La Virgen de los Sicarios

Producción colombiana dirigida en el año 99 por Barbet Schroeder y guión de Fernando Vallejo ya que es una película basada en uno de sus libros. A la ciudad de Medellín después de 30 años de ausencia Vallejo regresa por allí, es un gramático colombiano que vuelve a su ciudad natal que es bastante diferente y muy parecida a la que dejó él. En una fiesta conoce a Alexis, uno de los jóvenes sicarios que mantienen los carteles de Medellín, enseguida se hacen amantes y Alexis se traslada a vivir a la vacía casa de Vallejo. Él hace todo lo que puede por que Alexis sobreviva pero Medellín y Vallejo son algo muy díficil de llevar, tras la desaparición de Alexis curiosamente el siguiente niño amante de Vallejo (La Laguna Azul) es el verdugo de su primer niño. Vallejo no toma venganza porque ya será Medellín y su violencia quien deje al otro muchacho fuera de combate.

La Virgen de los Sicarios es un relato donde se nos muestra una parte nada agradable de Latinoamérica pero sin ningún convencionalismo, trata una Colombia a la que Vallejo odia y que existe en la realidad, el tratamiento es muy literario y poético como era de suponer tratándose de que el guión lo redacta el propio escritor de la novela y que el personaje principal es como extensión de él. Se podría decir como han definido muchas veces a John Ford, Fernando Vallejo es un poeta que nunca te hablará de poesía pero que sus imágenes, gestos y locuciones tienen una gran carga poética. En el film tras una tormenta tropical que a Fernando le pilla en una colina a las afueras de la ciudad se ven que los ríos de agua se convierten en ríos de sangre de todos esos jóvenes sicarios muertos y es una de las imágenes que más me ha impactado en estos últimos meses. Como debajo de las iglesias que tanto arte guardan debajo están las criptas esperando a todos esos muchachos.



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Algo de la biografía de este interesante escritor



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Dog Day Afternoon (Tarde de perros)

Producción americana dirigida en el año 75 por Sidney Lumet, ganadora de un Óscar al mejor guión original ese mismo año, la película está basada en hechos reales. Tres raterillos de Nueva York se disponen a atracar una sucursal de un banco en Brooklyn, lo que iba a ser un simple atraco de 10 minutos se convierte en un show televisivo. El primero de ellos abandona de atracar la sucursal nada más entrar al banco, el segundo es una persona psiquicamente débil que en cualquier momento se puede poner a matar los rehenes que tienen en el banco y el tercero es un tipo que con su liderazgo quiere conseguir una vida propia junto a su pareja homosexual. Tras una serie de errores debido a su inexperiencia robando bancos se forma un jaleo de enormes dimensiones, con polícias, televisiones, prensa y hasta fans de los propios atracadores.

Esta película me recordó mucho a la protagonizada por Robert Redford que se llama 'La jauría humana', aquí Lumet hace un retrato de las miserias humanas y como un simple atraco se convierte en un espectáculo donde no se saben quienes son realmente los buenos o los malos porque en realidad todos tenemos aspectos negativos y virtudes positivas. El personaje interpretado por Al Pacino es inmenso, todo un manual de excelente interpretación ya que un año antes de esta producción había protagonizado el hierático Padrino de Coppola, aquí se ve a una persona que siendo resolutiva, duda y es humana. Su compañero en el atraco es John Cazale que también un año antes en el Padrino había hecho de hermano de Pacino (Fredo Corleone). A destacar el papel de los secundarios muy bien caracterizados, las empleadas del banco, el director, la polícia, los cámaras de televisión y el público detrás de las vallas observando el desenlace que le espera a Pacino y Cazale en el aeropuerto JFK. Me encantan las películas que acaban en un aeropuerto, sobre todo si el avión que tenía que salir no despega como es en este caso.



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Grizzly Man

Producción americana del año 2005 dirigida por el alemán Werner Herzog, documental sobre Timothy Treadwell que con las imagenes que rodó, Herzog construye el relato sobre la vida de este personaje en el laberinto de los grizzlies. Durante 13 años Timothy Treadwell estuvó en las llanuras de Alaska conviviendo con la naturaleza salvaje de estos osos y en los últimos cuatro años de su experiencia rodó unas 100 horas de cámara en convivencia con estos osos. El final de Timothy junto a su novia Annie se convirtió en tragedia al ser devorados por unos de estos osos a los que Timothy consideraba sus amigos.

