Following

Producción inglesa dirigida el año 98 por Christopher Nolan, constituye la ópera prima del autor de la genial Memento. Bill es un escritor (más bien alguien que tiene la intención de ser escritor) que en plena crisis creativa y sin nada que hacer se lo ocurre seguir a la gente, convertirse en un voyeur. Para ello, Bill se impone unas reglas de seguimiento que rápidamente las violará y conocerá a Cobb, un tipo que sigue a la gente para entrar a sus casas para observar lo que tienen y de paso robar algunas de sus pertenencias, lo que empieza siendo como un juego pronto se convertirá en un rompecabezas donde Cobb, Bill y una extraña rubia mantendrán una lucha por sobrevivir y ser quien se lleve el gato al agua.

Following para ser una ópera prima he de reconocer que me ha dejado sorprendido, Nolan lo borda en este relato de complicadas elipsis, diálogos brillantes y un ritmo adecuado. Es mucho riesgo para un debutante abordar un texto tan complicado y con unos actores desconocidos que durante los fines de semana y 6000 dólares te salga una obra tan completa. Viendo esta obra comprendes como Nolan pudo afrontar el reto de dirigir Memento y que no le saliese una obra incomprensible. Su tratamiento del blanco y negro en la película es muy acertado y nos retrata un Londres anodino y sombrío que ayuda a lo que se nos está contando. Cine innovador de nuevo autor que únicamente en 70 minutos te hace recordar que lo importante en el séptimo arte es la historia que se cuenta y como mueves tu cámara.



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La Culpa

Una solitaria mujer esta pasando por una crisis de pareja; sola con su hija, decide irse a casa de una compañera de trabajo. Ambas son médicas y la relación entre ellas es aparentemente excepcional. Sin embargo, en la casa donde conviven pasan cosas raras. La niña se despierta a media noche sobresaltada y son continuos los ruidos inexplicables. Además, la dueña cada vez se muestra más cercana y el delgado hilo que separa la amistad y el amor, se rompe poco a poco… El sinsentido toma forma, hasta llegar a un final que nadie espera.

La culpa, es la aportación de Ibáñez Serrador a la miniserie que el mismo coordina. Siempre es de agradecer que este buen director vuelva a ponerse detrás de la cámara. En esta ocasión, nos sorprende con una visión del terror de lo más racional. Todo lo extraño se vuelve normal; todo tiene una explicación. En un elaborado juego de tensión y distensión, Serrador consigue desmitificar todos los clásicos dogmas del género. En resumen, una original propuesta, con una particular interpretación del suspense, que, a mi entender, no se acerca a la tremenda intensidad de los otros títulos de la serie.

Nota: 7,7


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Mies vailla menneisyyttä (Un hombre sin pasado)

Producción finlandesa del año 2002 dirigida por Aki Kaurismaki, gran premio del jurado del festival de Cannes y nombrada mejor película en el festival de San Sebastian. Un hombre de mediana edad llega en tren a Helsinki y en un banco de la estación le dan una paliza que le hace perder completamente la memoria, no se acuerda ni de su nombre y comienza una nueva vida junto a seres marginales en las orillas del rio en uno de los barracones que existen cerca del puerto. A pesar de no tener identidad su iniciativa y ganas de encauzar su vida desde cero hace que el hombre salga hacia delante y construya una digna y bonita manera de vivir. Tras un hecho con la polícia encuentran su pasado y ahora este hombre decide sobre su anterior o la actual vida, su decisión será sencilla porque es un hombre coherente.

Esta película es llamada la pequeña joya de Kaurismaki, un relato sencillo sobre una historia que plantea muchas reflexiones y que Kaurismaki no la aborda filosofando que hubiese sido lo fácil, sino lo enfoca desde un prisma humano y hace una feroz crítica a las gentes que se mueven únicamente por el terreno burocrático, el protagonista (curioso parecido con el cantante de los Smiths, Morrisey) encuentra mucha más ayuda de la gente desfavorecida que de los poderes del Estado que tenemos para ayudar a las personas. Cine sin efectos aderezado de muy buena música que recibio multitud de premios porque siendo una historia tranquila y surrealista toca la sensibilidad de las personas.



