The Fountainhead (El manantial)

Producción americana dirigida en el año 1949 por King Vidor, Howard Roark es un prestigioso arquitecto encarnado por Gary Cooper, es un hombre que quiere hacer su trabajo tal como lo ha ideado él y sus técnicas vanguardistas a la hora de la construcción de sus edificios hace que ningún empresario se atreva a encargarle algún proyecto, máxime cuando a la hora de realizar sugerencias y cambios Howard se muestra inflexible y no quiere correcciones en sus pliegos. Un empresario si apuesta por él y lo saca del yacimiento donde trabajaba de sol a sol, construye en Nueva York uno de los edificios más importantes de la ciudad y nada tiene que ver con los demás de su alrededor. Un periódico de la ciudad dirigido por Gail Wynand a través del crítico de arquitectura Peter Keating comienza una campaña de desprestigio hacia la manera de trabajar de Howard Roark y quieren hundirle para que no firme más proyectos, cosa que provoca la dimisión de la bella Dominique Francon que a la postre es el amor imposible de este genio arquitecto y esposa del director del periódico Gail Wynand. La integridad y la astucia de Cooper hará que el arquitecto triunfe en su cruzada contra la mediocridad y hará ver a Gail Wynand que es la persona más idónea para construir el edificio siempre soñado por Wynand y que representará los ideales de integridad, superación y éxito.

Película basada en el libro homónimo de Ayn Rand y sobre proyectos del arquitecto Frank Lloyd Wright. Es un relato de los de antaño, hombre muy convencido de sus ideales y una historia de amor imposible y muy intensa. Además trata sobre el poder de los medios de comunicación en la opinión pública donde los supuestos "gurús" del buen gusto y expertos encumbran a mediocres fácilmente manejables a su antojo y destierran a genios innovadores. La escena cumbre del film es cuando Gary Cooper es juzgado por dinamitar un edificio ideado por él y que lo transformaron sin su consentimiento ya que el proyecto lo firmó otro arquitecto al que le echaba una mano. Es un alegato a favor de la individualidad, de los libre pensadores y genios que no tienen que estar atados por la opinión de personajes poderosos que todo lo quieren controlar a su antojo. Los personajes están muy bien definidos ya que todos excepto nuestro protagonista renuncian a sus metas por conseguir una vida mejor, el director del periódico quiere revivir sus días de ambición pero que ya lo han hundido, el crítico de arquitectura maneja el cotarro para salvaguardar su estómago y comer bien y la bella Dominique Francon renuncia a su relación con Roark porque cree que nunca saldrá adelante con su carrera de arquitecto y se casa con el director del periódico. Un peliculón muy vigente en estos tiempos de mediocridad donde el rebaño abunda por todos sitios.



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Le Diable probablement (El Diablo probablemente)

Producción francesa del año 77 dirigida por Robert Bresson, premio del Jurado en el festival de Berlín ese mismo año. Charles es un joven parisino que aparece muerto una mañana en el cementerio Père-Lachaise, no se sabe si es un suicidio o un asesinato. La vida de este muchacho de 20 años estaba entre dos mujeres, Alberte y Edwige donde ninguna de las dos llena su vacío existencial, por las calles poco más que vagabundea y va a las orillas del Sena para hablar sobre la vida y reflexiones que hace que vaya descubriendo sus tendencias autodestructivas, no quiere pertenecer a ninguno de los colectivos que se va encontrando, ni la militancia política, ni el anarquismo, ni el ecologismo ni el hippismo. En un encuentro con el psicoanalista deja clara su visión del mundo y de lo poco que sirve tanta su existencia como la de los demás. Se promete a si mismo que desaparecerá y con un amigo en el cementerio esa noche cumple con su palabra.

