Mommy

Canadá (2013)

Producción dirigida por Xavier Dolan, premio del jurado en el festival de Cannes y mejor film extranjero en los premios César. Steve es un adolescente que padece el ADHD (Trastorno Hiperactividad con Déficit de Atención), en Canadá el Estado puede hacerse cargo de él internándolo en un centro especial y quitar la tutela a los padres. Su madre, Diane 'Die' Després, no quiere estar lejos de su hijo y decide que no va a estar más en el centro y que ella la educará, es viuda y tendrá que hacer frente a una difícil situación para el tratamiento de la enfermedad de Steve. A veces se pone violento, insulta a quien se le ponga por delante y se mete en bastantes líos, aunque también es un chico dulce, cariñoso y que quiere a su madre. Enfrente de su casa vive un matrimonio, la mujer, Kyla, está de baja a causa la depresión que le produjo su trabajo como profesora y tiene problemas de comunicación oral. Ahora se ofrece como voluntaria para en ocasiones cuidar de Steve cuando Diane no esté, así, poco a poco, se podrá ir integrando en el mundo laboral al que antes pertenecía y a empezar a comunicarse con el mundo exterior. Entre los tres se establece una relación muy especial, cuyo nexo de unión es este chaval tan problemático que les hará enfrentarse a estas dos mujeres a múltiples situaciones de estrés y les obligará a las dos a tomar decisiones a veces dolorosas. Pero entre tanto estrés, hay también ratos donde son felices, lo pasan bien y nunca se olvidarán.

Película dirigida por el joven Xavier Dolan, el nuevo 'enfant terrible' del cine independiente, anteriormente ya comentamos su ópera prima Yo maté a mi madre, donde había algún trazo que indicaba que iba a dar bastante que hablar y que estábamos delante de una nueva promesa del séptimo arte, esa promesa ya es una realidad a sus 25 años y aquí construye un relato de tres pirados que llega al espectador por el buen trabajo realizado de guión y un estupendo trabajo por parte de los actores, especialmente de Suzanne Clément como Kyla, su trabajo para mostrar la incapacidad de poder comunicarse es simplemente genial. Pero no solamente tenemos un buen guión y actores, también hay ritmo, buena música y la película no se hace para nada pesada. Como punto negativo y bastante malo es que el director acorta la pantalla para contar la historia y eso es muy molesto. Seguro que lo ha hecho para ser diferente y vender una nueva técnica que precisamente no aprovecha la calidad que tienen las pantallas de ahora en formato televisión, me imagino que ver esta película en el cine tiene que ser insufrible porque desaprovechar una pantalla tan grande adrede tiene que ser frustrante para el espectador. Podría haber sido una película redonda y este detalle, que es muy importante, echa bastante a perder lo que es un trabajo magnífico y que te emociona. Es por eso (que emociona) por lo que la recomiendo, te hace pasar un buen y mal rato de la pena que te da este trío protagonista y hasta te encariñas un poco con ellos.

Para Recordar: es una buena historia, bien contada y no era nada fácil porque son personajes complicados de caracterizar, también muy complejos para actuar, los actores están muy a altura. Impresionante banda sonora con temas de Oasis o Lana del Rey.

Para Olvidar: demasiados gritos por parte de la pareja protagonista de madre e hijo y la modernez del director de acortar la pantalla para contar la historia, me parece una tontería que simplemente la realiza para que se hable sobre él.



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NOLA? Irun Meets New Orleans

España (2015)

