La habitación

Estamos en Egipto, donde dos estudiosas del mundo antiguo (Anna y Sophie) dialogan mientras analizan restos de la magnífica civilización que dió origen a las pirámides. Entre detalles técnicos, conversan sobre sus vidas; vidas anódinas, vidas cotidianas, vidas sin nada reseñable... a no ser por un curioso acontecimiento que le sucedió a Sophie hace años. Mientras terminaba su tésis de Egiptología, sacaba un sobresueldo en verano, trabajando eventualmente. En cierta ocasión, vió en un periódico una oferta para cuidar una casa los meses de Junio-Julio-Agosto. Buen sueldo y poco kurro eran las características ideales para sus pretensiones. Llamó por teléfono para solicitar el original empleo y soprendentemente fue seleccionada. Se desplazó a un perdido pueblo de la campiña Germana, que era donde estaba ubicada la mansión a vigilar. Mansión casi vacia; y digo casi, porque parece ser que el mismo empleo se le concedió a un actor en paro, Cristoph, con las mismas aspiraciones laborales que Sophie. Confusos por el hecho, reciben una carta del dueño de la casa comunicandoles que los dos cuidarían el edificio, con la única restricción de no entrar a una habitación situada en el segundo piso. A partir de aqui, Sophie siente que hay muchas coincidencias entre su situacióna actual y lo que se relata en un antiguo libro egipcio objeto de su estudio. Poco a poco,la unión entre la pareja de 'guardas' va intensificandose, a la vez que extraños sucesos van aconteciendo: alguien les hace fotos en la intimidad, oyen ruidos, en el pueblo nadie conoce al dueño de la casa que cuidan... La pasión y la angustia se acrecentan; no saben que pensar y achacan todo el misterio a la sospechosa habitación a la que no deben acceder. Los dias pasan y nada se soluciona... en fin del verano esta cerca, pero Sophie y Cristoph no saben si soportarán vivir mas tiempo en aquel lugar...

Desconocida producción alemana, que narra en clave de suspense los entresijos que conlleva una relación de pareja. En un plano algo subrealista llevado a un marco histórico, las pesadillas se mezclan con los deseos a partes iguales. Traumas y anhelos, persiguen a los protagonistas constantemente. Cabe resaltar la originalidad de la propuesta, al crear un thriller existencialista basado en una leyenda del antiguo Egipto. Gran rendimiento de los escasos medios (actores amateur, rodado en video, 90% de interiores, etc), buena realización y gran guión, son las virtudes de este interesante proyecto del cine alemán, que quizás tenga su punto débil en el repentino desenlace, cosa que no quita mérito a esta pelicula que recomiendo a los que les gusta el cine experimental alejado de los grandes presupuestos.

Nota: 7,2


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The Filth and the Fury (La mugre y la furia)

Producción inglesa del año 2001 dirigida por Julien Temple que es un documental acerca del mítico grupo de punk Sex Pistols, la película deja claro desde un principio que no va a ser el típico documental amable acerca de un grupo de rock que se eleva a los altares, va a ser un testimonio acerca de los 26 meses y un sólo disco que publicaron los Pistols y toda la convulsión que se originó en la Inglaterra del año 77. Como unos amigos de Sheperd Bush dieron un puñetazo a toda la música hecha anteriormente y todos los problemas surgidos con la prensa, televisión y otros grupos callejeros.

Anteriormente visioné la dulcificada versión de Syd y Nancy y tengo que decir que recomiendo este documental encarecidamente para aprender la historia de este grupo de rock y lo que en verdad significó el punk, como unos chicos sin futuro que vivieron a la sombra de un manager que los explotó a más no poder, como fue la entrada al grupo de Sid Vicious al bajo sin saber tocar una sola nota. Como la novia de Vicious, una grouppie americana de los New York Dolls la jodió a más no poder y como en la gira americana todo fue un desastre continuado. Testimonios de los personajes que hicieron la leyenda alrededor de los Pistols hablando sin tapujos y dejando claro que todo era una mierda pero que ellos fueron los mejores, el tandem formado por Vicious y Rotten era simplemente genial. Impresiona ver a Rotten hablando bien y emocionado de su amigo Sydney.



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Les Quatre cents coups (Los 400 golpes)

Producción francesa dirigida en el año 59 por Truffaut, premio al mejor director en Cannes y nominada al Óscar como mejor película extranjera. Antoine Doinel es un niño de 12 años que detesta el colegio, convive entre la delicada situación conyugal de sus padres y la severidad de un profesor de escuela que lo tiene amargado. Antoine es un niño vivo y creativo que como todo niño de su edad comete travesuras con la mayor inocencia del mundo, tras una de esas travesuras Antoine por miedo a mayores represalias hace novillos con su amigo René y descubre a su madre con otro hombre. Los castigos y las travesuras de Antoine entran en una espiral infinita y Antoine harto de esa vida traza un plan con su amigo René para hacer lo que realmente le gusta y es ver el mar, ese era el único deseo de un muchacho que no tenia maldad alguna pero que solamente su amigo René lo escuchaba.

