Freud, pasión secreta

USA (1962)

Un joven y desconocido Sigmund Freud, intenta abrirse paso en su querida Viena como profesional en el indefinido mundo de la psicología. Por un lado los hay que dicen que es parte fundamental de la medicina y por otro que las enfermedades psicológicas son invenciones. En pleno debate, el doctor Freud plantea una teoría sorprendente: hay una parte del cerebro que actua independientemente de los actos del individuo; esta parte se llama subsconsciente y es el origen de la mayor parte de las histerias. Sin saber muy bien como demostrar esto, recurre a la hipnosis para averiguar lo que se esconde en lo más profundo de la mente. Pero estas técnicas no convencen a los sabios del colegio de médicos y no obtiene casi apoyos. No obstante sigue investigando, hasta darse cuenta que con una simple conversación puede despertar el subconsciente de una persona; es más, la mayoría de las patologías tienen que ver con el sexo. Hay deseos sexuales hasta en los niños pequeños. Por esto si que no pasan los médicos Austriacos y Freud es abucheado en la primera ponencia en la que expone su teoría.

Película considerada de "segunda clase" dentro de la filmografía del gran John Huston (47 peliculas dirigidas) Sin embargo considero que este biopic de uno de los personajes más influyentes en el mundo de la psicología, merece un puesto de honor en el ranking de grandes obras de Huston. No solo por mostrar de una manera objetiva y clara los inicios del controvertido médico, sino por no rendirse al convencionalismo de la época y lograr una historia sin partidismos, sin buenos ni malos y sin monsergas morales. El realizador nos relata los inicios de un Freud con miedos y traumas como todos los mortales, pero luchador y con una inmensa fé en si mismo. Es curiosa la reflexión que puede surgir de ver la película, relacionada con la cantidad de millones que mueven este tipo de terapias y la poca credibilidad que tuvo entre los profesionales cuando el médico la planteó. Pregunta caprichosa ¿a cuanto cobraría la hora de sesión Freud en el Hollywood del siglo XXI? Muy interesante para los que tengan interés en la psicología médica y por supuesto en la vida del gran maestro de la vertiente moderna.

Nota: 7,8

Para Recordar: "Error tras error es la única manera de encontrar la verdad absoluta."
Para Olvidar: Los tratamientos puntuales a pacientes. Podría haberse tratado todo desde un punto de vista más genérico.


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Pan Negro

España (2010)

En algún lugar de la Cataluña rural de postguerra ocurre un hecho lamentable. Un salteador de caminos asesina a un campesino y a su hijo. El asesinato conmociona al pequeño pueblo donde la familia vivía. Aunque no son buenos momentos para nadie, sobretodo para los simpatizantes con la izquierda. El fascismo gobierna en todas partes y los antaño republicanos están siempre en el punto de mira. Esto es lo que le ocurre a Farriol y a su familia. Parece ser que se quiere acusar al ex-miliciano del crimen cometido. Esto le obliga a exiliarse a Francia y esperar que todo pase. Mientras, Andreu y sus amigos viven un tanto ajenos a las miserias por las que esta pasando ya no solo su aldea sino todo el país. Pobreza, corrupción, trafico de influencias, violencia... El chaval no entiende nada de lo que ocurre, aunque tiene mucha curiosidad por saber porque Farriol, su padre, ha huido tan lejos. Poco a poco irá descubriendo la verdad; una verdad que no entiende de bandos y que hace difícil diferenciar entre buenos y malos.