Producción documental dirigida por el músico vasco Fermín Muguruza, antiguo componente del grupo Kortatu y Negu Gorriak. 10 años después del huracán Katrina que asoló la ciudad de Nueva Orleans, Fermín viaja hasta esta ciudad tan musical para grabar su nuevo disco compuesto de 10 temas, también realizará este documental de como fue la experiencia de grabar estos temas con los músicos de allí. Con el patrocinio de la cadena de radio WWOZ de Nueva Orleans se empiezan a grabar las canciones en la misma cadena, otras en salas míticas de la ciudad como el Reservation Hall y entre ensayos y grabaciones los músicos hablan de la catástrofe que fue el Katrina para New Orleans (Nola como la llaman los lugareños) y como fue la posterior reconstrucción de la ciudad. Obras que aun no han terminado pero que gracias a la voluntad de la gente de allí y la ayuda de muchos de estos músicos regresando a la ciudad, han podido conseguir que la ciudad no desapareciera. Si en Las Vegas lo que mueve la ciudad es el juego, en Nueva Orleans es la música y luego su gastronomía tan especial, es por ello que hay muchas personas y grupos que quieren que eso no desaparezca, es su modo de ganarse la vida, una filosofía y un estilo único que hace tan especial a este lugar. También se debate de otros temas como la gentrificación, las ventajas e inconvenientes que tiene, ya que, es positivo que otros artistas como en este caso vengan a aportar algo a otro lugar pero también hay aspectos negativos, los barrios que antes fueron ocupados por familias de clase media baja, ahora son guettos de nuevos ricos que desplazan a la población del que fue su barrio de toda la vida.

Segundo documental que comentamos que fue proyectado en el festival madrileño de documentales Documenta Madrid en el Matadero de Madrid Río y que también contó con la presencia del director de la cinta, el compositor vasco Fermín Muguruza, muy contento además de presentar este trabajo en Madrid y orgulloso de poder posteriormente presentar su disco en una de las salas del circuito madrileño. Fermín estuvo vetado durante muchos años y no podía tocar en la capital. El documental es muy entretenido e interesante, para los seguidores de la serie Treme muchas cosas ya te suenan pero para los que no la han visto se aprenden muchas cosas. En mi opinión grabar el disco allí fue una manera excusa para viajar y estar en contacto con otros músicos y otros estilos musicales ajenos al ska que práctica nuestro protagonista, antes de esta experiencia con el blues y el jazz, estuvo en Jamaica explorando el reggae. Fermín es un artista multidisciplinar, no solo apuesta por la música, también por el cine y toca diferentes palos para que su carrera no se quede estancada, aunque y esta es una opinión personal, siempre me ha sonado igual. Muy recomendable este documental aunque ni sepas quien es este cantante.

Para Recordar: la música de jazz de Nueva Orleans, la WWOZ que es una cadena de radio muy importante e interesante. Las reflexiones de Muguruza y los músicos de la ciudad acerca del papel de la música que es tan importante allí, articula mucha de la vida de esta ciudad sureña de EEUU, tras el Katrina se ha vuelto todavía si cabe más importante.

Para Olvidar: las canciones y el estilo de Muguruza son bastante particulares, así que por mucho que vaya a Nueva Orleans, Buenos Aires o Memphis su música va a ser muy parecida. Este experimento ya lo hicieron los Foo Fighters con su disco 'Sonic Highways' y pasaba lo mismo que con nuestro protagonista, su música era Foo Fighters, no cambiaba nada.



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35 y soltera

Argentina (2015)

Producción documental dirigida por Paula Schargorodsky y protagonizado por ella. Paula tiene 35 años, ha vivido un Argentina y en Italia y ha tenido múltiples parejas que o la han dejado o ella los ha dejado. Sigue soltera, sin hijos y todas sus amigas se han casado y alguna ya tiene también hijos, ella es la última soltera y este hecho le lleva a la reflexión y a preguntarse de como ha llegado actualmente a esta situación. Es por ello que se pone manos a la obra y saca de su cajón las diferentes cintas grabadas de cada una de sus ex parejas y va a visitar a cada uno de ellos para encontrar la razón de por qué una relación no le ha durado más de dos años. Empieza por el que creo que fue el amor de su vida, el chico que le rompió el corazón cuando la dejó siendo muy jovencita, ahora se llevan bien pero sus vidas son muy diferentes y aunque algo de amor queda, no funcionaría. Luego se embarca hasta Italia para ver a su ex pareja italiana que tuvo cuando estudió en el país transalpino, vivían en el bosque en una comuna hippie y fue Paula quien terminó la relación porque quería ver más mundo y no quedarse en esa comuna. Por último viaja hasta Uruguay a ver al hombre con el que tuvo la relación que más se aproximó a boda, hacía teatro y marionetas, la relación terminó por apagarse y no podía avanzar. Todo esto intercalado con las intervenciones de familiares y amigos de Paula que opinan que forma de ser tiene nuestra protagonista y cuales son las razones por las que sigue soltera y sin descendencia.