Los cuatrocientos golpes es una obra clave del movimiento de cine francés de la nouvelle vague, una obra de arte del cine clásico que muestra en el año 59 muchos de los problemas que tenemos hoy en día, matrimonios donde trabajan ambos cónyuges y que lo que comparten únicamente es el pago de las facturas y un hijo que tuvieron cuando eran pareja y que la madre ni lo quería tener. Una generación de niños abandonados cuidados por sus abuelas y que no son escuchados porque los adultos no tienen tiempo de atenderlos. Realmente la película tiene dos momentos cumbres y son cuando Antoine responde a las preguntas de la psicóloga y cuando te estremece ver que Antoine por fin llega a ver el mar al final del relato. Cine para adultos que te hace reflexionar que los niños son un cuaderno en blanco al que deberíamos cuidar bastante más.



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Bonnie and Clyde

Producción americana del año 1967 dirigida por Arthur Penn ganadora de 2 Oscars. Clyde Barrow es un ladrón de poca monta en el estado de Texas, en un pueblo conoce a una camarera, la guapa Bonnie Parker y ella queda prendada de él, juntos se ponen a cometer pequeños hurtos y llevar una vida al margen de la ley y sin descanso, siempre escapando y no pudiendo estar más de 3 días seguidos en el mismo sitio. En el camino se les une el hermano de Clyde que estaba en la cárcel y la pesada de su mujer, una hija de un predicador. Son un grupo de 5 porque Bonnie y Clyde reclutan a un mecánico en una gasolinera que les ayuda a los robos de los bancos y les hace de chófer. El amor de Bonnie hacía Clyde y de Clyde hacía Bonnie será hasta el final.

Entretenida y violenta película que es uno de los clásicos del cine americano de road movie del siglo XX. Warren Beatty y Faye Dunaway están impresionantes en sus papeles de la pareja enamorada, Gene Hackman hace una soberbia interpretación como hermano de Clyde y juntos forman el clan de los Barrow. El relato despista a veces porque hay momentos entretenidos dentro de una acción muy violenta que sabes que va a acabar en una tragedia pero que le da cierto encanto. Es una película que no te va a aportar reflexiones para la vida pero te sientes a gusto viendo lo guapa y elegante que es Bonnie y lo bien que se porta Clyde con ella y la de imbéciles que hay por ahí sueltos que no quieren que la gente sea feliz. Por eso el final es tremendamente trágico.



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Lock & Stock & two smoking barrels

Londres. Año 1998. Cuatro raterillos de poca monta, se ganan la vida robando minudencias. Uno de ellos, jugador empedernido, decide echar el resto en una partida de poker contra un mafioso local. El mafioso le engaña y le hace perder una cantidad ingente de dinero. En una semana deben reunir 500.000 libras o serán hombres muertos. Paralelamente un par de landronzuelos deben robar unas armas viejas para el mafioso. Todo se complica aún más, cuando nuestro cuatro protagonistas deciden conseguir el dinero robando a la banda del mafioso. Un enredo asombroso que termina de la forma más original.

Grandiosa. Guy Richie se doctora con este relato fresco y desenfadado que gira entorno al crimen organizado. Un orden mas parecido a de Mean Streets que al del Padrino. Situaciones imposibles que se hacen creíbles conforme va avanzando la trama. Accion y violencia, se mezclan con una ironía característica de este director. A medio camino entre Brian de Palma y Tarantino, el resultado es este magnífico film que te mantiene en vilo durante los 107 minutos del metraje original.

Nota: 9,1

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Roma, citta aperta (Roma, ciudad abierta)

Producción italiana dirigida en el año 45 por Roberto Rossellini, creador de la también antibelicista 'Alemania, año cero'. En la Roma de la ocupación nazi durante la Segunda Guerra Mundial hay un movimiento de liberación dirigido por los ciudadanos anónimos de Roma. Don Pietro es uno de sus exponentes, un cura piadoso que ayuda a las gentes a sobrevivir la ocupación alemana y fascista, conoce a Giorgio Manfredi llamado también el ingenierio que lo buscan los alemanes desesperadamente para que de los nombres de los principales cabecillas del movimiento de liberación.

Me parece una obra admirable esta película porque el año de su producción fue 1945, es decir, que está película se produjo días antes de finalizar la Segunda Guerra Mundial y Rossellini ya aventuró su final en este relato, tiene imágenes llenas de fuerza, de rabia contenida y reflexiones a prueba de sensibilidades. Pasajes como el del niño corriendo hacia su madre una vez que le han disparado los nazis o las reflexiones del general nazi borracho acerca de la decadencia del imperio hitleriano no tienen desperdicio alguno, el final es horrendo, trágico pero casa perfectamente con el tono de desesperación que Rossellini quería imprimir a la obra. En definitiva una de las más excelsas obras del séptimo arte en el siglo XX, cumbre del neorrealismo italiano.