Triunfadora absoluta de la última edición de los premios Goya para sorpresa del público más comercial. No tanto para la crítica, pues este film de Agustí Villaronga no ha hecho mas que cosechar nominaciones desde su estreno: Dos en los premiso José María Forqué, 15 en los Gaudí, 14 en los Goya... Con este tipo de films, el cine español gana muchísimos enteros desde el punto de vista de la calidad. Y es que si algo podemos decir de la realización del largo es que es sencillamente impecable. Con una historia dramática robusta, el director nos muestra la triste existencia de nuestros antepasados recientes en la patética postguerra de provincias. Pero no se conforma con la típica epopeya de la guerra civil, tantas veces representada en el cine patrio. No. La trama llega al punto del suspense, convirtiendo las inquietudes de un niño en una especie de historia de detectives. Todo ello con reflexiones muy profundas y, por supuesto, con un elenco de actores sensacional, ya no solo los consagrados como Sergi López, sino las nuevas promesas encarnadas por una tropa de chavales que ya han dado que hablar. Mi más profunda enhorabuena a este pedazo de obra del cine nacional que ha supuesto un triunfo para las artes catalanas.

Nota: 9

Para Recordar: La recreación de la aldea catalana de la postguerra. En Estados Unidos por ejemplo, no habrá pueblos así desde 1800.

Para Olvidar: Las críticas que ha recibido el film desde las secciones más profanas del cine nacional. Simplemente incultura en estado puro.



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El bonaerense

Argentina (2002)

Producción dirigida por Pablo Trapero, ganadora del premio FIPRESCI del festival de Chicago. Zapa, el mote de Enrique Orlando, es un cerrajero en un pueblo de la provincia de Buenos Aires, se trae unos negocios de aperturas de cajas fuertes con un ratero que se llama El Polaco, en uno de los robos El Polaco lo deja tirado y lo detiene la policía. Para sacarlo del problema, el tio de Zapa que está dentro de la policía lo manda a Buenos Aires para que ingrese en la academia y entre en el cuerpo de la bonaerense, la policía del caos de la ciudad de Buenos Aires. Zapa va aprendiendo el oficio e intenta sobrevivir a la ciudad, ve que la bonaerense es un estamento totalmente corrupto, mal pagado y que cada cual organiza sus propios negocios, su mentor va a ser el inspector Gallo, alguien con quien no debería juntarse mucho, la teniente Mabel, con quien Zapa mantiene una relación, le avisa de tales compañias, pero el poco carácter de Zapa le juega una mala pasada.

Interesante relato que nos viene del cono sur, enmarcado dentro de neorrealismo cinematográfico este nuevo director nos descubre las miserias del cuerpo policial de la ciudad de Buenos Aires, donde todo está manchado por la corrupción. De hecho, nuestro protagonista ya ha sobrepasado la edad para ingresar en la bonaerense, pero eso da igual porque ya se puede llegar a un acuerdo y falsificar las fichas. El guión está muy construido y cuenta muchos aspectos que definen la vida cotidiana en Argentina, el punto flojo del film son los actores, sobre todo el protagonista, Jorge Román, como Zapa, se nota muchísimo que no es un actor profesional y hace que una película que podría ser un gran film lo deje solo en interesante para algunos cinéfilos. Una obra que denuncia el modo de vida de muchos argentinos, que en vez de dedicarse al laburo (como dicen ellos) más bien se dedican a negociar en la gran ciudad para ver quien engaña a quien. Es una lección que no deberíamos olvidar.

Para Recordar: Lo hijo de puta que es Gallo y la corrupción dentro del propio Estado.

Para Olvidar: La mala interpretación de Jorge Román como Zapa.



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Once Brothers (Hermanos y enemigos: Petrovic y Divac)

EEUU (2010)

Documental para la cadena deportiva americana ESPN dirigido por Michael Tolajian, dentro de su conmemoración por el 30 aniversario de la cadena. Drazen Petrovic y Vlade Divac, el primero croata y el segundo serbio compartían camiseta de la selección yugoslava a finales de los 80, muy jovencitos fueron medalla de plata en los JJOO de Seúl y en el 89 fueron campeones de Europa en Zagreb (Croacia). Ya en esa época en la antigua Yugoslavia había problemas con sus distintas repúblicas y en el año 90 cuando Yugoslavia acude al Mundial de Argentina de basket, la guerra estaba a punto de declararse. En la final con un equipo memorable formado por Petrovic, Paspalj, Toni Kukoc, Dino Radja y Vlade Divac se imponen a la extinta Unión Soviética. Al acabar el partido un espectador salta al terreno de juego con una bandera croata, lo que provoca en Divac un enfado y se la quita. A partir de ese gesto la relación entre Divac y Petrovic se estropea para siempre.