Película programada dentro del festival madrileño de documentales Documenta Madrid que se proyectó en el Matadero de Madrid Río y que contó con la presencia de la directora argentina para posterior coloquio después de la proyección. Paula se hizo famosa a través de un cortometraje donde contaba en formato reducido su elección por la soltería y no tener hijos, fue ampliamente visionado por las redes y consiguió la financiación para realizar esta obra. Un relato donde apenas me acuerdo de los detalles de por qué sus relaciones fracasaron pero donde queda clara la idea de que ella no busca una vida convencional donde tenga que casarse y tener hijos, por eso también se ve reflejado que los hombres que han pasado por su vida tampoco eran personas convencionales, uno no va conociendo a gente que vive en comunas o que se gana la vida haciendo marionetas todos los días. Paula es brutalmente sincera, ha llevado una vida como a ella le gustaría y aunque duda por ella misma y por el entorno que la rodea, no se arrepiente de lo que ha vivido, es más, su verdadero amor creo que es el cine y controla todo el documental, incluso haciendo caso omiso en algunas decisiones de su compañera en el guión Julieta Steinberg. Me pregunto como sería esta obra si hubiese sido un hombre quien la hubiese protagonizado, el tema de buscar un compañero con el que vivir y la maternidad se da de una manera bastante natural desde la perspectiva femenina, incluso a Paula la llaman la Brigdet Jones argentina, pero el tema de la paternidad y hombres solitarios no se aborda apenas. ¿Será otro síntoma de sociedad patriarcal donde tenemos que analizar a las pobrecitas mujeres que se quedan solas y a los hombres no? Es un debate muy interesante.

Para Recordar: que no es el sueño de todas las mujeres el casarse y tener una familia, en este siglo ya encontramos muchos modelos diferentes tanto de familias como de gente soltera y todos los modelos son válidos. No tiene porque andar una mujer continuamente justificándose porque tenga una edad más avanzada y aún no esté casada o sin hijos.

Para Olvidar: te queda la impresión de que el relato en ocasiones es muy caótico y desorganizado. La idea se entiende pero el tratamiento a veces es farragoso, el ritmo a veces es frenético y otras veces es lento, hay saltos que no se entienden, etc...

Entrevista con la protagonista Paula Schargorodsky antes del estreno de la película en Documenta Madrid 2016.



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Without a Clue

UK (1988)

La archiconocida pareja formada por el detective Sherlock Holmes y el médico venido a menos, John Watson, acaban de resolver otro enmarañado caso. El talento del detective parece no tener límites ¿pero cual es el secreto de tamaña inteligencia? Parece ser que todo se esconde de puertas para dentro. Y es que en la casa de los investigadores la realidad es muy diferente. Holmes esta todo el día bebiendo, fingiendo que toca el violín y esperando que caiga la noche para pasarla en la cama de cualquier mujer de malvivir. El 'responsable' de esta situación es el bueno de Watson, cuya timidez y falta de personalidad le ha hecho contratar a un 'actor' para que protagonice en primera persona las andanzas del detective creado por su privilegiada mente. La realidad superó a la ficción y ahora el negocio detectivesco le esta proporcionando pingües beneficios. Beneficios que por otro lado esta dilapidando Sherlock gracias su vida díscola. El doctor, harto de los desdenes del protagonista, decide prescindir de sus servicios, obviamente sin revelar su pequeña 'travesura'. La nueva formula con el cerebro de Holmes, pero sin su cara, no parece funcionar y el médico deberá readmitir al tunante artista para intentar resolver un asunto que puede afectar a la corona. Ahora es el momento de la verdad y ambos deberán luchar contra los elementos, contra el terrible Moriarty y, sobretodo, contra las meteduras de pata de Sherlock Holmes, una farsa que se convirtió en leyenda.