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Cravan vs Cravan

Producción española dirigida en el año 2002 por Isaki Lakuesta. Arthur Cravan es un poeta sobrino de Oscar Wilde que ejerce de boxeador, nacido en Lausanne en el año 1918, la vida de este hombre es toda una aventura ya no solo por ejercer en dos profesiones tan distintas como el boxeo y la poesía sino por la vida nómada que lleva, en torno a él han surgido muchas leyendas y las más grande fue la de su desaparación que aún no se sabe lo que pasó con él. Otro artista director de cine, Frank Nicotra, decide investigar el legado de Cravan a través de Europa y en especial de Barcelona, sus contactos con el movimiento dadaísta, su revista que publicaba, sus pinturas, etc... Por supuesto el interés de Nicotra en Cravan se debe a que él es también un artista que ejerce de boxeador.

Un documental muy completo el de Lakuesta porque mete la historia de ficción de Nicotra para explicar la vida de un personaje realmente interesante, su vida fue un continuo peregrinar por distintos países pero ya no solo es eso sino que nos explica la filosofía del dadaísmo y la leyenda de Cravan con la pintura, las mujeres, la boheme y el auge cultural de la Barcelona de esos años. Merece la pena ver la película en VO porque las voces de los protagonistas dan más realismo al relato hablado en francés, inglés, castellano y catalán. Otro punto interesante alrededor del documental es que el director no ha querido vanagloriar a Cravan presentándolo como un héroe o un modelo a seguir, simplemente fue una elección de vida que Arthur Cravan quiso tomar con las consecuencias buenas o malas que traen esa decisión. Un oasis dentro del cine español que demuestra que aquí también se hacen cosas con calidad nada que envidiar con otros países europeos.



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Qianxi manbo (Millennium Mambo)

Producción taiwanesa dirigida por Hou Hsiao Hsien en el año 2001. Vicky trabaja en un club nocturno y es una chica desorientada, se debate en el amor que siente por Hao-hao, un hombre que le está arruinando la existencia, vago, sucio y que vigila todos los movimientos de Vicky para ver si lo engaña. Vicky siempre lo deja y se va de la casa que ambos comparten pero siempre Hao-hao la llama para pedirle que vuelva con él y se convence de que las cosas irán esta vez mejor. Hasta que aparece Jack, un hombre que su debilidad es implicarse en los problemas de todo el mundo para ayudarles, entre ellos surge una relación que no se sabe exactamente en que puede acabar, porque puede ser una amistad o un amor. Vicky acabará en la isla japonesa de Hokkaido con unos amigos que son hermanos viendo los carteles del festival de cine que se celebra en Yubaru. Todo esto durante el año 2001, primer año del nuevo milenio.

Interesante producción asiática en que el cine no se rige por los patrones occidentales de mucho diálogo, acción y desenlaces lógicos. Aquí el ritmo de la película es lentísimo, que para un occidental desafía su paciencia al límite. Lo interesante de este film es la música que aparece constantemente, los sitios donde se desarrolla la historia que adquieren cierta poesía urbana y rural cuando se trasladan a Hokkaido y el comportamiento de los personajes, la protagonista esta deslumbrante y hace muy bien su papel de chica confundida y a la vez hermosa, Hao-hao encarna la violencia machista y Jack es el "mafioso" bueno. Para mí un buen relato con algún defecto en cuanto a su ritmo, para la mayoría de los mortales una "modernez" sin sustancia alguna.



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Hwal (El Arco)

Producción surcoreana del año 2005 dirigida por Kim Ki Duk, director del cual ya hemos comentado alguna de sus producciones como Hierro 3. Un viejo pescador vive en su barco con una muchacha que encontró cuando tenía 6 años, los dos comparten la vida en el barco y se tienen un cariño mutuo. El pescador espera impacientemente a que la niña cumpla los 17 años para poder esposarla y que sea su mujer. Para defenderse de los demás pescadores que acuden a su barco a pescar y que molestan a la muchacha utiliza su arco, que también le sirve para adivinar el futuro y como instrumento musical. La llegada de un joven universitario trastocará los planes del viejo pescador.

Como toda película de este director el diálogo brilla por su ausencia y se centra más en los gestos, en las imágenes tan bellas como impactantes, de hecho es significativo que el personaje de la muchacha se tire todo el metraje sin decir una sola palabra. Los ojos de los protagonistas nos dicen todo, los celos del hombre viejo, la inocencia de la niña o la comprensión del joven enamorado de la muchacha. Una buena idea que se queda en una obra menor de este director porque la película no llega al nivel poético de otras producciones como Primavera, Verano, Otoño, Invierno y Primavera... Sin embargo una propuesta interesante que debería ser tenida en cuenta para el aprendizaje de la cotidianedad y que en este momentos las ideas más innovadoras nos vienen del cine oriental.