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Angst essen Seele auf (Todos nos llamamos Ali)

Producción alemana dirigida en el año 74 por Rainer Werner Fassbinder. Emmi es una viuda alemana de unos sesenta años con 3 hijos, ella vive sola en su piso de Munich, un día que está lloviendo Emmi entra en un bar de árabes a guarecerse de la lluvia, allí conoce a Salem, un marroquí treintañero que la invita a bailar a causa de la insistencia de la camarera en reirse de la viuda. Entre ellos surge complicidad y cariño. Salem (a quien todos llaman Ali) se instala en la casa de Emmi y pronto se casarán. El entorno tanto de Emmi como de Ali les será hostil y tendrán que pasar por varias humillaciones que terminarán afectando a los dos miembros de la pareja.

El título original de esta película es "Cuando el miedo encoge el alma", Fassbinder construye un relato perfecto acerca de la xenofobia y el racismo en una sociedad occidental donde una misma persona es víctima y verdugo por su condición social o procedencia, son comportamientos inconscientes por una educación represora que no entiende acerca de la comprensión entre personas, precisamente por eso Fassbinder pone ese título a la película, en vez de tratar a las personas con el alma nuestros miedos nos hace encogerla y rechazarlos sin ni siquiera darles una oportunidad. Curioso el planteamiento del director de como Emmi por ejemplo acepta a Ali como su esposo pero luego junto a sus compañeras de trabajo rechaza a la nueva empleada yugoslava. Un film que personalmente creo que todo el mundo debería visionarlo para aprender a ser más persona.



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Munich

1972. Los juegos olímpicos se celebran en Alemania,. Las relaciones entre Palestinos y Judios esta especialmente tensa. Un grupo armado llamado Septiembre Negro, secuestra a un grupo de atletas Israelíes, ubicado en Munich A priori no sabemos lo que les ha ocurrido. Posteriormente, en Israel, un militante novato es el encargado de dirigir de un comando de Mossad. Comando integrado por gente inexperta y sin formación militar. La misión, clara: acabar con todas las personas que tuvieron que ver con el secuestro de Munich. Matarlos sin contemplaciones; la más clara muestra de terrorismo de estado. Los métodos para llevar a cabo tan macabro propósito serán variados, aunque finalmente todo se centrará en un informador anónimo que no tiene escrúpulos en vender a unos y a otros. Durante esta trama, iremos viendo todo lo que ocurrió con los atletas judíos; la falta de profesionalidad de la policía germana, el coraje de los deportistas y la brutalidad de los secuestradores; un cocktail que acabó en tragedia; una tragedia que se nos mostrará sin contemplaciones. Los idealistas integrantes del comando militante del Mossad, irán viendo la inutilidad de sus asesinatos; como poco a poco se convierten en bestias idénticas a los terroristas palestinos. La razón se pierde cuando todo se tiñe de sangre; nadie se librará de esta barbarie: ni americanos, ni judios, ni franceses, ni palestinos, ni españoles… todos tenemos algo de culpa en esto.

Sublime película del DIRECTOR Steven Spielberg. Alejado de las historias fantásticas (que Spielberg realiza como nadie), este crudo film, es un relato al más puro estilo de cine político. Lento y muy denso, se nos narra sin partidismo, la sinrazón de un hecho puntual (la tragedia de Munich) que desgraciadamente se ha repetido hasta la saciedad. Me quedo con la (algo forzada) conversación entre el jefe del comando judio y un terrorista palestino. Atrevida como pocas, la implicación de diferentes países, nos hace reflexionar sobre este problema que sigue siendo de todos. A recalcar, la autodestrucción a la que se somete el, inicialmente, noble comandante del mossad, cuando se va dando cuenta de que simplemente es un sucio asesino. Solo para seguidores de historias sustanciales.

