Your Name

Japan (2016)


Una mañana Mitsuha se levanta acelerada tocándose los pechos. Parece perdida y confusa. No conoce a nadie y no recuerda ni donde estudia. Este extraño comportamiento no preocupa demasiado a los suyos ya que le dura tan solo un día aunque se repite a menudo. Exactamente lo mismo, pero a 1000 km de distancia, lo ocurre al tokiota Taki. El muchacho esta tremendamente confundido y actuá como una colegiala. Igualmente, al día siguiente todo vuelve a la normalidad y apenas recuerda lo que ocurrió. Pero, ¿como explicar estos sucesos? Básicamente las vidas de ambas personas están interconectadas de algún modo y están viviendo una realidad paralela en el tiempo. Cuando se percatan de esto, comienzan a dejar mensajes en un diario para saber lo que hicieron cuando ‘no eran ellos’, pues ni siquiera recuerdan el nombre. Obviamente la relación de la pareja se va estrechando y quieren conocerse físicamente. Pero una noche, de repente, los cambios paran y Taki siente la necesidad de encontrar a Mitsuha de la que no sabe absolutamente nada. Basado en vagos recuerdos se encamina al pequeño pueblo de la chica y con algunos dibujos lo identifica dándose cuenta que ¡fue aniquilado por un meteorito hace 3 años! O sea que la experiencia (si realmente no fue un sueño) no estuvo relacionada ni en el espacio ni en el tiempo. Taki debe viajar al pasado para intentar salvar a Mitsuha, de la que esta profundamente enamorado pero no sabe por qué. En su loco intento de cambiar las cosas, irá al pasado, al presente y culminará en un futuro en el que necesita reencontrarse con su media naranja ¿será esto posible?


Deliciosa película mezcla de romanticismo y viajes en el tiempo. Con un planteamiento complicado, basado en la física y el destino, el aclamado director Makoto Shinkai nos presenta este largo de animación aplaudido por crítica y público (esto último principalmente a nivel local). No le falta detalle a esta pieza, que cuida al máximos los detalles en el dibujo, maneja una complicada trama y tiene una música excelente. La ambientación es perfecta sintiendo que estas en Tokio y en el mágico pueblo de la protagonista. La historia de amor imposible, por encima del tiempo y el espacio, es emocionante y mantiene en vilo al espectador hasta el último momento. Además, las teorías espacio-tiempo, con cierto rigor científico, muestran un nuevo enfoque a este tipo de historias. En definitiva, imprescindible película.

Nota: 9

Para recordar: El momento en el que ya no ha más intercambios. Descoloca del todo.
Para olvidar: Algunos momentos ‘pastelones’, pero se pueden aguantar.


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Una pastelería en Tokio

Japón (2015)

Producción dirigida por Naomi Kawase, a partir de la novela homónima de Durian Sukegawa. La película ganó del premio a mejor actriz en el festival de cine Asia-Pacífico interpretada por Kirin Kiki. Sentaro, un hombre de mediana edad, tiene un puesto de dorayakis en un parque en Tokio. El dorayaki es un dulce japonés de dos tortitas que en medio lleva una pasta de judías llamada Anko. Sentaro no tiene ninguna pasión por su trabajo de repostero, simplemente está allí porque tiene que pagar una deuda. Una cliente habitual del puesto es la joven Wakana, una adolescente de instituto que huye de sus problemas en casa yendo a ver a Sentaro. En una tarde de primavera, viene hasta el puesto de dorayakis la anciana Tokue, le propone a Sentaro que si puede trabajar haciendo la pasta de judías. Sentaro la rechaza, es una mujer muy mayor, pero ella le deja unos dorayakis que ha hecho. Nuestro protagonista los prueba y se queda maravillado ante la destreza de la anciana y la contrata. Ahora el puesto tiene muchos más clientes debido a la pasta de judías de Tokue. El problema va a surgir cuando los clientes se dan cuenta que Tokue tiene lepra, algo que Sentaro había intentando ocultar de la manera más elegante posible. La dueña del puesto ordena a Sentaro que despida a la anciana y nuestro protagonista lo que hace es no ir al trabajo al día siguiente para que Tokue trate directamente con los clientes, así se desvela la enfermedad de la anciana, el puesto se vacía de clientes y la dueña despide a Sentaro, por fin, la deuda está saldada. Sentaro y Wakane deciden entonces buscar a la anciana Tokue y descubren que llevaba cincuenta años viviendo en un sanatorio donde allí cocinaba. Ahora ha fallecido y deja un mensaje de esperanza para Sentaro y Wakane. El repostero va a recuperar su pasión por la cocina y Wakane por fin será libre.