Un documental muy interesante por el prisma que Herzog utiliza, en contraposición al pirado de Treadwell Herzog reflexiona que la naturaleza es caos, muerte y asesinato. En lo que Timothy veía en un oso con su mirada era aprecio y amistad por parte de estos seres, sin embargo Herzog no ve más allá de que es un animal que quiere cumplir sus funciones biológicas de alimentación y reproducción. De todas maneras Herzog no se ceba con el personaje de Timothy para dejarlo en ridículo y más bien homenajea con lo poco bueno que tiene este personaje que es un desequilibrado que no puede convivir en la civilización y se siente más a gusto rodeado de estos animales salvajes que como una tenebrosa metáfora son igualmente de depredadores que los seres humanos con los que Treadwell no podía convivir. Por parte de la crítica fue unánime el reconocimiento de este documental como el mejor del año 2005. Una de las sorpresas de ese año.



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Infernal Affairs II

A finales del siglo XX, las cosas en China estaban cambiando. No tan solo porque Hong Kong dejará de ser colonia inglesa, si no porque el dinero empezaba a pudrir las almas de los orientales. Las mafias de la capital luchaban por hacerse fuertes, mientras la policía recurría a cualquier método con tal de vencer al crimen organizado. La corrupción esta al orden del día, mientras los delincuentes, es esfuerzan por sobrevivir. La delgada línea del bien y del mal, no se vislumbra fácilmente. Una de las formas elegidas para combatirse mutuamente, es la incursión de topos. Así, el Superintendente de la policía, recluta a un familiar del capo principal, para que le haga de informador; a su vez, la mafia infiltra a su mejor hombre para que espíe en los cuerpos de seguridad. Estos personajes, ahora secundarios, serán los protagonistas de una batalla similar, en el futuro. Aunque el presente es lo importante y la cruenta muerte del padre del capo, a manos de un sicario policial, desatará una dura guerra en la que los malos están en los dos bandos.

Esta precuela de la exitosa Infernal Affairs, hace bueno el dicho de que la excepción confirma la regla. Mucho más seria y creíble que su antecesora, IA2 nos muestra la dureza del crimen chino en su más bastardo significado. Traición en ambos bandos, sentimientos enfrentados, menos despliegues futuristas y una historia más madura, nos hacen disfrutar al máximo con este thriller policiaco mezcla de cine negro y acción. Genial la manera de hilar la trama de la primera entrega, con unos jóvenes protagonistas, que, ansiosos de demostrar su valía, no dudan en darlo todo, desde su humilde plano secundario. En definitiva, una inmejorable forma de llenar los huecos que dejó al descubierto Infernal Affairs, y un aliciente para ver la última parte de la triología.

Nota: 8

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El ataque de los tomates asesinos

En una desconocida ciudad americana, un curioso hecho ha tenido lugar. Un ama de casa ha sido asesinada por un desconocido. Lo que en principio parece un crimen vulgar, se torna en una acción crítica al detectar que hay jugo de tomate en la escena del crimen. Y es que, poco a poco esta tipología de criminalidad se va extendiendo por todo el país. Parece ser, que los tomates han logrado cobrar vida y se han revelado contra los humanos. Cada vez son más numerosos y fuertes. Un grupo de aguerridos voluntarios, se encargara de dirigir una resistencia hacia tan odiosos vegetales. Una épica resistencia que culminará con una gloriosa victoria.

De nuevo en el blog, una película de serie B (por no decir F), que es tomada como cabecera en el mundo Freak. Con muy pocos medios y un gran sentido del humor, el director nos muestra como el cutre-cine, puede traspasar las fronteras de lo doméstico. Recomendada como estudio del cine amateur, y quizás como reflexión social, pero desde luego, no es un ejemplo de la calidad en el séptimo arte.

Nota: 5,3


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Midnight Cowboy (Cowboy de medianoche)

Producción americana del año 69 dirigida por John Schlesinger, ganadora de 3 Óscar entre ellos a mejor película, director y guión adaptado. Joe Buck se gana la vida en un restaurante de mala muerte en Texas de lavaplatos y decide cambiar de rumbo de vida marchándose a New York para convertirse en gigoló y vivir de las ricas y elegantes newyorkinas. Una vez en la ciudad la realidad se impone y Joe no puede sobrevivir en la jungla que es esa metropoli, conoce a un raterillo del Bronx que se llama Rico "Ratso" Rizzo, un estafador de poca monta que una vez que engaña a Joe luego comparten juntos su miseria hasta el final de los días de "Ratso" en un último viaje hasta Miami.