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Impostor

Estamos en el futuro. La tierra esta en guerra con una sanguinaria raza alienigena. Los avances armamentisticos nos permiten defendernos a un alto precio. El precio de la pobreza. Entre tanto, un afamado ingeniero (Spencer Olham) es acusado de espionaje; los extraterrestres son capaces de replicar a cualquier ser humano y Olham es un objetivo crítico. Sin embargo, este no parece resignarse a su destino; él cree saber quien es y una siniestra trama en contra de su cabeza lleva al ejercito a buscarle por toda la ciudad. Una ciudad en la que la guerra ha dejado mas que huella. No sabemos si Olham es un duplicado o es la policia la que se ha vuelto en su contra. Solo al final, el terrible desenlace nos dará una brutal sorpresa.

Relato basado en la historia del mismo nombre, escrita por mi admirado Philip K. Dick. A medio camino entre Blade Runner y Minority Report, esta producción, más humilde que las anteriores, refleja una de las angustias presentes en todas las novelas de Dick: la persecución aberrante. Correcta tanto en los dialogos como en la ambientación, resulta un tanto repetitiva en la parte final del argumento; argumento que se salva en la capana cuando el desenlace nos deja doblemente sorprendidos. En definitiva, una sordida pelicula, interesante para los amantes del cine de ciencia-ficción.

Nota: 6,9


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Amarcord

Producción italiana dirigida por Federico Fellini en el año 73, Oscar a la mejor película extranjera en el año 74. Un abogado nos dirige por su pueblo durante los años del auge del fascismo, ese abogado recuerda su pueblo de una región italiana típico de esos años. Recuerda a los compañeros de colegio, su visión de los "crueles" y algo lelos profesores, sus primeras experiencias en el sexo y toda la variedad de personajes que existen en un pueblo como la estanquera de voluptuosos pechos, la Volpina que se lo hace con cualquiera o los inmigrantes musulmanes.

Amarcord en italiano significa me recuerda y ese es el ejercicio que realiza Fellini en esta producción, a través de su alter ego de abogado nos cuenta sus sueños y recuerdos de cuando vivía en Rimini. La película tiene momentos de maestría en el cine, como el retrasado que se sube a un árbol y que no quiere bajar porque implora a una mujer, o el anciano que sale de su casa en plena neblina y se cree que está muerto y eso no le seduce para nada. Es un film sin ninguna línea argumental y que produce una sensación de caos pero con un poco de atención uno se da cuenta de los múltiples detalles que tiene la narración. A destacar la impresionante música a cargo de Nino Rota cuya principal melodía se hizo famosa y archiconocida. Podríamos hacer todo un libro sobre las anécdotas de Amarcord pero lo mejor sin duda es visionarla y que cada cual se quede con los detalles que su mente pueda asimilar. Imprescindible para cinéfilos.



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Freaks, la parada de los monstruos

Producción americana del año 1932 dirigida por Ted Browning. En un circo lleno de tullidos, personajes con amputaciones o deformaciones impera la ley de los monstruos donde se constituyen en un grupo fuerte y unido donde la máxima es que si a uno de ellos le hacen daño los demás lo vengarán porque admiten su condición diferente pero son también seres humanos con sentimientos. Hans, uno de los enanos del circo, hereda una fortuna y se convierte a partir de entonces en el objeto de deseo de la contorsionista Cleopatra, ella junto al forzudo Hércules trazan un plan para arrebatar el dinero a Hans y deshacerse de él. Una vez más la ley de los monstruos será impecable y Cleopatra no se saldrá con la suya.

Creo recordar que esta es la película relatada en este blog más antigua de las que hemos tratado. Se trata de un relato corto (1 hora) donde desfilan los más variados seres humanos en cuanto aspecto pero que son un grupo como si de otro se tratara, con frustaciones, ambiciones, amor e inteligencia humana. Lo que más me sorprende de este mítico film es el final tan cruel que se le da al relato, sorprendente para nuestra generación, en la América del año 32 se podía hacer cine libremente y los autores sin traba alguna contaban la historia que ellos pretendían. En una película actual no cabe ese final. Bella película que se convirtió en uno de los clásicos del cine en blanco y negro que todo buen aficionado ha visionado.



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Stromboli

Producción italiana dirigida por Roberto Rossellini en el año 50 y protagonizada por Ingrid Bergman. Karin es una refugiada en un campo de concentración en Italia durante la II Guerra Mundial, vivió en varios países exiliándose de todos por su fallecido marido que era diplomático. En el campo conoce a Antonio, un joven italiano que desde la trinchera que les separa le jura amor eterno y le pide que se casé con él para irse a vivir a una isla en Italia, esa isla es Stromboli. Un lugar en principio paradisiaco que se convierte en un infierno volcánico y no precisamente por el volcán que hay allí.

