Dolls

Producción japonesa dirigida en el año 2002 por Takeshi Kitano, ganador de la Palma de Oro en Cannes por su producción 'El verano de Kukijiro'. A través del teatro Bunraku de marionetas japonesas el director nos propone tres historias donde los seres humanos padecemos como esa expresivas marionetas que se construyen en el Japón y donde sus manipuladores van vestidos de negro. En el primer relato Sawako y Matsumoto son una joven pareja donde a Matsumoto su familia le hará tomar una difícil decisión que hará mostrar su amor por Sawako. Luego llegamos a Hiro, un anciano yakuza que hace más de treinta años dejó a su amor comiendo los sábados sola para prosperar en la vida y que vuelve a visitar el parque donde se veían y se encuentran de nuevo. Kitano finaliza con la cantante pop Haruna Yamaguchi que tras un accidente de tráfico que ha dejado su cara llena de vendas se ha retirado de la música y mira al mar, su mayor y más fiel seguidor (Nukui) le mostrará hasta donde llega su fidelidad por ella haciendo enormes sacrificios.

Es la película más compleja que he visto de este director porque muestra una hipersensibilidad que puede hacer que saltes del sofa y pares la película porque o crees que te está tomando el pelo o que no quieres estar casi dos horas "sufriendo" rayadas sentimentales de un japonés poco menos que un surrealista chalado. Pero dentro de todas esas historias lentas hay muchas cosas guardadas que merecen la pena ponerse a visionar y que te hacen pensar durante algún tiempo, el comienzo de la película es espectacular con la gran representación de marionetas buranku y luego quizás Kitano se excede en el tratamiento de la pareja atada a un cordón que va andando durante todo el relato pero es hermoso ver como Matsumoto cuida de Sawako, o como la mujer dejada por el yakuza tiene la misma inocencia de hace 30 años. La historia de la cantante pop me parece algo metido con calzador pero no deja de ser un relato del maestro Kitano que tal como dije anteriormente en otra película, o lo amas o lo odias.



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Europa

El espectador se encuentra en estado de hipnosis. Está en Alemania, recien terminada la segunda guerra munidal. Es un americano que ha dejado su 'gloriosa' patria para trabajar en un país donde el paro es alarmante. La empresa elegida es Zentropa y es la encargada de gestionar el transporte por ferrocarril. El protagonista ocupará un puesto de revisor en primera clase. Un lugar reservado a la más alta categoría germana, aunque esto no es mucho decir; los vagones son viejos y la mitad del mobiliario esta roto. La huella de la guerra. Poco a poco, el protagonista americano (aunque de origen teutón), es testigo de la dureza con que viven en aquel país. Una pequeña resistencia nazi, comete atentados con los que colaboran con los aliados; a su vez, los aliados obligan a renegar de los ideales nacionalsocialistas a la población Civil. Todo es un caos que avanza al ritmo que marca el tren. Muerte y costumbres que desembocaran en un terrible y sucio mar europeo.

Curiosa película del irregular Von Tier. Esta vez nos plantea de forma atrevida y original, una visión oscura del viejo continente. A través de una especie de hipnósis, apareceremos en el centro mismo de la postguerra alemana. Una nación elegida como representante fiel de la cultura europea. Estricta y orgullosa, no duda en obligar a cualquier extranjero a cumplir las normas establecidas. Una tierra triste, con personas luchadoras que se ven sometidas por el poder gobernante. Vetusta y mágnifica, avanza inexorablemente cual tren que tiene que cumplir un horario. Repleta de metáforas, esta película, muy seria y elaborada, crítica con bastante dureza la manara de ser de los europeos; capaces de matarse unos a otros con tal de defender absurdos ideales. La figura del revisor, representa la pasión que puede despertar el continente. Viaja desde lejos, donde la paz está establecida, para buscarse la vida en un territorio desolado. En definitiva, compleja y recomendable obra de Von Trier, para los que gusten de meditar con el cine, con toques superrealistas y guión muy denso.