Esta producción cosechó un gran éxito tanto por parte de la crítica como por parte del gran público en general y es debido a que es una película bastante accesible porque tiene su parte de entretenimiento y contiene grandes reflexiones que pueden dar lugar a interesantes conclusiones, como Schlesinger destroza el sueño americano de cualquier ciudadano que se deja hipnotizar por los neones de Nueva York, la lucha por la supervivencia de personas que se corrompen en su bondad para poder continuar un día más con vida en la gran urbe, el desfase de principios de los 70's en fiestas de índole hippie llenas de drogas, música y chicas. En definitiva una buena película donde podemos destacar la buena música que hay en ella y el duo protagonista de esta producción, Jon Voight como el paleto texano que se iba a comer el mundo y Dustin Hoffman como el raterillo del Bronx aquejado de enfermedades que ya nació perdedor.



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Fat City, ciudad dorada

Producción americana del año 72 dirigida por John Huston, Tully es un granjero alcohólico que fue un gran boxeador, un campeón que en el combate trascendental de su carrera es abandonado por su maestro, ahora intenta volver al boxeo pero la bebida y su amante Oma que si cabe es mucho más alcohólica que él y mucho más histérica le hacen una vida muy complicada. En un gimnasio conoce a un joven granjero que le ve maneras de campeón y se lo lleva a su maestro, el joven discípulo de Tully no va a resultar un boxeador completo a pesar de su buena técnica pugilística y opta por llevar una vida mucho más organizada que Tully.

Con un gran reparto actoral Huston construye un drama muy interesante, como he leído por ahí en una crítica sobre este film se trata de unos personajes que son derrotados que no perdedores, hombres que luchan contra el miserable destino que les aguarda en sus vidas aunque saben que van a perder, el caso de Tully es el más duro y a la vez enternecedor, un hombre que es el mejor pero por circunstancias ajenas a su persona ha acabado con una neurótica alcohólica y trabajando de sol a sol de peón en las granjas de EEUU. Recomiendo la película únicamente por visionar la escena final donde Tully le dice a un jovencísimo Jeff Brigdes en un escena inolvidable que no tiene lo que hay que tener para ser un verdadero boxeador, que solo es una mediania como boxeador porque le falta el valor que tienen los grandes boxeadores como antes el lo fue, Brigdes acepta su derrota y toman su café como dos buenos amigos que es lo que son a partir de verse la primera vez en el gimnasio.



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De nens (De niños)

Documental catalán dirigido en el año 2004 por Joaquin Jordá, un metraje de casi tres horas que sirve como homenaje antes de la muerte de este genial director de documentales. En el año 97 en plena efervescencia del caso de pederestia del club Arny en Sevilla es detenido en Barcelona Xavier Tamarit, principal acusado y miembro importante de la asociación vecinal la Taula del Raval. A Tamarit se le acusa de ser la cabeza de la mayor red internacional de pederestas. Su ayudante Jaume Lli también es sentado en el banquillo de los acusados junto a Antonio Durán, Nuria Martín y Josefa Guijarro, padres de algunos niños víctimas de Tamarit que utilizaban a sus hijos.

Reconozco que esta es la crítica que más me he costado pensar y escribirla porque trata lo que en esta sociedad es un crímen para todo el mundo, el abuso de un niño. Jordá durante las tres horas nos muestra el juicio y se ve claramente que Tamarit reconoce su amor a los niños pero no lo manifiesta con pederestia sino que tiene otro síndrome que es la paidofilia. Pero todo ante mano estaba escrito ya que en juego había intereses inmobiliarios y con Tamarit de cabeza de turco la asociación de vecinos en contra de la limpieza del Raval sería eliminada imponiéndose la asociación pro-Ayuntamiento que quería la reconstrucción de este mítico barrio barcelonés. Se pueden destacar muchas cosas de este documental, yo indico algunas para quien le interese su visionado. La declaración del escritor Arcadi Espada es muy importante porque razona la enfermedad que padece Tamarit y que se podría haber tomado más en serio. También hay un espectacular relato de Jordá a unos alumnos de teatro sobre como pudiera ser que el mismo sufriera en su infancia abusos de un cura pero que él únicamente recuerda que al cura lo echaron y que nunca se sintió incómodo con él. Por último destacar la música compuesta por Albert Plá, es la manera de denuncia que Jordá utilizaba a través de los susurros de Plá para rechazar las teorías y la poca objetividad que hubo en el trato de la justicia, prensa y medios de comunicación en general sobre este caso. Estamos ante una joya del género documental y un homenaje póstumo de este monstruo del cine español.