Nota:9,1


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Permanent Vacation

Producción americana dirigida en el año 80 por Jim Jarmusch, constituye la ópera prima de este director de cine independiente. El joven Alloysius vaga por las calles de Manhattan, por las calles del sucio downtown, sin oficio conocido, va de un lugar a otro por donde le llevan sus zapatos, en el camino se encuentra a todo tipo de personajes dementes y desquiciados, una cantante de corridos mexicanos, un saxofonista que le recuerda a su adorado Charlie Parker o un tipo en la entrada del cine que le cuenta lo que es el efecto Doppler. Alloysius ha renunciado a toda vida normal, es su manera de ser y como si fuera un beatnick se siente como un turista permanente porque todos los sitios son iguales y ninguno es el suyo.

Los años entre 1978 y 1981 fueron de gran actividad artística en diversos lugares del planeta, en este relato se observan multitud de similitudes con la primera producción de Almodóvar, jóvenes intrépidos sin conocimiento alguno del cine se lanzan con sus cámaras a contar historias atípicas que son sus inquietudes. El film no es de gran calidad y tiene un montón de defectos en cuanto a medios, ritmo, etc... Pero lo que cuenta era la intención del cineasta de contar algo que le parecía interesante y que el espectador no está acostumbrado a ver, por eso merece la pena gastar 75 minutos de tu vida en ver 'Permanent Vacation'.



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Hana Bi (Flores de fuego)

Producción japonesa dirigida en el año 97 por Takeshi Kitano, León de Oro en Venecia ese mismo año. El señor Nishi es un polícia tokiota un tanto peculiar, algo surrealista, se debe enfrentar a varios problemas, la enfermedad terminal de su esposa, la desgracia de su compañero en la policía de quedarse parapléjico en una redada y que él es perseguido por una banda de mafiosos. Nishi podrá afrontar la situación humanamente porque es una gran persona y un buen policía. Porque lo importante es corresponder a las personas queridas.

El film es todo un gran festín a las cualidades como actor de Kitano en el papel principal del polícia atormentado, envuelto en una espiral de gran violencia sale victorioso en su propósito que no en su vida. El relato destaca en dos de las cualidades que siempre veremos en las historias de Kitano, su surrealistas que son siempre son papeles protagonista y esa mezcla de violencia y bondad que hacen que Takeshi siempre sea un tipo amable a pesar de la dureza con la que se emplea. También hay varios rasgos de película oriental como un desarrollo pausado de la historia y escenas de mucho simbolismo donde las palabras sobran. Una gran producción donde me quedo con la escena de la mujer de Nishi en la playa dándole las gracias a Nishi por todo lo que ha hecho por ella.



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Babel

Producción americana dirigida en el año 2006 por Alejandro Gonzalez Iñarritu nominada a 7 globos de oro y premio al mejor director en el último festival de Cannes. Con esta película el tándem formado por Arriaga e Iñarritu terminan lo que ellos denominan la trilogía del dolor que empezó con "Amores Perros" y continuó con "21 gramos". Richard y Susan son dos americanos de vacaciones por el desierto del Atlas marroquí que intentan arreglar su relación de pareja, mientras Amelia es la cuidadora mexicana de unos niños en San Diego que quiere ir a la boda de su hijo en México. Chieko es una adolescente tokiota sordomuda que sufre en una sociedad que a causa de su deficiencia la tiene marginada. Entre estos personajes parece que nada tienen que ver entre ellos pero como en una gigantesca Torre de Babel nos vemos todos envueltos en este mundo.