Nota: 8,2


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Lilja 4-ever

Producción sueca dirigida por Lukas Moodysoon en el año 2002. Lilja es una adolescente de 16 años que vive en algún punto del mapa de lo que fue la antigua Unión Soviética, pronto se irá con su madre a EEUU para huir del empobrecimiento que sufre la zona, pero la sorpresa es que su madre se va sin ella y la deja abandonada. El panorama para Lilja es desolador ya que su tía la echa de casa y solo encuentra consuelo en su pequeño amigo Volodja, un niño que tiene un padre alcohólico y que lo ha echado de casa, los dos esnifan pegamento y cuando a Lilja se le acaban los pocos recursos que le quedan se adentra en el mundo de la prostitución. En una de sus noches de trabajo Lilja conoce en la discoteca al atractivo Andrei, él se porta muy bien con ella y van haciéndose novios poco a poco. Andrei le propone marchar a Suecia para tener una vida mejor.

Duro retrato el que nos propone Moodysson acerca del comercio de niños para el sexo, de hecho la película está dedicada a ellos, cuando crees que a Lilja peor no le puede ir pues resulta que más se adentra en el pozo, el director no da tregua y retrata una historia que perfectamente puede darse en la realidad. A pesar de lo cruento del relato hay momentos para la ternura como cuando en una escena muy bonita Lilja le regala al pequeño Volodja un balón de baloncesto por su cumpleaños para que pueda jugar, los dos fantasean con un mundo mejor donde a ellos les pueda ir bien pero en ciertas zonas de la europa post comunista los niños no juegan y la promesa de un futuro mejor en la europa capitalista es aún peor pesadilla que la que se vive en Rusia. Quiero destacar las interpretaciones de los dos protagonistas de la película, ambos primerizos, Oksana Akinshina como Lilja y Artyom Bogucharsky como Volodja. Moodysson enfoca el relato a modo de elipsis donde el principio de la historia es a su vez el final de la película, todo ello aderezado con un tema de Rammstein para redondear un producto altamente recomendable.



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Caché (Escondido)

Producción austriaca dirigida por Michael Haneke en el año 2005, premio al mejor director en el festival de Cannes ese mismo año. Georges es un feliz padre de familia que tiene una guapa mujer (Anne) y un hijo adolescente (Pierrot), él presenta un programa de televisión acerca de literatura y constituye un arquetipo de la típica familia de centro-europa de clase media-alta que lleva una vida desahogada junto a sus amigos y sus hobbies. Pero todo se tuerce cuando a casa de Georges empiezan a llegar videos donde aparecen que les están grabando sus movimientos, también llegan algunos extraños dibujos que no saben lo que significan. Georges acude a la policía pero ellos no pueden hacer nada ya que no se está cometiendo delito alguno, conforme van llegando videos la información acerca de la vida de Georges en diferentes etapas de su vida es más precisa y esté tiene una sospecha de quien puede ser quién envia los videos.

Como buen maestro del cine Haneke nos ofrece un misterioso relato que ni siquiera se molesta en resolver, lo importante son otro tipo de cosas, el egoísmo de la infancia de Georges hacia el niño inmigrante que acogieron sus padres, la privacidad que tiene cada individuo a no ser grabado por la calle, el adolescente que se apoya en la crisis que están pasando los padres por la situación que están pasando por los videos y hacer lo que le dé la gana. Todo en Caché es un puzzle de muchas piezas que te deja varios días pensando las diferentes situaciones que te ofrece la película. Por supuesto aparece el inconfundible sello del director donde una violencia psicológica con alguna escena bastante fuerte hace que te remuevas de tu cómodo sillón donde estás visionando el film. Relato muy premiado, se llevo 5 de los grandes premios de la academia del cine europeo y donde las interpretaciones de Daniel Auteuil y Juliette Binoche merecen ser destacadas.