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Entrevista con Joaquim Jordá (muy recomendable)



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Peggy Sue se caso

Peggy Sue, una cuarentona de clase media, vive una triste existencia allá por la decada de los 80. Su novio de toda la vida (Charlie Bodell), ahora su exmarido, le puso los cuernos con una secretaria. Peggy solo tiena a sus hijos. Para expansionarse un poco, decide ir a la reunión anual de alumnos del instituto. No es muy agradable ver como todos fardan de lo bien que le van las cosas, pero bueno es una oportunidad de hacer algo diferente. Lo malo es que seguro que coincide con Charlie y eso no es plato de buen gusto. Pero es lo que hay. Esas fiestas traen muchos recuerdos, sobre todo cuando la juventud es el mejor periodo de una vida; por eso, Peggy Sue, sufre un shock que le hace caer al suelo sin sentido. Cuando despierta algo raro ha pasado… ¡esta en 1963 en casa de sus padres! Para ser un sueño es demasiado real. Convencida de que su suerte ha cambiado, decide solucionar todos los errores del pasado. Lo primero será mandar a tomar por culo a Charlie; lo segundo, relacionarse más con los futuros trinfuadores; tercero, disfrutar de su familia. Todo funciona según lo planeado, hasta que el amor se cruza en su camino y le impide concretar todos sus planes…

Atípica pelicula de Coppola, que tuvo una dispar acogida en 1986. Estuvo nominada a los Oscar y obtuvo varios premios. En lo que parece una comedia de amor, tenemos un transfondo mucho mas filosófico. Por regla general, cuando se trata el tema del viaje en el tiempo, el protagonista teme hacer algo que perturbe el futuro; en este caso es justo al revés: Peggy quiere acabar con su forma de vida posterior. No le importan las consecuencias ni lo que le pueda ocurrir. Sin embargo, el destino parece ser implacable, y por muchas ganas que Peggy Sue ponga en su ‘empresa’, no consigue alterar la realidad. Una historia con más miga de lo que parece, muy entretenida y vistosa para los que gusten de America en los años 60. Una grata sorpresa, que encuadro dentro de los grandes aciertos de este maestro de la cinematografía.

Nota: 8,1


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El mensajero del miedo

Un veterano de la guerra de Corea regresa a su patria americana, en olor de multitudes. Raymond Shaw, recibira la cruz del congreso debido a su valor en el campo de batalla. Salvó a un escuadrón de 9 hombres y fue un azote para el enemigo. Raymond, es hijo de una ambiciosa mujer de clase media que se ha unido en matrimonio con un rico senador Yanki. El exsoldado odia a su madre y muchísimo más a su alcohólico marido. Sin embargo, Iselin (que es como se llama el personaje materno, encarnado por la eminente Angela Lansbury) acoge muy bien al nuevo héroe, más aún cuando este le aporta una suculenta publicidad gratuita. Es época de elecciones y el senador esta muy bien posicionado. Todo parece funcionar a la perfección, a no ser por las truculentas pesadillas que sufren algunos supervivientes del batallón de Raymond; sueños en los que el soldado mataba sin compasión a varios miembros del ejército. El sargento Marco (F. Sinatra) quiere llegar al fondo de este problema e investiga todo lo ocurrido en Asia. Será tomado por enfermo y retirado del ejército, aunque poco después será el encargado de dirigir una curiosa investigación para aclarar el pasado de Raymon Shaw.

Sensacional película (a la cual le han puesto este absurdo título, cuando el original sería algo así como El Candidato Manchurio) que podemos encuadrar en el subgénero de cine negro de suspense. Con un contundente trasfondo político, se retrata a al sociedad democrática norteamericana, desde el punto de vista de sus supersticiones más hipócritas. La llamada caza de brujas anti-comunista solo es una treta política más. Mientras, en la trama principal, nos sumergimos en la mente de un ciudadano modélico repleto de traumas. En tensión hasta el final, el drama realista que recubre la historia, quizás deje insatisfecho a los amantes de este género, dado que la base es algo más fantástica. Aunque dudo mucho, que los seguidores del buen cine pongan pegas a esta impecable obra, situada la 82 en el top de IMDB.