Hoy en piniculas tenemos una inteligente comedia que se podría encajar dentro del género detectivesco. Una obra que no puede faltar en la filmografía de los fanáticos de Sherlock, entre los que por supuesto me incluyo. Si en “La vida privada de Sherlock Holmes”, Wilder no mostraba el lado más intimo del sabueso, en Sin pistas, Eberhardt desenmascara al investigador y cuenta toda la verdad de uno de los engaños más grandes de la literatura. Gran idea y nueva vuelta de tuerca a un sub-género que parece inagotable. Un Holmes que en diferentes campos artísticos ha sido gay, un fraude, ha viajado al futuro, al pasado, ha conocido a Jack el Destripador e incluso ha peleado contra ¡zombies! Todo vale para el genio que siempre lleva sombrero con orejeras (o no). En este caso la trepidante comedia planteada por el director ofrece al espectador algo más que una curiosa idea. Estamos ante un film de humor con tintes de suspense y de aventura clásica, al más puro estilo de Blake Edwards. La trama se ve reforzada por la interpretación de dos monstruos como son unos jovencísimos Ben Kingsley y Michael Caine en una faceta en la que poco se han prodigado en su dilatada carrera. Por lo demás, no hay que buscar más complejidad en una historia sin puntos de reflexión. Esta es una pieza para entretener al espectador inteligente que no quiere ver la misma basura de siempre.

Nota: 8

Para recordar: La escena del perro; delirante.
Para olvidar: El abuso de algunos tópicos.


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La isla de Giovanni

Japón (2014)

Producción de animación dirigida por Mizuho Nishikubo, distinción especial del jurado en el Festival de Annecy. Como resultado de la invasión del ejército rojo tras derrotar al ejército nipón, la pequeña isla de Shikotan quedó unida a la de Sajalin Oblast. La vida de sus habitantes iba a cambiar por completo y los rusos se instalaron en la isla. Giovanni (en realidad Junpei) y su hermano pequeño Campanella (en realidad Kanta, que manía con occidentalizar hasta los nombres) viven al principio ajenos a esta situación, solo quieren jugar con los trenes y ser felices. Pero en cuanto la invasión se hace efectiva, los cambios también van a venir para ellos. Su casa es expropiada y ahora vivirán en el cobertizo junto a su padre, su tío y los animales. En la escuela, la mejor aula será para los niños rusos y tendrán que aprender el nuevo idioma y adaptarse a un nuevo temario. Lo que en principio parece ser un desastre para todos, para Giovanni y Campanella es la oportunidad de hacer una nueva amiga, Tania, una chica rubia rusa de la edad de Giovanni algo tímida pero muy buena. Esta amistad no es conveniente para nuestro protagonista, su padre y su tío están aun luchando en la resistencia y si Tania ve o escucha algo sobre los planes de los habitantes de la isla, podría poner muchas vidas en peligro si ella hablase con su padre que es oficial ruso. En una de las emboscadas del padre de Giovanni él cae preso. El tío, la maestra y los dos hermanos se ven obligados a huir para que no les apresen también, empieza un largo viaje donde pasarán muchas penurias, mucho frío y donde Giovanni se hará adulto. A lo mejor ya no puede volver nunca más a su pequeña isla.

Preciosa película de animación algo sentimental y cursi pero que engancha desde el principio, además al ser una historia basada en hechos reales hace que te impliques un poco más. Con una mezcla de cruda realidad y la mente fantasiosa de los dos hermanos japoneses se crea una perfecta mezcla de como en una tragedia también existen cosas buenas. Podría haber sido tranquilamente una película con actores de carne y hueso para un drama de época, he aquí la originalidad, que lo hacen con dibujos animados y es para todos los públicos, es entretenida tanto para mayores como para los niños. En cuanto a que sea un poco cursi no le concedo importancia, ya que, lo que de verdad importa es que emocione y a en mi caso me emocionó, como puede ser que me entristezcan tantos las penurias de estos simpáticos hermanos japoneses que no son más que unos trazos de animación. También destacar que para hacer buen cine anime en Japón no hace falta ni lolitas, ni criaturas mágicas de otros mundos ni efectos visuales espectaculares. Con una buena banda sonora, basado en hechos reales y con un buen guión logras una producción muy recomendable que entretiene, enseña y que te hace sufrir un poco, es un gran drama el final que no quiero desvelar.

Para Recordar: esta historia está basada en hechos reales, todo un ejemplo de intento de convivencia entre niños de dos lugares diferentes que su inocencia y pureza hace que se salten las barreras de la incomprensión adulta a pesar de las terribles consecuencias que trae la posguerra.