Esta producción tiene varios aspectos muy interesantes y encantadores. El primero es el pueblo de la isla de Stromboli, un sitio de costumbres ancestrales, clasista donde existe un machismo exacerbado que mata a Karin, ella que proviene de otra sociedad mas norteña (en concreto de Lituania) y que al tener una clase social más alta que los habitantes de allí no entiende. Otro aspecto es el comportamiento de Antonio, un hombre que debe mostrar su valía como tal a los ojos de los demás pero que es pobre hombre y no porque sea pescador sino que su espíritu es débil. Por último Rossellini construye un personaje magistral en torno a Bergman, una bella mujer donde lo fácil es haber hecho una martir o víctima de los habitantes de Stromboli pero es una mujer indecisa que no duda en utilizar sus armas cuando la ocasión si la tiene clara para conseguir lo que se propone. Buen cine clásico donde los gestos, las miradas y lo que no se dice importa tanto como el diálogo, para mi una gran película de uno de los maestros del cine del siglo XX.



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Para entrar a vivir

Unos jovenes enamorados, buscan una casa donde vivir. Un panfleto de esos que nos inundan los buzones, les anuncia una verdadera ganga a las afueras de la gran ciudad. Un bloque lúgubre en una tarde lluviosa, es lo que les espera en la dirección del anónimo anuncio. En seguida, la parte femenina de la pareja, recela ante la antiguedad del edificio. Sin embargo, el hombre quiere saber más y deciden entrar a verlo con la empleada de la sospechosa inmobiliaria que responde por el habitaculo. Cuando entran todo esta en silencio; apenas se oye un llanto agónico de un bebe hambriento. Unos maniquies dexplomados por las escaleras parecen ser los únicos vecinos del edificio. El piso en cuestión es grande y esta limpio; pero es muy antiguo y el barrio da escalofrios. Finalmente la pareja decide marcharse como pensó incialmente la chica; lo que ocurre, es que una vez dentro, nadie abandona aquel vetusto bloque...

Otra 'Pelicula para no dormir' y otro gran acierto cinematrográfico. Esta vez a cargo del brillante Jaume Balangueró. Un guión siniestro, menos comercial y mas al estilo de 'Los sin nombre' es lo que nos propone el director en este 'Para entrar a vivir'. Pocos actores, pocos planos y muchisima emoción. Un claro ejemplo de que no es necesario gastarse millones de euros cuando se tienen imaginación. Muy original e inquietante película.

Nota: 8,1


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Sid and Nancy

Producción inglesa del año 86 dirigida por Alex Cox y protagonizada por Gary Oldman en el papel del bajista de los Sex Pistols Sid Vicious y por Chloe Webb en el papel de la novia yonqui americana de Sid Vicious llamada Nancy Spungen. Estamos en el Londres de finales de los 70 en plena depresión económica inglesa, surge la oleada de grupos punk y una de las cabezas visibles son los Sex Pistols liderados por Johnny Rotten y Sid Vicious, ambos muy amigos y defensores a ultranza del ideario punk. En el camino de Vicious se cruza una new yorkina yonqui llamada Nancy que introduce a Vicious en la heroína y se enamora de ella. Los conflictos son continuos en el grupo y la gira americana termina de manera brusca con la separación del grupo. Sid y Nancy viven en Nueva York como dos yonquis y su máxima ambición es poder colocarse para poder pasar el día. El desenlace es por todos conocidos, una mañana Nancy aparece apuñalada en la habitación que ambos tenían en el Hotel Chelsea y Sid aparece con un cuchillo en su mano muy abatido, antes de enfrentarse al juicio por asesinato Sid murió por sobredosis.

Más que un relato sobre el punk o todos los tópicos de los que le rodean Cox se centra en la relación de Vicious y Spungen con las drogas, de como un ser humano termina degradándose hasta tal punto que solo en su vida existe droga y basura. Luego se centra como aspectos secundarios en la situación de la época, en como Malcolm McLaren manipulada el grupo o como Rotten odiaba a Nancy y no podía ni verla. Un dato curioso sobre este film es la aparición en un pequeño papel de Courtney Love, viuda de Kurt Cobain, entre Spungen, Love y Yoko Ono yo digo que forman el triunvirato más famoso de viudas negras del rock. Sex Pistols duró apenas 26 meses y publicaron solo un disco pero revolucionaron la música contemporánea para siempre.



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A scanner darkly

En un futuro no muy lejano, las sustancias estupefacientes han 'conquistado' el planeta. Concretamente, la conocida como droga "D" hace furor entre los ciudadanos. Unas pastillas, que provocan alucinaciones y que aumentan la capacidad de conversación. El gobierno, preocupado por esta situación, ha creado un cuerpo especial de investigación; su objetivo, analizar las grabaciones de las camaras situadas en las casas de la gente. Al más puro estilo gran hermano, todos somos observados por la policia. Una policia, que debe infiltrarse en las bandas de traficantes, para poder averiguar su proximo movimiento. A veces, los agentes tienen que drogarse para pasar inadvertidos; pero la droga D es increíblemente adictiva y los funcionarios que se enganchan terminan de una manera muy incómoda...