Babel es una de las películas preferidas tanto por el público como por la crítica en el año 2006, nuevamente el guión construido por Arriaga y llevado a cabo por Alejandro es una delicia de coincidencias que podría llevar a pensar que han hecho un calco a las dos anteriores que antes cito, pero esta vez las coincidencias son nimias porque Iñarritu quiere demostrarnos en este relato las diferencias de personas que habitan este mundo a través de 3 lugares pero que todos cuando nos sentimos mal tenemos muchas cosas en común, los sentimientos son universales e independientes de la cultura a la que pertenezcamos. Una lección de buen cine de calidad donde la poesía de Arriaga y el genio de Iñarritu se demuestra hasta en la dedicatoria final del film.



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Ça commence aujourd'hui (Hoy empieza todo)

Producción francesa dirigida en el año 99 por Bertrand Tavernier, premio de la crítica internacional en Berlín ese mismo año. Daniel Lefebre es un hombre treintañero director de una escuela en una de las zonas de minería francesa, una zona francamente deprimida donde hay constantes problemas sociales. Esto se ve reflejado en la escuela de Lefebre que cada día tiene que afrontar numerosos problemas que salen de lo meramente educacional. Daniel es un hombre con iniciativa y dinámico que intenta arreglar todo lo que esté en su mano. En su vida personal es también un hombre responsable que intenta ser feliz.

Tavernier nos construye un relato social de una de las potencias de la UE que orgullosamente se declara del primer mundo y que en muchos aspectos da la espalda a sus ciudadanos, en concreto a los niños, que deben tener las mismas oportunidades educacionales y pedagógicas pero que no es así y no solamente debido al poder adquisitivo de cada familia sino que no pone los suficientes medios para poder conseguirlo simplemente por problemas presupuestarios. Una deliciosa película que te hace admirar a una persona como Lefebre que no se mueve por las evaluaciones de sus superiores sino por su altruismo y el amor a una de las profesiones más bonitas y complicadas que existen, la de profesor de parvulario.



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El bueno, el feo, el malo

En el antiguo oeste norteamericano las cosas no eran fáciles. Sobre todo en el sur; sobre todo durante la guerra civil. Los hombres tenian que conseguir dinero para comer; y cuando tenian para comer, lo querian para disfrutar... La moneda más interesante en aquella situación, era la fabricada con oro. Un oro que robaban los soldados y que iba pasando de bando a bando. Uno de estos expolios, es llevado a cabo por un grupo de la milicia sureña. El tesoro es escondio y solamente una persona sabe donde esta. La leyenda del tesoro llega a oidos de un mercenario sin escrupulos, El Malo, que será capaz de cualquier cosa con tal de dar con él; por accidente, otros dos vaqueros se enteran de la existencia del precioso botín. La carrera ha comenzado y solo uno de los tres terminará con las manos llenas de oro...

De nuevo, ante una obra maestra. Una pelicula clave en la historia del cine, curiosamente coproducida por España. Genial en muchos aspectos, es dificil pensar como en 1.966 Sergio Leone, se atrevió a contar las historias del oeste con tal brutalidad. Y no hablo de brutalidad explicita (como la que nos mostrará Sam Pekinpack posteriormente), si no de la crudeza con que Sergio nos muestra el suroeste de los EEUU. Personas sin hogar, dispuestas a todo por huir de la pobreza; gente que perdió los escrupulos a base de hostias; desheredados de la vida en medio de una sociedad aún por construir. Malhechoeres que chocan en intereses con los cobardes tenderos que intentan ser los buenos en una batalla por la supervivencia. Mas que una historia de aventuras, se nos cuenta una epopeya existencialista. Planos cortos, sin dialogos, pioneros en el género, que tanto se han explotado posteriormente. Por citar nos quedan las antológicas interpretaciones de Eastwood y Cleef, que unidos a la espectacular banda sonora, dan como resultado, eso, una obra maestra.

Nota: 9

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Elephant

Producción americana dirigida en el año 2003 por Gus Van Sant, Palma de Oro a la mejor película y director en el festival de Cannes de ese mismo año. En un instituto americano se juntan todos los tópicos de estudiantes que puede haber en América, el chaval con problemas familiares, el chaval artista cuya disciplina es la fotografía, la bibliotecaria con miedo a cambiarse en los vestuarios, las chicas cotillas con desórdenes alimenticios, etc... Hasta que un día dos de estos chavales que son repudiados y de orígenes en la extrema derecha entran y hacen la justicia por su cuenta.