Este tipo de relato del cine oriental, en concreto de Japón, te reconforta con la bondad y la naturaleza del ser humano, por ello reivindico mucho este tipo de películas donde la magia y la emoción están en cosas cotidianas que podrían pasar a la vuelta de la esquina de donde vives. El director Koreeda es un gran maestro en este tipo de películas. Aquí la directora Naomi Kawase se rodea de un excelente elenco de actores, sobre todo por la anciana Kirin Kiki (ya fallecida) para mostrar una historia donde el sonido con el silencio es muy importante, los cerezos en flor del parque te dan paz y tranquilidad y que en definitiva te deja ese poso de que el mundo es un lugar mejor cuando terminas de ver la película, algo que es muy complicado de conseguir. El principal problema para el gran público de la parte occidental es la paciencia para su visionado, el ritmo en el cine japonés en general suele ser bastante más lento de lo que estamos acostumbrados. Si uno es capaz de tener la suficiente paciencia y relajación para ver el film, encontrará una joya y le será muy difícil de olvidar este gran relato, al contrario de lo que pasa con muchas películas occidentales, que al momento te encantan pero pasada una semana ya ni te acuerdas de lo que ocurría en la película.

Para Recordar: la maravillosa lección que nos da Tokue. En la cocina, como en la vida, hay que tener paciencia.

Para Olvidar: el ritmo de la película es lento en algunas ocasiones.



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Sarusuberi: Miss Hokusai

Japón (2015)

Película de animación dirigida por Keiichi Hara a partir del manga del mismo nombre de Sugiura Hinako. Ganadora a mejor película de animación en los premios Asia-Pacífico. Nos situamos en Edo (actualmente Tokio) en la época del shogunato Tokugawa, a mediados-finales del siglo XIX. Es una de las ciudades más pobladas del mundo, por allí pasan campesinos, samuráis, comerciantes, nobles y artistas, vemos el comienzo de lo que luego será la gran urbe capital del país. Dos artistas que viven allí son el archiconocido pintor Katsushika Hokusai y una de sus hijas, O-Ei. A pesar de la fama del padre, viven con lo justo y no disponen de muchos medios. De hecho, Katsushika y O-Ei viven solos pintando en su casa, la madre y las hermanas de O-Ei viven en otra casa en la ciudad. Su estilo pictórico es el ukiyo-e, que alcanzó su cima con una de las obras de Hokusai, el famoso cuadro de La Gran Ola de Kanagawa. Padre e hija viven en un desorden y casi anarquismo absoluto, el padre se centra mucho en su faceta artística. O-Ei es diferente, gran pintora pero también tiene mucho trato familiar con su madre y su hermana pequeña, que es ciega de nacimiento y en muchas ocasiones cuida de ella y salen a pasear al puente Ryōgoku. Algunos pintores también pasaron por esta casa, como Zenjiro Ikeda y Kuninao Utagawa. El relato se centra cuando el padre de nuestra protagonista está en su cima artística y ambos conviven para pintar conforme al estilo ukiyo-e. Cuando ya fallece el famoso pintor japonés, su hija O-Ei prácticamente desapareció y se dedicó a viajar por el mundo.