Repaso a través de la voz de Divac y archivos de imágenes de la carrera de estos dos grandes genios del baloncesto balcánico, que por motivos políticos dejaron de ser amigos. Divac intentó a través de la NBA conseguir el perdón de Petrovic, el estaba en los Lakers y Petrovic fue de Portland a los Nets de New Jersey, pero fue imposible. Para los serbios, Vlade, era un héroe nacional por defender a la nación yugoslava y en Croacia no era bienvenido. En el documental se ve que Divac vuelve 20 años después a Zagreb para ver a la familia de Petrovic y todavía por la calle lo siguen mirando con recelo, aún la herida no está cerrada y nunca pudo pedir perdón a Drazen porque un fatal accidente de tráfico cuando iba con su novia por Alemania se lo llevó a la tumba. Divac aclara en el documental que a él le daba igual aquel día de la final que la bandera fuera croata o serbia la que llevase el espectador, el sólo quería a Yugoslavia y que en el equipo eran una piña, fueran serbios o croatas. El documental acaba con un bonito y merecido homenaje de Vlade en la tumba de Petrovic, por fin podía llevar flores a su amigo. Para mí el mejor jugador europeo de baloncesto que nunca ha existido, Petrovic fue un auténtico genio.

Para Recordar: Prácticamente todo, las sinceras palabras de Divac, las imágenes de archivo de Petrovic y que los nacionalismos no traen nada bueno, hace muy poco tiempo en Yugoslavia hubo una guerra y aún se ven las heridas del enfrentamiento.

Para Olvidar: Hay que olvidar para la reconciliación de estos pueblos que una vez estuvieron unidos y que ahora son independientes, hay que buscar la reconciliación.



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Na putu (En el camino)

Bosnia Herzegovina (2010)

Producción dirigida por Jasmila Zbanic, premio especial del jurado en la Seminci de Valladolid. Luna y Amar son una joven pareja residente en Sarajevo, ella es azafata de las líneas aéreas bosnias y el está en un puesto de la torre de control del aeropuerto de Sarajevo, ambos son musulmanes pero de una rama balcánica menos fundamentalista donde la religión es menos dogmática, conviven juntos sin estar casados y el alcohol está permitido. Amar es despedido de su trabajo debido a sus problemas de alcoholismo e indisciplinas varias cuando sale con sus amigos en las ausencias de Luna. En su periodo en el paro, Amar se encuentra con un antiguo amigo del ejercito que compartieron frente en la guerra, ahora es musulmán y le ofrece trabajo en una comunidad musulmana fundamentalista alejada de Sarajevo. La relación de Luna y Amar se va deteriorando por el cambio sufrido por Amar en cuanto a su nueva fe y las ganas de Luna en ser madre. Amar ya no es el hombre del que Luna se enamoró, ahora es abstemio, no quiere salir y cumplirá todas las obligaciones del Corán. Será un buen bosnio y el alcohol saldrá de su vida.