Nota: 8,7


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Gegen Die Wand (Contra la pared)

Producción turco-alemana dirigida en el año 2004 por Fatih Akin, ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlin y premio a la mejor película europea. Cahit es un turco emigrante en Hamburgo, tiene 40 años y su soledad a causa de su viudedad le hace cometer un intento de suicidio, en la planta psiquiátrica donde está recluido tras su intentona fallida conoce a Sibel, una joven turco-alemana que también está allí por idénticos motivos. Sibel es una muchacha donde su carácter y personalidad no casan en absoluto con ser una buena musulmana tal como quiere su padre, su única salida es casarse con Cahit para así con un matrimonio de apariencias pueda hacer lo que su voluntad le dicte. Tras el matrimonio aparecen otros problemas y tanto Cahit como Sibel tendrán que pasar su particular infierno y tomar decisiones que les una para siempre o que jamás vuelvan a verse.

El relato que nos propone Fatih Akin es duro y desagradable, muy crudo pero que te conmociona. Retrata una europa de inmigración en que las segundas generaciones de los que vienen chocan con las tradiciones del país de origen de sus padres. Pero no sólo se queda en eso que sería lo más sencillo, la película te llega y te remueve porque sus protagonistas son dos personas que quieren vivir haciendo una apuesta por la libertad, dos personas unidas por las circunstancias que se quieren pero que están completamente solas y que en el fondo saben que toda esta historia no acabará con un final de cuento de hadas pero aún así siguen hacía delante. Me gustaría también destacar de este film la gran banda sonora que la recomiendo, temas de Depeche Mode, The Birthday Party y música tradicional de Turquía, una delicia que hace que el relato sea muy recomendable y muy completo.



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Twin Peaks

Todo empieza (o acaba) en una tranquila localidad americana fronteriza con Canadá: Twin Peaks. Ciudad pequeña, centrada en la industria maderera y en el turismo. Como en todos los lados hay ricos y pobres; sin embargo aquí todo es más calmado. Los ciudadanos son buena gente y nunca han tenido problemas; el color ámbar del semáforo, que en muchos sitios es sinónimo de acelerar, allí significa frenar. Pero en lo que parece la cuna de la bondad se esconde un misterioso secreto. Sobrenatural, ancestral. Pocos lo conocen y muchos menos se atreven a pensar en ello. Una joven estudiante, ejemplar, Laura Palmer, esta yendo más allá: ha comenzado a flirtear con el peligro. El mal. Un juego repleto de vicio insano y locura descontrolada; es atrayente y adictivo. Involucra a todos los que se acercan; te lleva donde nadie de este mundo te puede llevar. De la lujuria al final. Un trágico final que pondrá fin a la vida de Laura y que dará comienzo a una de las investigaciones más escabrosas de la historia del crimen…

Volvemos a Twin Peaks justo cuando sacan a Laura Palmer del fondo del lago. ¡Un asesinato en el pueblo es algo nuevo y desconcertante! Sin embargo conforme vamos conociendo a los modosos ciudadanos, nos percatamos que todo el mundo tiene algo que esconder… Desde la esposa modelo que en un acto de adulterio engendro una hija bastarda, pasando por el noble cacique del pueblo inmerso en putas y drogas, el anegado padre de familia poseído por el mal, el truculento camionero que veja a su mujer, el promiscuo alcalde octogenario, la depresiva mujer que no duda en convertirse en lujuriosa cuando recupera la juventud, la inocente secretaria que no sabe quien es el padre del hijo que espera… Un sinfín de personajes con características propias y sumamente marcadas. Este hecho, dificultara enormemente la investigación del asesinato de Laura. El agente del FBI Cooper, será el encargado de tan ardua tarea. Cooper no es menos pintoresco que el resto de habitantes, ni mucho menos. Tiene visiones premonitorias y un destino marcado hacia la tragedia. Quizás por eso es el hombre ideal para este caso. Tras muchas pesquisas y caninos erróneos, descubrirá al asesino, por puro azar. Y es que pillar al que mato a Laura no es la finalidad por la que llegó a Twin Peaks; una trama más oscura y desquiciante le espera lejos, en el bosque. Una trama demasiado violenta incluso para Cooper, que luchara hasta el final, que para muchos podría ser el principio de la misma historia.