Renoir, Van Gogh y Monet son solo algunos de los pintores europeos que se inspiraron y admiraron la obra del famoso Katsushika Hokusai, en la película (al contrario que en el cómic) se centran más en la figura de su hija O-Ei, una pintora que no logró el reconocimiento ni nacional ni internacional como su padre, pero que gran parte de las obras fueron suyas, simplemente no las firmaba y entonces no sabemos a ciencia cierta cuantas de estas obras fueron realizadas por ella. En el film se muestra muy bien como el padre solo vivía su gran pasión que era la pintura, para su hija era una gran profesión que le gustaba mucho pero cuidaba su faceta humana, cuidadora de su hermana y apoyo para su madre, no se le conocían relaciones carnales pero pintaba muy bien pasajes eróticos dentro del estilo ukiyo-e. Se pueden destacar varios aspectos de la película, una banda sonora con rock y guitarras eléctricas que le dan un contrapunto al relato, un ritmo pausado que es muy generalizado en el cine asiático y en concreto japonés (por ello se necesita algo de paciencia en este tipo de películas) y un aspecto visual impecable, algo muy importante cuando estás contando una historia real sobre uno de los pintores más famosos de Japón. En definitiva es una pieza muy recomendable que sirve para todos los públicos, incluso para un público infantil por su aspecto visual. Además reivindica la faceta feminista e independiente de O-Ei.

Para Recordar: la expresión artística de nuestra protagonista, O-Ei, la cual no firmaba muchos de los trabajos que ella hacía y que atribuyen a su padre, el famoso pintor Katsushika Hokusai. Una mujer independiente y muy valiente, que en 1814 estuvo junto a su padre y al fallecimiento de este, se fue a recorrer el mundo ella sola.

Para Olvidar: que si no llega a ser por la película y el manga, esta artista hubiese quedado en el olvido.



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Kumiko, the Treasure Hunter

EEUU (2014)

Producción dirigida por David Zellner, premio especial del jurado en el Festival de cine independiente de Sundance. Kumiko es una mujer solitaria que vive en Tokio, trabaja para una oficina con un jefe mayor muy machista y unas compañeras que apenas tiene trato con ellas, incluso a veces son crueles con ella. Nuestra protagonista odia su trabajo y su madre solo la anima a que encuentre una pareja para que se case. Su vida da un vuelco al ver la película 'Fargo' de los hermanos Coen, al ver la escena donde se esconde un maletín enterrándolo en la nieve con miles de dólares dentro. Kumiko cree que ese maletín existe realmente y centra sus esfuerzos en su búsqueda. Para ello tendrá que hacer muchos sacrificios, dejará su trabajo, decepcionará a su madre y robará para poder llegar hasta Minnesota y poder adentrarse en los bosques nevados de Fargo. Antes conocerá un amable policía que se ofrece a ayudarla y sobre todo intenta convencerla de que lo que se cuenta en 'Fargo' es una ficción y que el dinero no existe, que por mucho que quiera buscar tesoros, ese no lo va a hallar. Pero a veces la propia realidad puede superar a la ficción y Kumiko obcecada en su idea de encontrar el dichoso maletín, puede que lo alcance.

Con esta breve sinopsis se puede describir una película de una hora y cuarenta y cinco minutos, realmente no da para más por que no hay más desarrollo, partiendo de una idea muy original, se construye un relato que apenas tiene acción, así lo podemos llamar cine independiente y ganará un montón de premios en festivales alternativos, como Sundance. Poco se puede salvar de esta producción, incluso nuestra protagonista, Rinko Kikuchi, conocida en otros papeles como en Babel, está muy flojita y sosa, lo que en principio te puede atraer que es el planteamiento y el prestigio de esta actriz, se te desmonta en la primera hora de película donde no sabes exactamente si esta mujer está como una cabra o te están tomando el pelo, ambas cosas creo que ciertas. Se puede destacar la fotografía del film, pero eso no es suficiente para que te enganche una película. Lo único impactante son las locuras de Kumiko. Por supuesto, no la recomiendo, ni para pasar una triste resaca de domingo.