La mano femenina de la directora de este relato se deja notar y mucho, con una perspectiva diferente, afrontamos un film que retrata perfectamente los problemas y deterioros que cualquier pareja puede sufrir en cualquier lugar del mundo pero que lo localiza en un nuevo país como es Bosnia. Luna y Amar se quieren pero las personas cambian por diferentes motivos y razones, puede ser como en este caso la fe de uno ellos, las ansias de maternidad de ella o los problemas laborales. Me gustaría destacar la interpretación de la protagonista de la película, Zrinka Cvitesic, nominada a mejor actriz en los premios al cine europeo, realiza un papel muy convincente y será una actriz a seguir. La banda sonora y la ambientación en la ciudad de Sarajevo está muy conseguida. Además, la película no se encarga de dar o quitar razones de que alguno de los dos personajes protagonistas que son esta pareja haya tenido la culpa de que esta relación se rompa, simplemente se han alejado en sus objetivos comunes, cada cual siguiendo su camino y Luna opta por poner un poco de coherencia en su vida, el camino de Amar es la de llevar a Luna a su territorio mediante sus nuevas vivencias en la comunidad a la que se ha trasladado fuera de Sarajevo. Un buen film sin muchas pretensiones en cuanto que no va a ser una obra maestra pero que arriesga y muestra mucho.

Para Recordar: La magnífica interpretación de Zrinka Cvitesic como Luna, el ambiente de Sarajevo y el enfoque religioso de dos ramas musulmanas, la más ortodoxa y la más fundamentalista.

Para Olvidar: El papel de Amar no está muy conseguido, el actor es bastante limitado al lado de Luna que lo borda.



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Mind Game

Japón (2004)

Tokio, una de las ciudades más grandes del planeta, en la que aún siguen ocurriendo casualidades. Casualidades, como la que permite que Nishi y Myon se encuentren en el metro después de muchos años. Nishi esta enamorado de la chica desde el instituto. Su caracter pesimista y su rol de perdedor, ha impedido que nunca se lance a declarar sus sentimientos. Sentimientos que creía haber perdido hasta que esa tarde la vuelve a ver en el vagón. Un cosquilleo le recorre todo el cuerpo y ahora desea más que nunca arrojarse a sus brazos. Myon le invita a tomar algo al bar de su padre; allí le espera su novio con el que pronto contraerá matrimonio. Nishi acepta la invitación y asume una nueva derrota en su vida. Pero lo que parecía una monótona reunión de ex-amigos se trunca cuando un par de matones entran el el bar buscando al padre de Myon; uno con pinta de mafioso y otro medio loco en pañales, con un balón de fútbol y la camiseta de Japón. Parece ser que el pariente de Myon le ha robado su entrada para la final del Mundial. Nadie revela el paradero del hombre, asi que el demente golpea brutalmente al prometido de la chica y se acerca Nishi en plan amenazador. Nishi es un desgraciado y tiene menos suerte que el novio; el asesino le pega un tiro en el culo y la bala sale por la cabeza. Una triste muerte para un tipo triste. Nishi se encuentra con dios en el cielo y llora su mala suerte; todo esta perdido ya. Sin embargo la última gota de valor la emplea en retar a la deidad y Nishi intenta regresar al mundo de los vivos. Sin saber como lo consigue y aparece justo cuando el matón va a disparar; Nishi ha cambiado; ha ganado por primer vez y nada menos que a Dios. Ahora nada será igual. Con un movimiento rápido desarma a su asesino y le dispara en la cabeza. La realidad es otra ya. Recoge a Myon y a su hermana y huyen a toda velocidad. Los yakuza le persiguen pero el ya no tiene miedo. En una maniobra arriesgada el coche termina en el mar y todos son engullidos por una ballena. Allí vive un anciano que ha montado una casa con lo que la ballena ha tragado durante años. Parece que no hay escapatoria. Pero deben lograrlo porque si bien el mundo no es perfecto, hay gente maravillosa fuera; llantos, risas, odio, amor, esperanza, niños, mayores, prisas, relax, un antes y un después de este día en el que Myon se encontro con Nishi en el metro.