Aquí tenemos todo una gozada y un ejercicio de alto nivel dentro del mundo del séptimo arte. Por primera vez en el blog, analizamos una serie, que bien podría ser una larga película. De hecho, la primera parte del comentario pertenece a la precuela de la dicha serie y que se realizo en formato largometraje con el título: Fuego Camina Conmigo. Una obra maestra, pensada para verse después de visionar la serie. A una cuidada selección de los protagonistas (excepto uno, son los mismos que en la serie), se unen cameos como el del irreverente David Bowie, el de Chris Isaak o el del mismísimo Lynch (protagonista de algunos capítulos de la serie). Con un fin claramente comercial (aprovechando el inmenso éxito de la serie), Lynch consigue una película fiel a su inquietante estilo, dónde la censura de la televisión desaparece por completo. Escenas de sexo, topless, lesbianismo, etc. Dotan de más credibilidad la historia de la truculenta vida de Laura. Un film necesario para aclarar las muchas dudas que genera Twin Peaks, tratado con maestría, y que sigue dejando misteriosos dilemas sin resolver. Quizás dé la sensación de un desenlace forzado para los que hayamos visto primero la serie (cosa que recomiendo fervientemente). Pero es que la versión de la pequeña pantalla es una obra impecable. Desde la marcada personalidad de los personajes, pasando por la fotografía, música, sonido, puesta en escena, decorados… todo merece la máxima nota. Los capítulos dirigidos por diversos realizadores, le dan un toque de heterogeneidad que muchas veces desconcierta (aunque siempre manteniendo una elevada dosis de calidad). Algún episodio más flojo que otro, la segunda parte de la serie se hace más comercial… hasta que llega al cenit con un final conducido por Lynch; un último capítulo donde descubriremos el sentido real de toda la trama y donde veremos el ascenso y la caída de los maquiavélicos habitantes de esa pequeña ciudad llamada Twin Peaks.

Nota: 9,8


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Fuego en Castilla

Cortometraje español dirigido por José Val del Omar, segunda parte de la gran obra del maestro granadino que compone el Tríptico Elemental de España y cuya primera parte ya fue comentada que es la perteneciente al Aguaespejo Granadino. Siguiendo con la técnica de sonido diafónico Val del Omar nos muestra las tierras castellanas, la meseta, sus imágenes de santos y la relación con la muerte que en esas tierras se convierte como algo cotidiano pero a la vez sagrado.

Val de Omar prueba ya con elementos de notoriedad lo que en Aguaespejo Granadino fue un simple experimento y es su sistema de Tactil Visión, la técnica consiste en proyectar iluminación por impulsos sobre una imagen logrando que espectador tenga la sensación de que está tocando el elemento que se le está mostrando, para Fuego en Castilla utilizaba las imágenes santas del gran escultor Alonso Berruguete. En apenas 17 minutos Val del Omar nos da otra lección de surrealismo español para tratar el centro de la península ibérica.

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Aguaespejo Granadino

Cortometraje dirigido por el cineasta granadino Jose Val del Omar en el año 1944. Dentro del blog es un honor también tocar la parte del cortometrajismo y comentar a este raro cineasta que es Val del Omar, un hombre que hizo varios tratados, inventó aparatos imposibles y que tuvo su faceta de cineasta también. En el corto de aguaespejo granadino Val del Omar a través de su técnica de sonido diafónico, sus imágenes envolventes y el más puro surrealismo nos desvela los secretos del agua del Alhambra granaíno.

Son apenas 25 minutos de cortometraje donde las voces son poesía, soltando grandes sentencias como dar es más importante que recibir, matemáticas de dios. El sonido y la imagen del agua brotando de las fuentes del Alhambra te atrapa y le da un significado diferente a lo que estamos acostumbrados a ver cuando simplemente sale un chorro de agua por una fuente. Pasamos a ser como dice Val del Omar simples seres que en la tierra su razón no llega más allá de su sombra.

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Happy Accidents

El amor es uno de los misterios humanos más profundos. Sin embargo, para Ruby Weaver, ya no tiene secretos: ha decidido olvidar al género masculino. Ha prometido no volver a enamorarse jamás… lo que pasa es que es demasiado débil… y el chico que habla con ella en le parque es tan dulce… Se llama Sam y parece que sus destinos estan cruzados. De nuevo, Ruby se deja engatusar por el sexo opuesto y empieza a salir con Sam. Todo es perfecto, salvo por las excentricidades del muchacho; excentricidades que tienen su culminación cuando Sam le comenta que es un viajero del tiempo, que vio una foto suya en el futuro y decidió venir al pasado a conocerla. Eso es lo más romántico que le ha pasado a Ruby nunca, pero también es lo más imposible. Tiene que averiguar la verdad, y esta no se dejará desvelar hasta el curioso desenlace de la trama.

Brad Anderson, director de culto desde su ‘Maquinista’, nos ofrece un relato romántico lleno de reflexiones. Sobre todo a nivel pareja. Desde el punto de vista femenino, nos sumerge en el difícil terreno del amor. A veces sarcástica (como cuando Gretchen enumera sus novios), a veces tierna (como cuando Ruby se rinde a los brazos del Varón), a veces sorprendente (la alocada idea del viaje en el tiempo), no te deja ni un momento de pasividad. A medio camino entre la locura del protagonista y su extraño cinismo, descoloca el desenlace que se puede intuir pero nunca adivinarlo. La tierna actuación de Marisa Tomei, es otro de los puntos fuertes de este melodrama fantástico. Buen cine para minorías.