Para Recordar: la anécdota que origina la historia está muy bien. Una mujer que se cree que el maletín de la película de ficción 'Fargo' realmente existe, su empeño es tal que no desistirá en ello, a veces ya no sabes si tomártelo a broma o en serio. Buena fotografía.

Para Olvidar: El desarrollo de la idea es monótono y a veces hasta un poco aburrido, en el guión no hay apenas sustancia para una hora y cuarenta y cinco minutos.



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Soshite chichi ni naru (De tal padre, tal hijo)

Japón (2013)

Producción dirigida por Hirokazu Koreeda, ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes y Premio del Público en el Festival de San Sebastián entre otros premios. Este director ya dirigió hace casi una década la película Nadie sabe anteriormente comentada en el blog. Ryoata es un arquitecto muy sacrificado en el ámbito profesional, está casado con Midori y tienen un hijo de 6 años que se llama Keita, su vida transcurre entre la rutina laboral de Ryoata y las labores del hogar de Midori cuidando al pequeño. Un buen día reciben una llamada del hospital donde Midori dio a luz a Keita, un parto muy complicado para ella que le trajo complicaciones de hospitalización durante un tiempo y saber que ya no va a tener posibilidades de volver a quedarse embarazada. En el hospital son informados de que su hijo Keita no es suyo, si no que fue intercambiado con el bebé de otra familia que también ha sido debidamente informada, una pequeña venganza de una las enfermeras a causa de la envidia por el estatus económico de Ryoata, hace que la vida de estas dos familias dé un vuelco total. El verdadero hijo de Ryoata es Ryosuke y lo cuidan los Saiki, una familia muy diferente a la de nuestro protagonista, el padre (Yukari) es dependiente de una tienda e intenta pasar más tiempo con sus hijos, es más natural, familiar y menos amigo del trabajo que Ryoata, Ryosuke además tiene dos hermanos de este matrimonio que económicamente no tienen mucho pero que son bastante felices. Tras el descubrimiento del hospital, las dos familias tienen que decidir conjuntamente que hacen con los dos niños, si siguen viviendo con sus familias "adoptivas" o realizar el intercambio. Al principio deciden una serie de encuentros para irse conociendo y así ir averiguando que puede ser mejor para los niños. Ryoata sufre porque al principio quiere resolver el tema de la única manera que sabe, mediante su dinero quedarse a los dos niños, cosa que los Saiki no permiten y se sienten insultados, luego la llamada de la sangre es lo que le hace pensar que en realidad Keita no va a ser como él y prefiere el intercambio para moldear a Ryosuke, pero quizás ya es demasiado tarde, son 6 años de crianza por parte de los Saiki. Lo que no se da cuenta nuestra protagonista es que nunca ha sido un verdadero padre.

Una bonita y conmovedora historia de niños por parte de Koreeda, un especialista en este tipo de temática que muy al contrario de lo que predicada Alfred Hithcock de que nunca se trabajase con infantes, para él es muy fácil y construye unas historias difícilmente olvidables y de una calidad fuera de toda duda. En esta ocasión enfrenta dos tipos de modelos familiares, uno más sacrificado y trabajador que representa la familia protagonista que son los Nonomiya, quizás el que representa el nuevo Japón, hombre siempre fuera de casa y mujer que cuida de la familia y que les va bien económicamente con hijo único, contra una familia más unida, más natural pero con más apreturas para llegar a fin de mes que son los Saiki, ellos representan un Japón más tradicional, también bastante trabajadores pero que saben separar lo laboral de lo familiar y saben que tienen que dedicar tiempo a los niños y al matrimonio. El director, al igual que yo en la crítica, se centra más en los pensamientos y sentimientos de los Nonomiya, con Ryoata como protagonista, un hombre que intenta controlar absolutamente todo y que no se le puede escapar detalle alguno, cuando lo más importante lo está dejando a un lado que es ser un padre familiar, cariñoso y bondadoso. No voy a desvelar si se hace el intercambio o no entre los niños de las diferentes familias para no destripar la trama, simplemente escribir que es un gran guión, muy bien filmado durante casi 2 horas de metraje y con un buen trabajo por parte de los actores en la interpretación y del director en el guión. A destacar algo que es fundamental en este tipo de cine y de historias, logra unas cotas de autenticidad difícilmente alcanzables, los niños son estupendos y construyen escenas que te hacen creer que son familias reales. Es el punto más fuerte de esta bonita y entrañable historia donde la música y los paisajes ya hacen que sea del todo su recomendada visión para pasar un buen rato con una historia que quizás no se resuelve del todo bien.