Rareza cinematográfica que nos llega desde mi querido Japón (mi apoyo en estos momentos tan complicados). Deliciosa historia realizada en formato animación, con unos gráficos muy elaborados y vanguardistas. La trama nos relata el anhelo surrealista de su creador, Masaaki Yuasa. El tiempo no existe, cuando lo que importa son las situaciones, las personas. En una gran urbe pueden ocurrir miles de cosas; cosas complejas y cosas mínimas. Todo esto expresado con dibujos que van de lo más básico (cuando los personajes están calmados) hasta el máximo detalle, cuando los protagonistas experimentan una situación comprometida. Bellos alegatos al amor y al arte, que van haciendose más fuertes conforme la trama va llegando a su final. Un final que se va dispersando en una fantasía atemporal, hasta alcanzar los títulos de crédito que comienzan con la frase "Mind Game nunca termina". Precioso y complejo film nippon recomendado para los que gusten de experiencias visuales intensas; visuales y auditivas, pues la música es simplemente una pasada, con temas que van desde el folklore al reggae en japonés.

Nota: 8,1

Para Recordar: El encuentro con Dios.
Para Olvidar: Que sea imposible encontrarla doblada. Gracias a la gente que se kurra tanto los subtitulos.



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Enterrado

España (2010)

Paul Conroy se despierta encerrado en una gran caja de madera. No recuerda como llegó ahí. La última imagen del mundo real que recuerda es el ataque que sufrió su convoy de transporte. Él estaba con su empresa trabajando en Irak. Otro ciudadano americano que termina con problemas. Pero ¿por qué? ¿que hace enterrado en quien sabe donde? De pronto suena un móvil. A duras penas puede contestar. Una voz árabe le habla en inglés. "Esto se trata de un secuestro", le dice; "si no reciben 5 millones de $, no le sacarán de ahí". De golpe y porrazo Conroy se encuentra ante la situación más complicada de su vida. Antes de que se le termine el oxigeno, debe lograr que alguien le envíe 5 millones de dólares únicamente usando un móvil ¿como terminará todo?

Película revelación en el cine español del pasado año. Con una puesta en escena de lo más simple (un hombre metido en un ataúd durante 95 minutos), el director gallego, Rodrigo Cortés, ha logrado hacer histora contundente que ha logrado recaudar más de 3 millones de dólares. Y no tan solo esto; también ha obtenido 3 galardones importantes de la Academia de Cine Española. Todo un triunfo al más puro estilo "La Cabina". Por dificil que sea de creer (yo era el primer escéptico), el film no se hace nada pesado en la hora y media que Conroy esta atrapado en su caja de pino. Como si de un pequeño puzzle se tratara, el director, va poniendo piezas para que el espectador este enganchado y agustiado a partes iguales. Eso si, sin regalarnos escenas de dramatismo gratuitas. Es más, el guión se permite el lujo de transmitir determinados mensajes clave, como el de la triste situación de los habitantes de Irak. Y como colofón un final brillante y atrevido, que deja atónito a todo el que había predicho el desenlace. En definitiva, no el buen cine debe ser complejo y este es un gran ejemplo que terminará convirtiendose en un clásico al igual que el citado film de Antonio Mercero.

Nota: 8

Para Recordar: Si duda alguna, el final.
Para Olvidar: Por decir algo, lo rebuscado de determinadas conversaciones.



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Darbareye Elly (A propósito de Elly)

Irán (2009)

Producción dirigida por Asghar Farhadi, ganadora al mejor director en el Festival de Berlín y mejor película en el Festival de Tribeca. Ahmad es un joven iraní que lleva varios años viviendo en Alemania, ahora se está separando y vuelve a Irán para unas pequeñas vacaciones y ver a su hermana Sepideh. Ella organiza junto a sus antiguos compañeros de la universidad una excursión junto al mar Caspio para pasar unos días todos juntos las familias y alquilar una villa. Sepideh invita también a la profesora de su hija, Elly. Una mujer misteriosa que apenas conocen de ella, pero que Sepideh confía ciegamente en ella y quiere poder juntarla junto a su hermano Ahmad. Durante la estancia en el mar Caspio una terrible tragedia ocurre junto a la playa, ya que, uno de los hijos de Peyman casi se ahoga cuando estaban todos los niños al cuidado de Elly. Nuestra protagonista no aparece por ningún sitio, no sabemos si se ha ahogado o por el contrario se ha ido sin decir nada. Todos comienzan a cavilar y se descubren muchos de los secretos que esta inofensiva excursión nadie creía que iban a salir a la luz.