Relato completamente nihilista en mi primera experiencia con Bresson, no se si esta película se engloba dentro de la nouvelle vague pero tiene todos los componentes de este tipo de cine, es cine social, lento y de muchísimas rayadas filosóficas que a la gente no le suele interesar. La película en si se puede resumir en dos líneas de manera simplista, jovén con aspecto a lo Kurt Cobain pasa de todo y llega a la conclusión que el mundo es una puta mierda y deja un bonito cadáver. Pero si vas un poco más allá refleja esas tendencias nihilistas y dadaístas de principios del siglo XX donde las personas ya no sólo se dedicaban a trabajar, subsistir y ser explotadas. Se preguntan que sentido tiene hacer unas cosas u otras y esa es la visión que Bresson nos muestra en el film, rompe con todos los moldes de que no tienes que ser un pringao del proletariado ni un pasado de vueltas relleno de drogas. Hay otros caminos para la autodestrucción que son más rápidos. A destacar los decorados de un París como siempre muy glamouroso y la fotografía a cargo de Pasqualino De Santis. Hay que tener clase incluso para saber morir.



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Ching Shao Nien Na Cha (Rebeldes del dios neón)

Producción taiwanesa del año 1992 dirigida Tsai Ming-liang. Nuestro protagonista, el joven Hsiao Kang es un chaval que llega a Taipei procedente del campo a una familia para estudiar, deslumbrado por la grandiosidad de la ciudad y apoyado en su excentricidad empieza a seguir a Ah Tze, un joven delicuente que lo conoce por romper un retrovisor del taxi de su padre. Su admiración hacía él es un amor-odio continuo porque lo persigue para querer vagabundear como Ah Tze y ser el chico de la bella Ah Kuei, una chica que trabaja de recepcionista en una pista de patinaje sobre hielo. Hsiao Kang se vengará de Ah Tze y comenzará a hacerle una serie de putadas para amargarle la vida como romperle la moto y apartarla de Ah Kuei. Los neones de los carteles publicitarios y de las máquinas de los salones recreativos harán que Hsiao Kang se vuelva más excéntrico y peligroso de lo que era antes en el campo.

Drama asiático con todos los componentes característicos de este tipo de cine, ritmo lento, planos de la caótica ciudad, en este caso Taipei y personajes muy bien definidos además de un final nada convencional que deja al espectador pensando que harán en el futuro estas personas al ser totalmente abierto. Hay que tener en cuenta que la película fue rodada en el año 92 pero vaticina lo que hoy en día está pasando en muchos de los jóvenes sobre todo en los países asiáticos más desarrollados, jóvenes solos donde predomina su individualidad. Se refugian en salones recreativos y van tirando de pequeños hurtos para ir pasando los días como sean, una de las versiones de otakus que viven encerrados en una habitación sin querer salir al mundo pero en versión salón recreativo, se me quedó grabada la escena donde Ah Tze abandona la cama donde duerme con Ah Kuei porque no está a gusto y se va a jugar, ella al despertarse espera a que vuelva pero al final desiste y tiene que ir a buscarlo al salón porque se siente sola. Música muy cuidada en el film y reflexiones sobre lo que la ciudad representa para un joven desorientado que acaba en un negocio de llamadas de teléfono para ir pidiendo citas a desconocidas.



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Cure

Tokyo en algún momento de la década de los 90. Una serie de asesinatos sin explicación aparente, se están sucediendo. Todos sin móvil alguno, todos con el asesino en la escena del crimen. La policía interroga una y otra vez a los culpables sin encontrar explicación lógica. Un obstinado comisario decide iniciar una investigación fuera de lo convencional: alguien hipnotiza a una persona común y la obliga a cometer un crimen. Descabellado y cruel. Pero podría ser real. Solo falta encajar las piezas de este puzzle imposible para hallar una verdad que puede ser demasiado peligrosa…

Hoy tenemos una película de culto dentro del cine de terror underground. Cure o Kyua en Japonés, nos ofrece uno de esos largometrajes con sabor oriental que tanto nos han sorprendido en las últimas décadas. Con un planteamiento original y unas escenas impactantes, Cure va de más a menos. Conforme nos acercamos al desenlace, la trama se va perdiendo entre supersticiones niponas y leyendas urbanas locales. Un final demasiado simple y apresurado, para una interesante película que nos recordará a los mejores momentos de la mítica Ringu. Para amantes del cine independiente nada convencional.