Para Recordar: La reflexión a la que nos lleva la pregunta que nos hace la película, en un hijo que es lo más importante, la sangre y tu genética o cuando has vivido con esa pequeña persona durante sus primeros años. Una magnífica historia acerca de la vida y la paternidad con unos grandes actores.

Para Olvidar: Quizás un final un poco sensiblero donde el protagonista habla como un adulto a un niño y este lo comprende, chirría y no cierra una gran historia.



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Pulse

Japan (2001)

An University of Tokio student disappears suddenly. In his room many computers and strange programs. Ryosuke, a friend, catches some software and tries on his computer. A sinister video appears on the screen. There is a man with a mask in a dark room: the forbidden room. Ryosuke looks for help at the University. An IT professional.tries to explain why this program is connecting to Internet and showing that images. While, more people is disappearing; it's like a plague. Maybe because a simulation at IT department. The world of the deaths are in the real world. Is it possible?

Great fantastic movie 100% Japanese thriller. In 2001 Kiyoshi Kurosawa directed this visionary film about Internet, networking and ghosts. An impossible mix, with a very good final result. It's a young movie, with bad actors and interesting plot. Visual effects have high quality as well. The movie has parts of mystery, parts of horror and parts of science. It is like Matrix in a paranormal plain. Interesting movie for fans of fantastic films.

Mark: 7.7

To Remember: The (real) ghosts
To Forget: Actors


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The Invention of Dr. Nakamats

 Denmark (2009)

Ladies and gentlemen, it's Yoshsiro Nakamatsu! This famous inventor is one of the most important ones in the history. He has more than double patents than Edison. In this documentary Nakamatsu show some of his latest inventions: the taxi-bike with a water engine, the smallest vehicle or the invisible bra. But what's his secret? Nakamatsu has a special diet, sleeps 4 hours per day, make inventions under water and uses Cerebrex (his invention to improve brains). So with 83 years, he tries to live until 144 and gets 7.000 patents.

Interesting Danish film about one of the most important scientific in the history. Unfortunately he is not too famous around the world because he is not Yankee. However he is most important than Edison or Tesla, with inventions like floppy disc, dvd/cd, taximeter, water engine, karoke, digital watch or cinemascope. Is really curious to know how is this eccentric man; arrogant, perfectionist and hard worker. With a Nobel Price, 13 Innovation Awards and hundred of thousand of Yens in Royalties, Nakamatsu is a real star. This is a simple documentary to show us a very special individual: the Dr. Nakamats.

Mark:7.4

To Remember: Nakamatsu's office
To Forget: Nakamatsu wearing underwear


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Tokyo monogatari (Cuentos de Tokio)

Japón (1953)