Original relato basado en una obra del genial Philip K. Dick, en el que destaca su atrevida apuesta visual. Las escenas fueron redibuajdas sobre imagenes reales. Dicen las malas lenguas, que el director(Richard Linklater) se basó en sus visiones cuando era adicto al LSD. Fuera de esto, la actuación de Robert D. Jr. en us papel de Yonki es sublime (por qué será). El guión, muy denso, repleto de dialogos y algo inconexo, reduce la trama a un compendio de escenas demasiado lentas. A veces brillante, a veces incomprensible, esta pelicula tan innovadora queda algo corta en cuanto al desarrollo argumental.

Nota: 7


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Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom (Primavera, verano, otoño, invierno y primavera)

Producción coreana del año 2003 dirigida por el creador de la bella película Hierro 3, el aclamado Kim Ki Duk. En un monte que en medio tiene un hermoso lago viven un monje y un pequeño aprendiz, en la primavera el niño tiene sus primeros contactos con la naturaleza y demuestra la crueldad de la inocencia, en el verano se enamora por primera vez y siente los dolores de un alma abandonada. Ya en otoño el hombre regresa escaldado del mundo exterior y quiere suicidarse. En el invierno logra la plena madurez y viene al templo en mitad del lago una mujer embarazada. Todo esto bajo la supervisión y la mirada sabia del maestro de la pagoda.

Para los conocedores de la películas de Kim Ki Duk es un relato al que nos tiene acostumbrados, vienen todos sus rasgos como director, impresionantes planos que significan cosas, muy poco diálogo, miradas penetrantes y una sensación de total relajación te invade el cuerpo viendo sus films. Cine que enseña, que te toca por dentro y que tiene una magia y originalidad que le ha hecho conocido en todo el mundo. Para mi este hombre junto a otros grandes del cine asiático representa el futuro sino ya el presente del cine contemporáneo. Mi agradecimiento por crear obras que producen tales sensaciones.



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La habitación del niño

Una pareja de enamorados, se muda a vivir a un caserón con un pasado truculento. Todo transcurre en con la armonía típica de unos padres primerizos. Todo es bonito e ilusionante. Todo normal, hasta instalan un escuchador en la habitación del bebe. Por la noche se oyen voces; un hombre habla con el niño. Pero en la casa no hay nadie a parte de la familia. Los preocupados papas optan por comprar una camara de vigilancia. Cuando llega la noche, una realidad paralela se vislumbra en el aparato... Una realidad que se convertira en estable cuando se abra la puerta de la dimensión prohibida...

Estamos ante un ciclo de películas para la televisión que lleva por título, 'peliculas para no dormir', en honor a las historias que hace decadas nos contaba el genial Ibañez Serrador. Desde mi punto de vista, la Creme de la Creme de los realizadores españoles participan en este proyecto: El propio Serrador, Jauma Balanguero o el director del film que nos ocupa: Alex de La Iglesia. Alex, nos propone un interesante relato, mitad terrorífico mitad filosófico, 100% suspense. Una película simple pero con un guión suculento. El mejor de La Iglesia aparece en esta historia tan sucia como emocionante. Un buen comienzo para este ciclo que promete ser uno de los acontecimientos cinematográficos del año (a pesar de la publicidad).

Nota: 8

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Ran

Producción japonesa del año 85 dirigida por el maestro asiático Akira Kurosawa, maestro de todos los grandes del cine japonés. El clan Ichimonji está liderado por el venerable anciano Hidetora, es el gran patriarca en una época del Japón feudal, tiene tres hijos y decide repartir sus tierras entre ellos, se desencadena la lucha de poderes entre los tres hermanos, la decisión de Hidetora sea cual sea será equivocada porque hay muchos intereses en juego, sus hijos Taro, Jiro y Saburo no aprendieron la más valiosa lección que su padre les dio en vida, una sola plancha de madera puede ser quebrada pero tres no, por eso se debían de mantener unidos.

Kurosawa hace una adaptación oriental de "El Rey Lear" de Shakespeare, de hecho es bastante fiel a la obra porque introduce ese tono de teatro y de reflexiones tan típicamente shakespiriano, los personajes están muy bien adaptados, cada uno de los hijos refleja 3 personalidades muy diferentes siendo Taro el hermano mayor obediente a su padre sabiendo que tendrá una valiosa recompensa, Jiro es el débil que le hace peligroso porque es una persona manejada por su fiel mano derecha y su vengativa cuñada y Saburo es el pequeño que representa la rebeldía y el compromiso hacía su familia. Quiero destacar varios aspectos de este film, lo bien que está contada la historia, las grandes frases que deja Kurosawa, sobre todo las que dice el bufón de Hidetora que son grandes verdades que nunca nadie se atreve a decir, las batallas tienen una puesta en escena espectacular y su metraje siendo de 160 minutos no se hace nada aburrido ni largo. Para mí esta adaptación es un gran relato sobre las relaciones familiares y lo miserable que es la condición humana, me parece un peliculón.