Elephant es una de las películas que mayor controversia ha causado entre crítica y público, muy alabada por la crítica entre la mayoría del público resulta un fiasco y un tostón incomprensible debido al ritmo que Van Sant lleva con su cámara detrás de los personajes del instituto. Esta vez me pongo más al lado de la crítica y creo que estamos ante un film sublime donde el director nos muestra las miserias y alegrías de unos chicos que están inspirados en las muertes del instituto Columbine. Si Van Sant va con la cámara detras de ellos es porque su idea es reflejar todo lo que le rodea a ese universo particular y que el espectador se diese cuenta de los detalles. Mención especial y por lo que también se le ha dado mucha caña es musicar la película con Beethoven cuando es una música que te introduce en la tragedia que va a ocurrir. Una película muy original en su planteamiento y en su realización.



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Hiroshima, mon amour

Producción francesa dirigida en el año 59 por Alain Resnais con guión de la poetisa francesa Marguerite Duras, esta película estuvo nominada al Óscar a mejor película de habla extranjera y es un clásico de los 60. Hasta una Hiroshima se desplaza una actriz francesa para rodar una película sobre la paz y allí conoce a un japonés que se convierte en su amante, lo conoce la noche antes de abandonar Hiroshima pero la atracción entre los dos es tan fuerte que ambos se hacen confidencias que antes no habían hecho a otra persona y se establece un vínculo muy especial.

'Hiroshima, mon amour' es una película especial, llena de poesía y de voz en off, al principio del relato nos muestra la Hiroshima después de la bomba atómica y se mezcla entre medias los versos escritos por la Duras donde impresiona escuchar que un turista lo único que puede hacer en Hiroshima es llorar sino. Luego nos adentramos en la relación de amor de 24 horas entre la francesa y el japonés, ambos quieren afrontarlo de la mejor manera, el japonés mediante el contacto y la francesa mediante el olvido. El ritmo de la naracción es lenta pero lo podemos compensar con la originalidad del planteamiento, es como si vieras una película tipicamente asiática pero con mucha poesía hablada que es la aportación de Marguerite Duras al relato. Para mi una película muy especial, para la mayoría una historia aburrida con una narradora diciendo ñoñeces que va de trascendental.



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Monos como Becky

Producción española dirigida en el año 99 por Joaquín Jordá, grandioso documentalista catalán que falleció en el 2006 y que este es mi particular homenaje a esta gran figura del cine español. Jordá se adentra en este documental en la figura del científico portugués Egas Moniz, premio Nobel de Medicina en el año 49 por dos de sus descubrimientos, la angiografia cerebral para dar diagnósticos sobre enfermedades mentales y la leucotomía que tiene mucha más polémica porque fue el descubrimiento posterior de la lobotomía donde a un individuo le anulas todas sus funciones creativas ganando que también le cortas sus impulsos violentos.

Moniz llegó a esta conclusión al observar en un congreso en Londres los trabajos de otro científico que veía que una mona encantadora llamada Becky antes en los videos enseñados en el congreso era una bestia con grandes impulsos violentos. Con las operaciones de anulación de una parte del lóbulo central del cerebro lograbas también tales resultados en humanos. Jordá nos adentra en el mundo de la locura contándonos la historia de Moniz y rodando en un manicomio catalán donde podrían aplicar la técnica inventada por Moniz pero Jordá logra con esos locos crear una obra de teatro y ver que son creativos. Ellos no quieren que salvaguarden solo sus funciones psicomotrices por anular como son. Un documental impresionante, el mejor que he visto hecho en lengua española, una pena que la obra de Jordá no sea apenas conocida, quizás con el tiempo luego se reconozca la obra de este genio en un género tan complicado como el documental.



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