Producción dirigida por Yasujiro Ozu, una de las obras cumbres del cine japonés. Una pareja de ancianos vive en un pueblo cerca de Hiroshima, ya han criado a sus hijos que viven en Tokio, menos uno que falleció en la guerra y otro que vive en Osaka. Hasta la capital del imperio se trasladan tras un largo viaje de tren. En principio no dicen para cuanto tiempo se van a quedar viendo a sus hijos y nietos, el matrimonio se establecerá en la casa de su hijo mayor que es médico y tiene 2 hijos. En la casa, verán además de la familia del médico, a su otra hija, que se dedica a un salón de belleza y a su nuera Noriko, ya viuda porque fue la mujer del hijo que este matrimonio perdió en la II Guerra Mundial. Al principio todo son atenciones para Shukishi y Tomi, pero pasado un tiempo ya son un estorbo porque todos están muy ocupados en Tokio con sus trabajos, el cuidado de sus hijos y las labores de casa, además sus nietos son unos niños bastante maleducados. La decepción de los ancianos es bastante manifiesta pero no dicen nada a sus hijos, no quieren meterse en sus vidas. La alegría vendrá de la mano de su nuera Noriko, una mujer que vive sola y que reconforta a los dos ancianos, a pesar de que su matrimonio estuviese lleno de sombras porque su marido fue poco respetuoso con ella. Este viaje supondrá la despedida del matrimonio a su familia más cercana. Fueron creyendo en el éxito de sus hijos en sus diferentes carreras y vuelven con una visión más cercana a la realidad, en la ciudad de Tokio son unos simples peones que sobreviven en barrios duros y con una vida incluso más austera que la que llevaban ellos mismos en el pueblo.

Un argumento que puede recordar mucho a las célebres películas ibéricas de Paco Martínez Soria, cuando iba a ver a su familia a Madrid y todo lo arreglaba, sin embargo, aquí estamos ante una versión bien distinta donde la honorabilidad y los valores de la sociedad japonesa en la posguerra se muestran en esta historia familiar. Hay pasajes muy interesante y fascinantemente rodados, por ejemplo el problema de alcoholismo de Shukishi, en un bar la pilla buena y se sincera que esperaba más de sus hijos, o esa complicidad del matrimonio protagonista donde los dos se quieren, se respetan y pasan el tiempo juntos y sobre todo la ternura de Noriko (Setsuko Hara), una actriz que quiero destacar porque cada vez que aparece en la película transmite tranquilidad y sosiego, dos virtudes que escasean mucho y que son muy difíciles de representar, de ahí el mérito que se le atribuye a la película y en ocasiones al cine oriental. Por otra parte, el ritmo del relato en algunos momentos es demasiado lento y hay que ponerle mucha paciencia para su visionado, que luego merece la pena porque está todo lleno de detalles y matices que hacen que no se te olvide y lo más importante, reflexionar sobre las relaciones familiares. Recomendada para públicos que les guste conocer a la sociedad japonesa y ver un buen drama de una temática que está bastante presente en la actualidad.

Para Recordar: La amabilidad y la solidaridad de la nuera Noriko con sus suegros, estando sola, respeta y ayuda más al matrimonio de ancianos que sus cuñados y sus propios hijos. El dilema de Ozu entre las generaciones más veteranas y la clase media japonesa después de la II Guerra Mundial que tiene un duro trabajo por delante.

Para Olvidar: La lentitud en el ritmo de este tipo de películas, a veces es desesperante como se afrontan este tipo de proyectos, planos larguísimos que para los culturetas tienen que ser muy interesantes, pero que no ayudan nada al director para contarnos su historia.



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Gantz

Japan (2010)

In Tokio, two friends (Massaru & Kei) meet again after many years separated. They were very good friends on primary school. Their meeting was not normal: Massaru is in the Subway trying to help to a drunk man. He has a problem and Kei runs to rescue him. But was too late, because the metropolitan kill them. But, was it a real death? Suddenly, they appear in a estrange room in a flat. It looks like another life. Some people are in the same room and a big black ball called Gantz, is writing messages on a screen. Incredible! But the most incredible thing is after 30 minutes in that room, they are moved to the street; to an alternative Tokio. For what? They have a mission: to kill to a powerful alien. This is really strange. If they survive, they can start again in the real world, with the same life but with a new rol: If Gantz needs them, they have to move to the Gantz “Universe”

Original Japanese movie based on the comic / animated series with the same name. Gantz is a scifi movie that drives you crazy! Strange people in a room, maybe dead, a black ball with a bald man inside, a green kid walking on the street... It's very interesting for 60 minutes. After the first hour, the plot is a little boring and repetitive. However there's a mysterious about starring. Spectator is waiting for the final outcome; but it's not in this movie!! You have to see the second part to know why everything is happened. My advice: to watch animated series instead of this movie.