Nota: 8,1


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Infernal Affairs (Juego sucio)

Producción hongkonesa del año 2002 dirigida por Wai Keung Lau y Siu Fai Mak, thriller de gran éxito de taquilla y que posteriormente Martin Scorsese haría el remake llamándole "Infiltrados" y ganaría el Óscar al mejor director y película este año 2007. Chan y Lau son dos polícias que entraron en el cuerpo policial al mismo tiempo. Chan se especializó gracias a su jefe en ser un topo dentro de las organizaciones mafiosas hongkonesas, sólo sabe su verdadera identidad su maestro. Mientras tanto el inspector Lau es un brillante polícia experto en bandas mafiosas asiáticas. Ambos cruzarán sus caminos irremediablemente y está en juego algo más que una importante operación antimafia, está en juego la ética de dos hombres donde las apariencias una vez más son del todo engañosas.

"Infernal Affairs" tiene dos puntos que le hizo ser un gran éxito comercial y a la vez una buena película, el principal es el enrevesado guión que sólo te deja saber lo que ellos quieren, quizás es una manipulación al telespectador porque todo el rato se desvelan los datos en una gran madeja para que saques conclusiones equivocadas y así incluso una vez visionada la película sigas reflexionando sobre ella. El otro gran punto es la tensión que produce el film en las operaciones que realiza la policía detrás de los mafiosos, escenas muy logradas donde la tensión se refleja en las caras de los protagonistas y una música que hace que cierto estrés se produzca mientras estás sentado en el sillón, son seres humanos que están ante una situación que ponen en peligro sus vidas. En contra de esta producción podemos indicar que cierta moralina en el amor tanto de pareja como familiar dejan un tufillo que nada tiene que ver como el buen guión que se construyó para la historia. Supongo que esos ratos de moralina harían incrementar la taquilla porque ese tipo de historias gustan mucho en Asia.



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Adivina quien soy

En una tranquila ciudad levantina, una excéntrica niña vive con su madre. Según parece el padre murió años atrás, de manera sospechosa. La niña acostumbra a hablar con los protagonistas de sus películas de terror favoritas. Especialmente con uno al que llama ‘el vampiro’; su imaginación desbordada preocupa a sus tutores. Sobre todo, cuando estos personajes pasan de la ficción a la realidad, una realidad en forma de oscuro pasado. Una oleada de violencia ‘atrapara’ a la familia protagonista.

Otra nueva película para no dormir. Esta vez, más lejos de la calidad de sus antecesoras y más cerca de la serie B que rodea el género. A veces emocionante, a veces demasiado fantástica, el planteamiento inicial no se ve corresponde con el convencional desenlace que tiene lugar. Actores bastante malos, una puesta en escena mediocre y una banda sonora bastante buena, completan esta película para no dormir, metida de relleno.

Nota: 6


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El Laberinto del Fauno

La guerra civil ha concluido en España. Los fachas dominan casi toda la península. Pequeños grupos de insurrectos resisten en las montañas del norte. El despótico Capitán Vidal, es el encargado de acabar con esta revuelta. Un asesino descabellado, sin escrúpulos, que hará todo lo que esté en su mano para lograr su más anhelado sueño: tener un hijo varón. Tiempo atrás se había emparejado con una humilde dependienta viuda (Carmen), a la que “embarazó”; ahora la trae a su lado, en una aldea montañesa, para que de a luz mientras el combate a los pocos republicanos que aún luchan. Carmen, tienen una hija, Ofelia, que la acompaña a todas partes. Debido a la dureza del viaje, la madre esta a punto de abortar. Vidal la ordena cuidar con el único fin de que su futuro hijo no sufra daño alguno. Mientras, Ofelia, ajena a todo esto, empieza a tener extrañas visiones; un ancestral Fauno le habla de un lejano reino del que ella es princesa; para volver a él, debe superar tres pruebas. Entre la fantástica misión de Ofelia y la cruda realidad de los milicianos, hay un hilo tan sutil como el que existe entre la vida y la muerte. Sin saber donde la ficción deja de serlo, el desenlace de los acontecimientos será tan sobrecogedor como emotivo…