Nota: 7,3


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RocknRolla

Estamos en el Londres actual. La mafia local se centra en la lucrativa industria inmobiliaria. Los métodos de antaño, siguen funcionando: extorsión, amenazas, palizas... sin embargo el negocio del crimen esta pasando a otras manos. Las mafias del Este pisan fuerte y hacen tratos con toda Europa. Esta vez es el turno de Lenny Cole. Lenny es un matón venido a más que controla gran parte de los asuntos sucios relacionados con la construcción de pisos. El ruso Uri Omovich necesita unos terrenos que Lenny le conseguirá de manera ilegal; para demostrar la confianza que Uri tiene hacia el inglés, le deja como fianza un valioso cuadro qué Lenny debe devolver al final de las negociaciones. Las cosas se complican cuando el hijastro del mafioso británico, roba el cuadro; entre tanto, la mujer de confianza de Uri, contrata a unos macarras de poca monta para que se lleven el dinero con el que el soviético pretende pagar a Lenny. Y entre todo este barullo, aparece la figura de un soplón que ha traicionado todos los protagonistas de esta historia. Una historia que terminará de manera sorprendente, entre sexo, drogas, rock and roll y todo junto…

De nuevo el locuaz Guy Richie nos trae una gamberrada para alegría de nuestros cinéfilos ojos. Esta vez se atreve con una obra menos complicada que las anteriores pero mucho más cómica. RocknRolla nos muestra un Richie que juega con el cine “comercial” pero a la vez podemos decir que con este film consigue la consagración de su marca personal. Con momentos brillantes y enredos imposibles, la mezcla de comedia y acción resulta soberbia. Los personajes pululan menos que en sus anteriores obras, pero a la vez poseen un carácter más marcado. Desde la bella y enigmática Thandie Newton al polifacético Gerard Butler, nos encontramos con una fauna de macarras que nos divertirán y nos pondrán de los nervios durante toda la historia. Como pega, la simpleza del desenlace; parece que Guy quería terminar el film por la vía rápida y eso nos deja algo descontentos a los que estábamos saboreando lo que pudo ser la obra maestra de Richie.

Nota: 8


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L'avocat de la terreur (El abogado del terror)

Producción francesa del año 2007 dirigida por Barbet Schroeder, ganadora del premio César ese mismo año al mejor documental. El director en este documento nos cuenta la vida del abogado Jacques Vergés, francés de nacimiento, hijo de madre vietnamita y padre reunionés, Vergés participa en el documental con sus opiniones y aportaciones sobre como debe comportarse un abogado con sus clientes y nos relata sus experiencias desde que lo mandan a Argelia a defender a los terroristas del FLN (Frente de Liberación Nacional) que luchaban por la independencia del país. Fruto de su trabajo allí conoce a Djamila Bouhared, condenada a muerte que la salva a cadena perpetua para luego liberarla y se casa con ella para tener dos hijos. Tras unos años tumultosos en Argelia hasta que el país se independiza y apoya la causa palestina contra los israelíes, Vergés desaparece durante 8 años y se instala en Camboya haciéndose íntimo amigo del jefe de los jemeres rojos Pol Pot. Posteriormente regresa a Francia con una identidad oculta y se compromete a defender a los integrantes de ejército rojo alemán (RAF) y se enamora de la terrorista Magdalena Kopp, amante a su vez del terrorista Carlos (Chacal), se encarga de todo tipo de terroristas de pueblos que han sido colonizados y así también representa a Anis Naccache, terrorista palestino. En el final de su carrera se compromete con personajes asociados a la barbarie nazi como Klaus Barbie y no oculta su amistad con el nazi suizo Francois Genoud, que apoyó activamente la causa islámica contra el sionismo.