Sorprendente producción de esta director islámico en varios aspectos, el primero es que por fin en una producción iraní hay mucho diálogo entre los personajes y el protagonismo es para los actores de la película, no para vanagloriarse el director. También resulta innovadora en cuanto que crea un clima de misterio que revela mucho de la sociedad contemporánea de Irán, donde se quieren hacer un cierto aperturismo en las costumbres del Islam pero que en realidad no es así y la mujer siempre ocupa un segundo plano detrás del hombre. Elly no puede ser deshonrada con las intenciones que tienen ella y Sepideh en cuanto a su futura vida matrimonial. Resulta especialmente inquietante y angustiosa la escena del salvamento del niño de Peyman a orillas de la playa en el mar Caspio, una escena muy bien rodada con mucho realismo y dinamismo. Una película que dará mucho que hablar y que supongo que con el tiempo pronto se hará un remake de ella en cualquier país europeo o incluso EEUU, aunque le doy todas las papeletas a que los franceses pronto lo intentarán.

Para Recordar: La escena del salvamento del niño, el guión muy bien escrito y la buena interpretación por parte de este grupo que va a pasar unas vacaciones. Además de una gran frase que dice Ahmad, es mejor poner final a una amargura por mucho que te duela que una amargura sin final.

Para Olvidar: El actor que hace de novio de Elly es bastante regular en su registro y que es un pelín larga la película, se podían haber ahorrado unos 10-15 minutos perfectamente.



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Püha Tõnu kiusamine (La tentación de San Antonio)

Estonia (2009)

Producción dirigida por Veiko Õunpuu, un hombre de mediana edad que se llama Tõnu (Antonio en estonio) asiste al funeral de su padre y luego marcha en su coche último modelo, antes paseando por el río donde ha sido enterrado su padre encuentra manos amputadas de personas que no saben quienes son. Desde el funeral va encontrarse con diferentes personajes en la vida social a cada cual más extravagante y raro. Primero va a la comisaria a denunciar los hechos del río y se encuentra que los policías están locos y torturan, después en una cena de una familia de clase alta donde los asistentes pierden el control, luego se topa con una mujer que le atrae pero que se muestran esquivos ambos, el padre de ella es un empleado que acaba de despedir de su empresa. Esa mujer sufre una especie de secuestro para ser reclutada en un club que se llama 'La edad de Oro' en contra de su voluntad. Nuestro protagonista se dirige para allá a salvarla pero ese club no pertenece a este mundo y todo el que está inmerso en él se dejará llevar por sus más bajos deseos.

Con un blanco y negro que recuerda a películas clásicas, nos encontramos esta rara pieza de una filmografía tan alejada como la estonia. Un film nada comercial y de difícil y digerible visión, el director rinde homenajes a los que fueron sus grandes inspiraciones y maestros en el cine, el club 'La edad de Oro' es un claro homenaje al español Luis Buñuel, continuas referencias aparecen al francés Antonin Artaud y el film es una declaración completa al surrealismo de épocas pasadas. La película no gustará a casi nadie porque es lenta y muy extraña pero a mí me sorprendió bastante que en el siglo XXI, aparte de David Lynch, encuentre un director que pueda realizar semejante surrealismo en el cine contemporáneo. Una obra que es necesaria en estos días de tanto cine muy mascadito de centro comercial donde la novedad es ver en 3D seres azules.

Para Recordar: El último y delirante tercio de la película donde el protagonista llega al club 'La edad de Oro'.

Para Olvidar: La ritmo cansino de la película y lo soso que es Antonio, lo veo un actor un tanto limitado.