Reciente éxito de público y crítica para un film de producción española. Como escribiría el bueno de Pepe al que tanto le gustan los premios, este largo ha obtenido hasta la fecha 51 premios, entre los que destacan, como no, 3 Oscar de 'Joligus'. Recordando en el planteamiento a la mediocre “El espinazo del diablo” está película resulta intrigante en todo momento. A modo de fábula, al estilo “Vida es bella”, seremos testigos de la dureza de la guerra desde el punto de vista de la fantasía de una niña. La magia está presente hasta el final, donde el director, consciente o inconscientemente, se decanta definitivamente por el mundo real. En definitiva una exquisita obra que se podría encuadrar en el género de drama fantástico, que rinde homenaje a relatos clásicos, (por ejemplo, con los continuos guiños a Alicia en el País de las Maravillas), siguiendo una estética que recuerda mucho a la Delicatessen de Jean-Pierre Jeunet

Nota: 8,8


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Candyman

Las leyendas urbanas son un jugoso tema de estudio en la sociedad americana. Tanto, que pueden ser objeto hasta de una tesis doctoral. En esto trabajan Helen y Anne-Marie, cuando llega a sus oídos los brutales asesinatos de un fantasma al que llaman Candyman. Sorprendidas porque extraños crímenes sin resolver se atribuyan un espectro, deciden investigar más a fondo sobre este fenómeno. Se adentran en el geto que dio origen a esta superstición; superstición que se genero a raíz de la muerte de un joven negro a manos de unos salvajes que lo introdujeron en una granja de abejas y lo dejaron allí hasta que el veneno de los insectos acabo con su vida. De ahí el nombre: Hombre Caramelo (Candyman). Desafiando la creencia popular, Helen invoca a este espíritu y continúa con sus pesquisas. Pero todo comienza a torcerse cuando aparecen visiones relacionadas con Candyman. Los asesinatos se suceden, y lo que a ojos de Helen ha perpetrado el Hombre Caramelo, para el resto de los mortales, es obra de la propia mujer. En una mezcla de paranoia y realidad, seremos testigos del brutal desenlace y del origen de una nueva leyenda urbana…

Película de culto dentro del nutrido grupo de amantes del terror sangriento. Siguiendo las mejores tramas de este subgénero, Candyman nos ofrece un film con sustancia, repleto de suspense y de situaciones ‘creíbles’. Al mas puro estilo de Pesadilla en Elm Street (la primera, por favor), el sueño (en este caso la paranoia) se mezcla con la realidad de forma inquietante. Centrándose en los personajes, más que en el impacto visual, la película es un recorrido ficticio por las supersticiones de la sociedad yankie; supersticiones que se ceban con las clases mas desfavorecidas, como en este caso, la clase negra. Empezando desde un inicio inquietante, la trama evoluciona a un ritmo adecuado, hasta llegar, siguiendo los cánones de este tipo de largometrajes, hasta un final abierto a nuevas secuelas (un gran acierto comercial, pero un gran error cinematográfico). En resumen, un aceptable film, que encantará a los seguidores del primer Freddy Krueger (menos sangre y más suspense).

Nota: 6,9


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Klute

Producción americana dirigida en el año 71 por Alan J. Pakula, obtuvo 1 Óscar a la mejor interpretación femenina en el papel principal encarnado por Jane Fonda. Un hombre ha desaparecido en Manhattan y la policía no sabe ya que hacer, la familia del desaparecido acude a la ayuda del detective Klute para poder encontrarlo, a través de un amigo, Klute encuentra unas cartas que el desaparecido enviaba a una prostituta llamada Bree. El detective comienza los interrogatorios con la prostituta y se adentra en los bajos fondos de Manhattan, misteriosamente van asesinando prostitutas y Klute inicia una relación amorosa con Bree, la siguiente prostituta asesinada puede ser ella, Klute tratará de impedirlo.

Klute es una producción que como tantas otras de esos dorados años 70 abrió un nuevo género que era la herencia del antiguo cine negro, es el denominado thriller americano, entre Pakula, Lumet y Scorsese con los guiones de Paul Schrader iniciaron un nuevo camino en el séptimo arte que culmina con obras tan excelsas como Taxi Driver. En esta producción de Pakula destaca la interpretación de los protagonistas, Jane Fonda hace un papel de prostituta destacando su gran belleza pero también su inteligencia y sus silencios inquietos, Donald Sutherland interpreta muy bien su papel de detective que parece tener todo bien atado pero que en realidad está muy perdido en el caso y demuestra que es humano al enamorarse de la bellisima Bree. Buen cine de historias remozado con buena música que nos hace pensar que tiempos pasados fueron mejores.



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