Son 50 años relatados del último siglo donde uno se puede hacer un croquis del terrorismo mundial a través de la figura de este polémico abogado que a pesar de ser francés apoya la causa anticolonialista por sus raíces vietnamitas y de las islas Reunión. Jacques Vergés es un personaje que produce repugnancia y admiración a partes iguales porque no condena el uso de la violencia para que los pueblos consigan su libertad pero sí que con su uso de la abogacía defiende a los casos más difíciles y complicados que pueden existir y que hay que elevarse por encima de la moral para hacer una defensa implacable de los delitos cometidos por sus clientes en pos de fines políticos. Ya se sabe que la historia la escriben los vencedores pero aquí Vergés demuestra que en el caso francés el día del armisticio alemán en Argel el ejército francés cometió una masacre en la Kasbah que hizo ese día un auténtico infierno para la población musulmana de la zona. Vergés fue el inventor de la defensa negacionista donde no se reconocía al tribunal donde se iba a juzgar, insultó a jueces, cantó en plena sala de Argel el himno argelino de la independencia delante de los franceses y sus clientes no respondían a las preguntas del tribunal, pero nunca de todos los condenados a muerte que estuvieron a su disposición ninguno fue ejecutado. Un personaje espeluznante que te descubre mucho de la historia reciente del siglo XX que nadie te va a contar.



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Lalehet al hamayin (Caminar sobre las aguas)

Producción israelí dirigida en el año 2004 por Eytan Fox, ganadora de varios premios de la academia de cine de su país. Eyal es un "liquidador" profesional del Mosad, tras su exitosa misión en Estambul donde se carga a un terrorista palestino regresa a Tel Aviv y se encuentra que su mujer se ha suicidado a causa del mezquino trabajo de su marido. Los jefes de Eyal quieren mandarlo a terapia para evaluar el duro golpe psicológico que habrá sufrido nuestro protagonista a causa del suicidio pero Eyal se niega, quiere continuar. Para ello le encargan buscar al anciano Alfred Himmelman, un ex oficial nazi que, al parecer, sigue vivo. Eyal espía para comenzar su misión a su nieta, Pia, que vive en Israel en un kibutz y que recibe la visita de su hermano Axel. Para estar junto a ellos, Eyal se hace pasar por guía turístico y acompañará a Axel por distintos destinos de Israel, el Mar Muerto, el desierto y Jerusalén para ir entablando amistad con el muchacho y sacar información de donde se localiza el abuelo. La relación sufre un revés cuando el viril Eyal descubre que Axel es homosexual, se muestra muy molesto y no quiere continuar con la misión pero los jefes del Mosad lo envían a Berlín a seguir con Axel porque tienen la intuición de que el ex-oficial nazi reaparecerá en el cumpleaños del padre de Axel y Pia. Efectivamente el Mosad no se equivoca y Eyal se encuentra con Alfred Himmelman, ahora tiene que decidir entre su amistad con Axel o seguir con su carrera de "liquidador" profesional y matar al nazi.

Tras esta compleja trama de judíos mezclados con alemanes, heterosexuales con homo, árabes con judíos y demás se esconde una historia de convivencia entre distintas ideologías, patrias y orientaciones sexuales que nos hace reflexionar sobre nuestros propios convencionalismos y tolerancia. No existen unos dogmas de convivencia y nadie está en posesión de la verdad, Fox da un puñetazo en la mesa y presenta un cuadro coral de singulares personajes que según nuestra ideología nos hará decantar nuestras simpatías por unos o por otros, Eyal es un tipo duro, de arraigadas creencias y todo un profesional, un hombre israelí que nunca llora y enfrente tenemos a Axel, un encleque alemán con un pasado familiar nacional socialista y que es todo lo contrario, homosexual, vitalista y tolerante. Pia es una chica avergonzada de su familia y huye a Israel, con su caracter centroeuropeo se adapta a la disciplina del kibutz fácilmente. Los tres tendrán una bonita y difícil relación a causa de conflictos familiares del pasado y ahora tienen una oportunidad de redimir los érrores anteriores y buscar la paz entre todos. El relato es impresionante y te mantiene en tensión la hora y 45 minutos del metraje, además tiene el aliciente de las localizaciones, se pueden ver excelentes planos tanto de Estambul, Tel Aviv, Jerusalén, el Mar Muerto, el desierto y por último Berlín. Una película que a mí me ha dejado huella, sobre todo en Berlín donde pasan por sitios donde he pisado. Excelente banda sonora.