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Al rojo vivo

Un peligroso atracador, Cody Jarrett, perpetra junto a su banda un golpe contra un tren de mercancias. Frío como el hielo, tiene preparado un plan para salir indemne con el dinero robado. Sin embargo, un astuto policía descubre el paradero de Cody, quien se siente acorralado y teme por su suerte; si le culpan del delito comedito en el tren , irá a la silla eléctrica. De nuevo el bandido da muestras de su sagacidad y decide inculparse en un delito menor, que le ofrecería una inmejorable cuartada para escapar de las sospechas que le relacionan con lo ocurrido en el ferrocarril. La idea es genial y Cody acaba con sus huesos en la cárcel por no más de un año; bajo precio si lo comparamos con lo que cuesta una vida. Sin embargo la policia lo tiene señalado; espera que cometa un error y pague todos sus crimenes. Un topo profesional se hará pasar por presidiario, para ganarse la confianza de Cody. Pero el delincuente es muy listo y desconfiado, y no suelta prenda de sus fechorias. El problema lo tiene fuera; es un tipo muy odiado y le estan comiendo el terreno. Primero su mujer y luego su madre. No puede aguantar más y decide fugarse. Es entonces cuando la policia puede actuar. No será nada fácil, pero la persecución terminará en un punto de no retorno...

Excepcional film de cine negro, en el que James Cagney da una lección de como hay que interpretar a un malo de verdad. Para mi, uno de los personajes más perversos que he visto en la gran pantalla. Complejo y enfermo; maquiavélico e innoble. Sin detenerse únicamente en el gran guión que sustenta la historia, el realizador maneja el suspense con un ritmo trepidante que se consigue gracias a una puesta en escena muy adelantada a su tiempo. Brillantes persecuciones, detalles técnicos sobresalientes y una hiladísima trama, hacen que lo contado sea más que creíble. Como transfondo, el profundo drama de un desdichado protagonista (Cody Jarrett) convertido en criminal despiadado. Una dura infancia y una enfermedad mental, hacen que la crueldad de Cody alcance el grado de Psicopatía. El amor por al dinero, la falsedad y el crimen organizado, son el resto de ingredientes que podemos saborear en este magnífico largometraje, rodado en 1949, pero que podría rubricarlo cualquier director actual.

Nota: 9,1



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La leyenda del tiempo

Producción española dirigida en el año 2006 por Isaki Lacuesta, título homenaje al gran disco homónimo de Camarón de la Isla. En San Fernando (Cádiz) vive una familia gitana donde el menor de los hijos (Isra) tiene una prodigiosa voz y desenvoltura para el cante flamenco pero tras la muerte de su padre y tras guardar rigurosamente el luto ya no le apetece cantar debido a la tristeza por la pérdida de un ser tan querido, Isra mientras mantendrá los litigios con su hermano mayor y descubrirá el amor que siente por Saray. En Tochigi Makiko es una enfermera muy devota al flamenco y se desplaza hasta San Fernando para cumplir su sueño de conocer los rincones donde Camarón vivió y quiere ser cantaora flamenca, se topará con la realidad de que el cante flamenco no lo enseña un profesor, que es algo que se lleva dentro y tras conocer también el fallecimiento de su padre tampoco le apetece cantar.

A modo de documental que es la especialidad de Isaki nos cuentan dos historias de sentimientos universales que son la música y la familia. La primera parte (La voz de Isra) nos parece una historia más cercana donde observamos la sensibilidad y el egoísmo de un niño que su única salida de la isla podría ser el cantar flamenco, el sueña con salir al extranjero como a Marbella o Barcelona pero el flamenco requiere de un estado de ánimo que ahora mismo no tiene a pesar de su gran talento. En la segunda parte (La voz de Makiko) se nos muestra una historia de la intención de los adultos de alcanzar nuestros sueños dejando muchas cosas por el camino a las que debemos renunciar. El nexo de unión entre estas dos voces es un pescador japonés que lleva mucho tiempo en San Fernando, un personaje solitario que ya renunció hace mucho a su familia por llevar un estilo de vida al lado del mar. Es una película muy bonita, con una gran banda sonora de cantaores flamencos y que me hace pensar y resistir mi idea de que en el cine español hay verdaderos oasis de calidad.