Para Olvidar: es una historia muy triste, Giovanni y su hermano pequeño Kanta lo pasan realmente mal, aun siendo dibujos animados sufres por ellos, es como si fueran reales y es que en realidad estos hechos ocurrieron.



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Cien años de perdón

Spain (2016)

En un día especialmente lluvioso, un grupo de encapuchados irrumpe violentamente en un banco español, de esos que han empezado a hacer reducción de personal. El cabecilla del grupo, que parece bastante preparado, comienza a dar ordenes con acento sudamericano, probablemente argentino. Siguiendo los cánones de todo buen atraco, atan a los rehenes y empiezan a vaciar las cajas de seguridad. Pero parece que no todo está cumpliendo el cauce habitual. Parte de los ladrones esta haciendo un agujero en el suelo para enlazar con las alcantarillas; otra parte vigila a los clientes del banco y les han dejado que llamen a sus familias para decir que están bien. Esto claramente alertará a la policía sobre la situación, cosa que no inquieta a los asaltantes. Parece que tienen un plan B mejor que el A. Pero no habían contado con la lluvia torrencial ni con con que el motivo principal del atraco no es el dinero. Alguien no ha dicho toda la verdad y aparentemente, el verdadero 'tesoro' es un objeto escondido en una de las cajas. Las altas esferas andan detrás de 'eso' y no van a permitir que nada salga mal aunque para ello tengan que abortar la operación de cualquier manera. La cosa se pone fea pero el Gallego y compañía no se van a rendir fácilmente. Solamente hay que cambiar las prioridades y deberán robarle a un ladrón, cosa, que como todo el mundo sabe, tiene cien años de perdón.

El amigo Calparsoro se adentra de nuevo en su genero preferido, el thriller de accion. Esta vez acompañado del prolífico Jorge Guerricaechevarría (El día de la bestia, Celda 211), intenta dar un giro a la típica película de atracos para crear una obra algo compleja, con intriga, humor negro y denuncia politico-social. Quizás objetivos algo ambiciosos para un realizador visceral como lo es Calparsoro. Durante la primer media hora, la historia nos atrapa y nos invita a disfrutar con buen cine de suspense estilo patrio aunque con pinceladas yankis. Algo que no incomoda y que nos hace rápidamente ser participes de la situación. La cosa empeora cuando el pastel se descubre y comienza una especie de alocada carrera contra reloj para salir de banco a cualquier precio. La veracidad se pierde, la limitación de exteriores hace pesada la trama y la mezcla de conspiraciones nos hará perder la perspectiva de lo que de verdad importa: los atracadores y su plan. Un plan que tienen un trasfondo político pero que realmente poco tiene de idealista y de social, porque lo que al final importa es lo de siempre: la pasta. Nadie es Robin Hood y ninguno de los delincuentes quiere librarnos de la opresión bancaria. Solo quieren su parte y vivir su vida lo mejor posible, independientemente de que el pueblo español este ahogado por la crisis y sus gobernantes. Este innecesario paréntesis para identificar quien maneja los hilos, afortunadamente termina cuando el film se acerca al desenlace. Un desenlace que de nuevo nos atrapará y nos dejará con un buen sabor de boca, aunque con la inevitable sensación de que se podía haber sacado mucho más de este interesante largometraje.

Nota: 7.2

Para recordar: La puesta en escena, frenética y elegante.
Para olvidar: Los flirteos con el cine de acción.


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Requisitos para ser una persona normal

España (2015)