Mark: 6.3

To remember: The main idea. Brilliant. 
To forget: The poor final result.

 
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Tengoku to Jigoku (El infierno del odio)

Japón (1963)

Producción dirigida por el maestro japonés Akira Kurosawa. Nos encontramos en la ciudad de Tokio en los años 60. Kingo Gondo es un fabricante de zapatos, uno de los mayores accionistas de la empresa y vive en lo alto de una colina de unos de los barrios tokiotas, su casa se ve desde casi todos los lados del barrio. Gondo durante muchos años de duro trabajo y gracias a la dote de la familia de su esposa ha amasado una gran fortuna y está preparado para dar el golpe final en la empresa y hacerse el dueño de ella, quiere quitarse de enmedio a sus socios que tienen otras ideas más chapuceras para la empresa. Cuando ya tiene preparada la operación surge una tragedia, han secuestrado a su hijo. Gondo ante la tesitura acepta por supuesto a pagar el rescate aunque para ello se fruste la operación y vaya a la ruina. Pero el secuestrador se equivoca de niño y en vez de coger al hijo de Gondo, secuestra al hijo del chófer de Gondo. Ahora nuestro protagonista tiene un dilema moral, salvar al niño de su criado y cargar con su ruina como empresario o seguir con sus planes para hacerse con la empresa. Una vez desentrañada esta primera parte del secuestro, el comisario Tokura junto a su gente en la policía tiene que resolver quien es el secuestrador, a través de varias pesquisas y gran trabajo policial conseguirán encontrar al culpable.

Obra magistral de un genio del cine que es Kurosawa, siempre en los rankings de lo mejor del séptimo arte hay nombres imprescindibles que deben aparecer, uno de ellos es Kurosawa, está en el olimpo junto a Fellini, Woody Allen, John Huston o Billy Wilder. La película se divide claramente en dos partes donde no decae el interés en ningún momento y eso que el metraje es de 2 horas y 23 minutos. En la primera parte Gondo, interpretado por Toshiro Mifune, hace un papel magistral para resolver su dilema de salvar o no al hijo de su chófer del secuestro, una historia muy shakespiriana donde el honor se ve en juego, en esta parte vemos a un Kurosawa que ya se ve en otras de sus míticas películas como 'Los sietes samurais'. La segunda parte la protagoniza el comisario Tokura, el secuestro ya se ha resuelto y ahora hay que encontrar al culpable de este crimen. Kurosawa nos muestra todo el proceso de como Tokura y su gente van desliando la madeja con las sucesivas pistas que encuentran y realizan un excelente trabajo, los diferentes departamentos de la policía no dejan nada sin investigar, matrículas de tráfico, reconocimiento de huellas, análisis de dibujos del niño secuestrado, rastrear los bajos fondos de Tokio siguiendo pistas, etc... Aquí es donde me encontré una sorpresa con este director y que nunca hubiese imaginado que lo habría filmado él, acostumbrado a historias del Japón medieval, aquí nos muestra un Tokio contemporáneo, fresco, con música rockabilly, historias de heroinómanos que buscan a sus camellos y una trama policial perfecta. Para mi, de los mejores relatos que he visto en mi vida. PELICULÓN.

Para Recordar: Absolutamente todo, el honor del señor Gondo, la investigación policial llevada a cabo por Tokura, la música del film y todos esos pequeños detalles del relato que ves el genio que es Kurosawa.

Para Olvidar: Ese humillo rosa en una película en blanco y negro, queda un poco cutre, aunque sea una pista del secuestro. Es el único detalle que me pareció algo ridículo.



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