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Balada Triste de Trompeta

España (2010)

En la Guerra Civil Española, nadie se libraba de combatir. Soldados y civiles. Y dentro de los civiles se pueden incluir hasta los artistas de circo. Uno de ellos, el payaso tonto, decide empuñar las armas vestido con el traje de trabajo. Una locura que le da buen resultado hasta el momento de la rendición, pues pertenece al bando republicano. Una vez termina la guerra, es encarcelado hasta su final; su hijo, Javier, decide seguir sus pasos en el mundo del circo. En plena postguerra, el payaso termina en un circo de mala muerte al lado de otro compañero, Sergio, violento, bebedor y mujeriego. Javier pierde la cabeza por la mujer de dicho compañero y se lanza a la calle en plan justiciero desquiciado. Sergio también enloquece y inician una persecución mortal que les llevará a un último duelo nada más y nada menos que en el Valle de los Caídos.

Premiada película de Alex de la Iglesia, que ha triunfado más a nivel de crítica que de público. Y es que el film realmente se queda en un punto medio de aceptación tanto para una parte como para la otra. Con un comienzo demoledor, al más pulo estilo inventado por Alex, mezcla ironía, mezcla acción tarantiniana con humor castizo, el preludio inicial, deja 15 minutos para el saboreo del resto del largo. Un largo que parece más un cuentame sarcástico que una historia que pretenda transmitir algo. Es como si el director quisiera hacer una versión cara de su Muertos de Risa. Con pinceladas dignas de la clase de este realizador, como el guiño a los Santos Inocentes, globalmente, esta película se queda muy lejos de ser de las mejores de De La Iglesia y espero que no sea el camino que seguirá a partir de ahora.

Nota: 6,8


Para Recordar: El inicio. Espectacular, brutal y temendamente creativo.
Para Olvidar: La inconexión de la historia. Una serie de sucesos con tintes surrealistas pero con formas de película de acción con presupuesto millonario. El dinero no ha hecho nada bueno por este proyecto de De la Iglesia.



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Tener y No tener

EE.UU. (1944)

Año 1940. Como ocurrió con muchas de las colonias que los países ricos gobernaban, en la segunda guerra mundial, se produjo un vacío de poder importante. Una de esas colonias era la paradisiaca Martinica, regentada por una Francia invadida por los alemanes. A medio camino entre el mandato frances y la soberanía germana, las simpatías por el pueblo galo eran mas que obvias. Un pequeño destacamento Nazi se encargaba de recordar quien manda. Sin embargo la resistencia se hacía cada vez más fuerte, a pesar de que las batallas se libraban a muchisimos kilómetros de aquel lugar. Una guerra que se veia desde lejos, sobre todo por los en aquel momento "neutrales" americanos. Uno de ellos es el rudo capitán Morgán. Un marino que se gana la vida con su barco de pesca. Pero la gran guerra no deja indiferente a nadie y el odio que despertaban los Nazis acabrá impactando al frío Morgan y su gente.

Obra clásica del legendario Howard Hawks, en la que se narra en clave de cine negro la situación de anarquía de las colonias gobernadas por países europeos en la Segunda Guerra Mundial. Con un duelo interpretativo compuesto por nada mas y nada menos que Bogart y Bacall, destaca por encima de ambos la sobervia actuación de Walter Brennan. El guión, basado en textos de Hemingway, es conducido con destreza, dejando tras de si una historia contundente y sin fisuras. El transfondo aventurero de almas que no tienen nada que perder, pero que sin embargo lo dejan todo por los sentimientos (amor / amistad), tiñe de aires bohemios esta joya recuperada de los anales del cine Hollywodense de los años 40. Como dije al principio, más epopeya que cine negro, pero una delicia para los que amen cualquiera de estos géneros.

Nota: 8,8


Para Recordar: El guión basado en en una obra de Hemingway.
Para Olvidar: Que por aquellos años las películas solo pudieran durar hora y media. Con una hora más habriamos visto el desenlace de las aventuras de Morgan.



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