Producción dirigida por Leticia Dolera, ganadora en el Festival de Málaga a mejor guión novel, fotografía y montaje. María de las Montañas es una chica de 30 años que no le sonríe la vida, después de su etapa universitaria y viajar por Europa ahora no tiene trabajo, le han echado de su piso, no tiene pareja y está muy distanciada de su madre (Bárbara). A pesar de ello no le queda otro remedio que volver a la casa familiar con Bárbara y su hermano Álex que con él sí que se lleva bastante bien. En una de las múltiples entrevistas de trabajo a las que se presenta nuestra protagonista, le preguntan que tipo de persona es, ella se define como una persona "normal" pero cuando analiza el término comprueba que no tiene nada de convencional. Es por ello que intenta encontrar ese camino hacia la normalidad y para conseguirlo topa accidentalmente con Borja, un chico entrado en carnes, bastante asocial y que quiere aprender sueco para trabajar en el Ikea de Suecia, ya que, allí se cobra mucho más que en el de aquí. Ambos hacen un pacto, Borja ayudará a María de las Montañas a ser una persona normal y ella ayudará a Borja a adelgazar. Para conseguir sus objetivos, ella encontrará un trabajo como anuncio de galletas, se pondrá en contacto con su antigua compañera de instituto Cristina Pi, una mujer que sí cumple esos requisitos de persona normal, está casada, con un hijo y trabajo. Para encontrar pareja, su amiga Cristina Pi le pondrá en contacto con Gustavo, un triunfador que sabe mucho de gin tonics. Para que Borja consiga sus objetivos, María de las Montañas le pondrá una estricta dieta con mucha zanahoria como si fuera un conejo y mucho ejercicio físico. Borja y María se llevan estupendamente porque ellos no son personas normales, pronto se hacen amigos y aunque persiguen integrarse socialmente, solo están cómodos cuando están a solas y realizando sus aficiones, así es como son felices. ¿Podrán luchar contra su propia naturaleza y ser personas normales?

Ópera prima de la actriz Leticia Dolera, que con un estilo muy Miranda July o de cine independiente americano, construye una comedia romántica bastante previsible pero muy fresca y con algún trazo para la reflexión. Es una película de un género que no es de mis gustos favoritos y logro recordar bastante bien todo lo que pasa, eso quiere decir que tiene un buen guión, que entretiene y que los actores hacen muy bien su trabajo, tanto los protagonistas, la propia Dolera y Manuel Burque, como los secundarios, que tienen unos papeles muy bien definidos para retratar muchos tipos de personas que podrían estar en nuestras propias vidas, la amiga que parece una triunfadora en la vida pero que en la realidad está vacía, el amiguete pijo follable que luego nunca lo tendrías como pareja, la madre que no para de aconsejarte para que hagas algo con tu vida, etc... Se nota una gran sintonia entre la pareja protagonista, creo que seguro que se llevan muy bien en la vida real. Un buen trabajo que siendo el primero como directora hace que en el futuro se esperen grandes cosas dirigidas por Leticia. Por mi parte la recomiendo, el cine también es entretenimiento y si este tiene algo para la reflexión es bienvenido a esta humilde bitácora, parece que hacer comedia es algo menor, pero es muy difícil hacerla bien.

Para Recordar: que lo que la sociedad te dicta por normal es lo que casi nunca te va a hacer feliz, la moraleja es que uno tiene que seguir su camino por muy bicho raro que pueda ser, la coherencia otorga dignidad.

Para Olvidar: es bastante previsible y a veces un poco básica y ligera, aún así tiene algo de sustancia que no suelen tener las comedias románticas de su género.



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Piedras en los bolsillos

Letonia (2014)

Producción dirigida por Signe Baumane, mención especial del jurado en el festival checo de Karlovy Vary. Durante cinco generaciones de mujeres de la familia Baumane (la familia de la directora de la cinta) se han producido casos de depresión e incluso suicidios. Nuestra protagonista cuenta al principio la historia de como estas mujeres cayeron en ese estado mental tan oscuro debido a sus tragedias en sus vidas, sobre todo cuando los nazis invadieron Letonia y su abuela fue abandonada por su marido y con dos hijos. Pero no siempre ha habido guerras o catástrofes de tanta magnitud para que se repita el fenómeno de la depresión en esta familia, hay algo genético que también afecta a nuestra protagonista y quiere indagar el por qué de este patrón que se repite. Todos los testimonios son autobiográficos y contados mediante dibujos animados, no a la manera Disney o Pixar, sino mucho más sobrio, es en el guión y en los monólogos donde reside la fuerza de este largometraje. Una catarsis mental para averiguar a través del pasado que se puede resolver para en el futuro salir del pozo de la depresión.