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No Direction Home

Producción americana dirigida en el año 2005 por Martin Scorsese, es la gran obra del maestro Scorsese rindiendo un homenaje a la voz de una generación del rock, Bob Dylan. En la primera parte Martin combina los comienzos del músico de Duluth (como Robert Zimmerman se convierte en Dylan por el poeta Dylan Thomas) cuando descubre a Woody Guthrie y se traslada a Nueva York para ir tocando en las cafeterías del Greenwich Village con los abucheos que los seguidores del folk de Dylan le compensan cuando esté cambia por una vertiente musical mucho mas pop-rock. En el Village Dylan conoce a todo tipo de gente que le servirá de inspiración, como su amor Joan Baez, el poeta beatnick Allen Ginsberg o el músico Bob Neuwirth. El halo de la fama de Dylan sigue creciendo y se convierte en la voz de los desheredados hasta el festival de folk de Newport donde viene la inflexión y el caracter indomable de este genio del siglo XX. En plena actuación saca a toda su banda y su estilo folk se convierte en poesía rock sonora, los gurús del folk como Pete Seeger quisieron incluso sabotear su ruidosa actuación pero Dylan durante toda la gira desde Newport aguantó estocaimente y nunca se posicionó en algún bando, tras terminar en Europa el continuo abucheo y rumores de prensa sensacionalista no volvió actuar en 8 años y sufrió un accidente de moto que también le cambió para siempre.

Impresionante relato de Scorsese sobre el próximo Premio Príncipe de Asturias de Literatura, el documental que se divide en dos partes dura casi 3 horas y media pero en ningún momento decae el ritmo y te ves envuelto en una espiral a la que crees pertenecer y que habla de la historia de un país y de una gente que simplemente querian ser artistas y representaron una vanguardia que cambió radicalmente el panorama musical. Quiero destacar el hincapié que hace el documental de que Bob Dylan estaba por encima de filiaciones políticas, grupos musicales y tendencias. Para los artistas no existen esos términos, Dylan era triste y feliz a la vez con su máquina de escribir de donde sacó algunas de las más brillantes frases que se han hecho en la historia musical. Scorsese nos regala con esta película uno de los sueños que cualquier seguidor de Bob podría imaginar, por eso como decía Dylan y Washington a Scorsese perfectamente le dejaría estar en mis sueños porque él ya me ha dejado estar en uno de sus sueños que era realizar este film. Todo un despliegue donde amigos ya sabemos que la respuesta está en el viento.



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Lisboa Story

Producción germano-portuguesa dirigida por Win Wenders en el año 94. Phil es un ingeniero de sonido alemán que recibe un misterioso mensaje de su amigo cineasta Fritz que está rodando una película en Lisboa, en el mensaje Fritz le pide ayuda a su amigo Phil y le convoca que vaya hasta allá. Sin dudarlo Phil coge su coche y dirige sus pasos hacia la vieja ciudad europea donde desemboca el Tajo. Una vez allí Phil no encuentra nunca a su amigo Fritz pero descubre todo un mundo de sonidos y sensaciones que son con las que trabajará luego en la película que está supuestamente rodando Fritz y por ello la ausencia de este durante el relato.

Wenders en este caso nos propone otro juego diferente al cine convencional que tanto abunda y a través de los ojos y oídos de Phil nos descubre el maravilloso mundo del barrio de la Alfama de Lisboa y el encantador sonido del fado portugués. De hecho la banda sonora de esta película (como no podía ser de otra manera tratándose de Wenders) está muy trabajada y la compone el grupo Madredeus cuya cantante Teresa Salguerio tiene un papel secundario en el film haciendo de ella misma. No esperen de Lisboa Story piruetas argumentales o historias enrevesadas, simplemente se nos muestran sensaciones visuales y sonoras que de eso al fin y al cabo se trata el cine. Sin duda recomiendo este relato para enamorados de la ciudad de Pessoa.



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