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Dopo mezzanotte (Después de medianoche)

Producción italiana del año 2004 dirigida por Davide Ferrario. Martino es un joven juventino vigilante del museo de cine de Italia en Turín, es un magnífico edificio llamado la Mole Antonelliana (puedo decir que su cúpula es impresionante). Todas las noches tiene que hacer su trabajo pero en realidad es una excusa para dar rienda suelta a su pasión cinéfila, ve películas antiguas (sobre todo el cine primigenio de Buster Keaton) e incluso realiza su propios cortos con una cámara antiquisima, el quiere recuperar la esencia del cine. Es un personaje extraño y en su camino se cruza a Amanda para darle cobijo en la Mole huyendo de la polícia, ella se adentra en el mundo de Martino que adora a esa chica antes de conocerla. Se inicia una relación a tres bandas ya que el novio de Amanda (Angelo, un ladrón de coches) tiene algo que decir en esta historia.

Desconfiaba de esta película pero resultó ser una sorpresa agradable, no es una gran obra de arte y alguna deficiencia tiene pero está bien construida y me parece una historia muy interesante la que se cuenta. Su gran fallo radica en que se abusa del narrador, demasiada voz en off, da la sensación que el director desconfiaba de los actores para transmitir sensaciones. La fotografía está muy cuidada y es de gran calidad. En cuanto a los actores destaco los papeles masculinos bastante bien interpretados por actores desconocidos. Mi complicidad con el extraño Martino es absoluta y creo que todo amante del cine veria esta película como un ejercicio incluso de metacine, porque además de contarnos una historia el propio cine nos sirve como nexo para este triángulo de resolución difícil para Amanda.



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La notte (La noche)

Producción italo-francesa dirigida en el año 61 por Micheangelo Antonioni que tuvo gran éxito entre la crítica y el público, algo que no suele coincidir muy a menudo. Marcelo Mastroianni encarna un escritor en la ciudad de Roma, está casado con Lidia (interpretada por Jeanne Moreau), son un matrimonio aparentemente feliz, ella proviene de una familia muy adinerada y él es un escritor de éxito. Pero la realidad es otra porque es un matrimonio en franca decadencia, para la mayoría llevan una vida envidiable de acudir a presentaciones de libros, fiestas y eventos sociales romanos pero ya no hay entendimiento alguno, solo les une sus lazos burgueses.

Mi descubrimiento en esta película y lo que me hizo darme cuenta de lo fascinante que la encontré es como Antonioni nos muestra algo tan cotidiano y que a la vez nunca observamos de como se destruye algo tan sagrado como una pareja. Él es un tipo guapo, elegante pero que tiene abandonada a su mujer, ella es una mujer tambien elegante, de clase, como una gran dama francesa pero Antonioni te envuelve en una atmósfera donde te mete en la piel la sensación de que esa relación no puede continuar. Más allá de las razones que puedan existir desde la lógica es que está el sentimiento de ruptura. Me quedo sobre todo con el final de la película donde Moreau pareciendo durante todo el film la desválida señora del escritor deja una lección muy grande a él, primero define muy bien la personalidad de los escritores que los hace tan amados como odiosos, son seres egoístas llenos de piedad. Luego Moreau no le deja opción alguna a Mastroianni de redimir esa relación, son tales sus palabras que nada puede rebatirse en ellas. Una recomendación para personas suficientemente adultas que quieren observar algo diferente sobre lo complejo que son las relaciones humanas, también destacar la excelente música del film.



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The Wild Bunch (Grupo Salvaje)

Producción americana dirigida en el año 69 por Sam Peckinpah, los expertos dicen que este fue el último gran western si obviamos el "Sin Perdón" de Eastwood. Pike y sus hombres son un grupo de forajidos que son perseguidos tanto por el ejército americano como el ejército Mapache en la frontera mexicana como los caza recompensas que abundan por la zona, ellos sin problema alguno cruzan la frontera como desean y hacen los más sucios tratos por sobrevivir, tráfican con armas, no dudan en disparar y llevan una mala vida, pero eso si, son un grupo y la amistad es inquebrantable.

No soy un aficionado a las películas del Oeste que en sí sólo constituye un género cinematográfico, pero sí que soy aficionado a las buenas películas y esta puedo decir que sí lo es. Magnifico relato de Peckinpah sobre la violencia (tema del cual es un maestro) y la amistad, como unos hombres que son unos borrachos, puteros y asesinos luego pueden demostrar tal fidelidad a su grupo y que incluso hagan desear que tu seas uno de ellos sabiendo su trágico final. Ya no se hacen films como estos porque desatarían las iras de los grupos políticamente correctos, de hecho ya en su época tuvo problemas y Scorsese tuvo que intervenir para obtener todo el montaje de la película. Me encantó la crueldad y bajeza de los caza recompensas y las escenas donde los integrantes del Grupo Salvaje bromeaban y todos reían y bebían llenos de felicidad.



