de su equipo hacia él y la inteligencia de este periodista hace que salga bien de este asunto y ayudó decisivamente a terminar con el proceso de "caza de brujas".

Un relato brillante es el que nos propone Clooney en esta película, con un guión impecable, el tratamiento en blanco y negro de la imagen y una banda sonora con música de la época hace que sea un relato muy verosímil con lo que pasó en aquel entonces con el senador Joseph McCarthy. El relato comienza con un alegato en la recogida de un premio por Murrow sobre la importancia didáctica de un medio como la televisión y como puede manejar a las masas en favor de un grupo u otro. La película mantiene tan vivo el recuerdo de Murrow que el actor tiene un parecido asombroso con el verdadero Murrow y se tira toda la película fumando al igual que lo hacía el protagonista, incluso cuando presentaba sus programas, los aparatos de la televisión de entonces son los mismos y el ritmo de la película es frenético pero no llega a agobiar en ningún momento, al terminar su visionado es inevitable la reflexión acerca del mal uso de la libertad de expresión y de la falta de libertad en muchos momentos que ha sufrido el tan avanzado como se dice mundo Occidental.



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