Signe Baumane, directora letona residente en Nueva York, realiza su primer largometraje que una joya del cine de animación independiente sobre su propia historia y la de sus antepasados. Ella misma sufre depresión y quiere explicar sus mecanismos mentales para haber llegado a esta situación, nada mejor que mirar hacia el pasado y ver que distintas mujeres de su familia también la han sufrido, con un ácido humor negro afronta la situación y seguro que realizar este film le ha dado fuerzas para intentar superar su estado mental y tener más normalidad en su vida. Sorprende el tono de la película porque es positivo cuando lo que se le está contando a uno es una gran tragedia que a cualquiera le pondría triste y deprimido. Quizás adolece de cambios de ritmos muy bruscos lo que hace que la película tenga picos de alta intensidad como cuando los nazis invaden Letonia o el final del relato y otros puntos más monótonos donde se pierde un poco el hilo. Una película curiosa y digna para este blog, donde los aciertos son muchos más que los defectos y que por eso recomiendo, visionar una película de dibujos animados y que trate sobre la depresión me causó una gran sorpresa, no es una temática nada habitual en este género.

Para Recordar: a pesar de ser una historia triste deja un poso de optimismo y resulta hasta terapéutica. Seguro que a la directora le ha servido para reflexionar y conocer mejor la historia de sus antepasados.

Para Olvidar: Que cinco mujeres de tu familia se vean abocadas a la depresión e incluso al suicidio es muy triste.



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La sal de la Tierra

Francia (2014)

Producción dirigida por Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado, ganadora de la sección 'A certain regard' del Festival de Cannes. Documental que rinde homenaje a los 40 años como fotógrafo de uno de los grandes, Sebastião Salgado, de hecho uno de los directores de esta producción es su propio hijo Juliano Ribeiro y Wim Wenders además de director de cine, también es fotógrafo. Nuestro protagonista brasileño se ha embarcado en múltiples expediciones para fotografiar los rincones más bellos de la naturaleza como también conflictos bélicos. Como bien recuerda en el film, las personas son la sal de la Tierra, esa sal que hiere a la naturaleza para incluso transformarla, desde Vietnam, pasando por la antigua Yugoslavia o Ruanda, Salgado nos muestra la violencia que puede causar el ser humano por las guerras. En otras ocasiones ese ser humano no está en el lugar o está en pequeñas tribus, es ahí donde la naturaleza se muestra en todo su esplendor, los animales y tribus también son violentos pero para sobrevivir, lo que les hace tener una cierta dignidad frente a los demás hombres del supuesto "mundo desarrollado". También se hace un leve repaso por la vida tanto personal como profesional de Sebastião, un hombre que nunca podría haber conseguido lo que ha hecho sin tener a su esposa, leal y fiel siempre ha comprendido la profesión de su marido y sus largas ausencias. Tuvieron que lidiar con un hijo con síndrome de Down y siempre han sido un matrimonio muy compenetrado. Salgado, a través de sus distintas series fotográficas se ha ido reinventando constantemente, siendo un fotógrafo único en su profesión y muy admirable.

Este documental podría haber sido un ejercicio de intelectuales diciéndose a sí mismos que grandes somos y los demás no nos comprenden, una especie de paja mental. Pero no es así y es raro viniendo de los últimos tiempos de Wenders donde a veces no hay por donde cogerlo. A través de algo de poesía y mucho de sentido común de las palabras de Sebastião Salgado inferimos que es una persona honesta y seria, además de un artista con gran talento. Esa suma hace que sea un grande, porque ya puedes ser el mejor fotógrafo del mundo, que si no eres una persona que tratas a los demás con respeto y admiración, tu visión del mundo no sirve para nada. Por eso puede construir esas series fotográficas tan impactantes y realizar un documental en defensa del medio ambiente en sentido positivo, hay esperanza porque los hombres que hemos hecho este daño, todavía estamos a tiempo de revertirlo y poder dejar un mundo mejor a las futuras generaciones. Además, mostrando el horror en imágenes en sus series de la guerra, podemos examinarnos y no cometer los mismos errores en el futuro. Un documental imprescindible, duro pero también bello que me ha hecho descubrir no solo un gran fotógrafo, sino también un gran ser humano. Muy recomendable obviamente para los amantes a la fotografía.

Para Recordar: la belleza de los paisajes que Sebastião Salgado muestra en sus fotos en contrapunto con la aridez y la crueldad del ser humano. Hace reflexionar sobre las barbaridades que cometemos.

Para Olvidar: hay fotos realmente duras, que te quedas espeluznado, esa torre de Babel de personas muertas en Ruanda es una imagen mental que nunca podré borrar de mi mente.



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