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Mean Streets

New York; decada de los 70. Las cosas han cambiado, sobre todo para la mafia. La Cosa Nostra ahora es una organización decadente que se dedidica a extorsionar principalmente. Algún negocio ilegal y una poca usura completan el rango de acción de sus "negocios". En esto se encuentran inmersos los protagonistas, Johnny Boy y Charlie Cappa. El primero un camorrista de cuidado, jugador y mujeriego, que no paga sus deudas; el segundo un mafioso tranquilo, al que no le gusta la violencia y que se ha enamorado de la prima de Johnny; debido a este menester, Charlie se erige como el protector del joven J.Boy. Los problemas de este último, le salpicarán a Charlie, al que veremos en el día a día a lo largo de la historia. Historia que se desarrolla fuera de los canones de las peliculas de mafiosos, pero que terminará alineada con los tópicos del genero.

Bueno, bueno, aqui tenemos una obra maestra demasiado desconocida en nuestro país. Impresionante reparto (que responde perfectamente a su categoría) con gente como H. Keitel, De Niro o David Carradaine (¿alguien sabe donde aparece?). Si esto fuera poco, la dirección es del mismisimo Martin Scorsese (que tambien actua). Y para rematar, la música original de Eric Clapton, en la que se incluyen temas de gente como Rolling Stones o John Mayall. En cuanto a la historia, estamos ante un enfoque muy original de la "Cosa Nostra". Original, atrevido y realista; lejos de la perfección de la acciones mafiosas, tipicas del celuloide, este crimen organizado es más "de estar por casa". Buenisima la escena cuando van a requerir el dinero de un jugador moroso y terminan con los ojos morados de las hostias que les han dado. O cuando levantan 100 dolares a unos crios que querian comprar marihuana... Bueno y el duo Keitel / DeNiro, de los mejores que yo he visto en el cine. En definitiva un peliculón, indispensable para los amantes del cine mas puro.

Nota: 8,8


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Ichi The Killer

El jefe Yakuza de una violenta banda japonesa, es brutalmente asesinado mientras sodomizaba a una prostituta. Nadie sabe la verdad y su sicario, Kakihara, el más salvaje de todos, aún cree que esta vivo. No duda en torturar a quien puede saber algo sobre el paradero del jefe. Poco a poco, va descubriendo que es posible que haya sido asesinado, aunque nadie de su entorno se atrevería a ello. La relación de Kakihara con su superior no era meramente profesional; una especie de amor-sadomasoquista les unía profundamente. Y es de ahí de donde saca sus deprabadas acciones. Kakihara, no parará hasta descubrir que le ocurrio a su 'amado' Yakuza, sin reparar en violencia y dolor; dolor que encontrará el mismo cuando conozca al asesino más brutal de todo Japon...

De nuevo el genuino y prolífico Takashi Miike, nos acerca a su peculiar universo, esta vez de la mano de un comic de Ideo Yamamoto. Sorprendete y duro relato, sobre la mafia, la tortura y el sadomasoquismo. A veces lenta, a veces trepidante, la impecable puesta en escena y la elocuencia de los actores, llenan de gozo a los seguidores del cine más innovador. La trama te mantiene en suspense hasta el final, cuando todo termina demasiado rápido. En resumen, recomendable largometraje para los seguidores del cine de acción, original y sin concesiones.

Nota: 7,8


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Ta'm e guilass (El sabor de las cerezas)

Producción iraní dirigida por Abbas Kiarostami en el año 97, ganadora ese mismo año de la Palma de Oro en Cannes a mejor película. Mr. Badii es un hombre de mediana edad que va por los territorios de alguna provincia de Irán con su camioneta, está buscando algo y al principio no sabemos que, va topándose con personajes dispares y muy variados, poco a poco deja entrever sus intenciones, esa misma noche ha decidido suicidarse y si su empresa tiene éxito el encargado que está buscando cobrará una suma de dinero para que le de sepultura dignamente.

Hasta aquí la sinopsis de la película pero no crean que tiene más cosas, ya está, sencillamente eso es lo que se cuenta durante 98 minutos, con un ritmo lento, cansino y agobiante Kiarostami se dedica a contar una historia mínima que su argumento podría interesar pero su realización aburre hasta a las ovejas. No entiendo porque le dan la Palma de Oro a un relato donde un tio se tira 8 minutos conduciendo una camioneta sin pasar absolutamente nada, lo único que uno ve es a una persona normal y corriente conduciendo por un paisaje árido y mucha miseria. Tampoco es que sean muy interesantes los encuentros con los personajes que se topa Badii, diálogos mínimos y pausados hasta más no poder. No lo entiendo, para mi un tostonazo de mucho cuidado.



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