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O princípio da incerteza (El principio de la incertidumbre)

Producción portuguesa dirigida en el año 2002 por el centenario Manoel de Oliveria, film nominado a la Palma de Oro en el Festival de Cannes y adaptación de la novela de Augustina Bessa-Luís. Celsa es la criada de una casa de gente rica en Oporto, tiene un hijo que se llama José pero cuida también de Antonio que es el hijo la mujer de la casa y que considera su propio hijo al igual que José. La criada no cesará en su empeño de emparejar a Antonio con Camila que también es una niña de buena familia y así se unirán dos grandes castas. Antonio toma por esposa a Camila pero seguirá con su amante Vanessa, una mujer que se mueve como pez en el agua en los burdeles de la ciudad y que mantiene negocios con José. Para Camila su matrimonio con Antonio es una farsa que le hace muy desgraciada y también por este asunto José es una persona muy infeliz porque está secretamente enamorado de Camila y es la esposa de su amigo y compañero de toda la vida. El diablo le jugará una mala pasada a Celsa que por querer controlar todo ha hecho un fiasco de proporciones gigantescas y donde nadie será feliz, incluida ella como ha estado toda su vida.

Nos encontramos ante un drama costumbrista de la alta sociedad donde por querer mantener un status social en la cúspide las elecciones personales no se pueden tomar con total libertad y se hace lo que se espera de cada uno y no lo que cada uno desea. Oliveria entreteje un entramado de personajes donde les dota de una personalidad propia y donde el diálogo precisamente no es el fuerte de la película, sino las imágenes, sensaciones, miradas, etc... De hecho el ritmo del relato es muy lento y hace que el espectador tenga que tener bastante paciencia para terminarla y los diálogos llegan incluso a rallar la petulancia, supongo que esa manera de hablar el director la adoptó para mostrar como se habla en la alta burguesía pero que le quita mucho interés a una película con un argumento e idea muy interesante. Desde luego no es un film hecho para modernos alternativos que luego se echarán el rollo en cualquier taberna hablando de que buena película vieron pero deja una sensación de que no se te va a olvidar con el tiempo lo que pasó con esos dos cuasi hermanos y lo amargada que era la criada que todo lo queria controlar, es como un cuento triste filmado en la realidad.



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Harold y Maude

Harold es un jovén aristrocrático muy aburrido de su vida rodeada de lujos. Innorado por su madre, su único hobby consiste en fingir suicidios. Poco a poco va convirtiéndose en un auténtico experto en esta materia. La obsesión de Harold por la muerte es tal, que a diario visita cementerios y acude a misas mortuorias. En una de estas misas conocerá a la otra portagonista de la película. Maude es totalmente opuesta: anciana y alegre, ama a la vida más que nada. Estos dos personajes tan antagónicos estan destinados a entenderse. La vital anarquía de Maude, va contagiando poco a poco al apagado Harold. Ni su posesiva madre, ni su conservadora familia, lograrán que Harold se aleje de Maude; juntos comenzarán una historia mas allá de la amistad y que terminará de una forma triste pero hermosa.

Tan simple como lo contado arriba, este clásico del cine alternativo, me ha emocionado de manera especial. Tenía muchas ganas de visionarlo desde hace tiempo y la espera ha merecido la pena. Una trama tan cercana que se puede casi tocar. Una mezcla entre surrealismo y drama, la historia refleja un tema muy profundo: el conformismo vs la lucha. La lucha en forma de pasión por la vida, de ganas de ser diferente, de transgredir las normas, de querer ser libre... el conformismo por tenerlo todo, por no saber rebelarse al control paternal, por no creer en lo que se hace ni hacer lo que se cree... Un dilema moral escondido tras una hippie parábola de amor imposible. Este film humilde y directo, se convierte en obra de arte gracias a la omnipresente banda sonora compuesta por Cat Stevens; en definitiva y parafraseando IMDB: un clásico.

Nota: 8,6


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La Ola

En un instituto Alemán, se lleva a cabo una curiosa práctica en la clase de ciencias políticas. Ante la postura unánime de los alumnos de que el nazismo estaba muerto y hoy por hoy no podría renacer, el profesor les propone un ejercicio en el que todos llevarán una estricta disciplina para servir a un grupo humano ficticio. El grupo se llamará La Ola y no seguirá ningún ideal en particular; solo será necesario regirse por unas normas muy básicas: llevar un atuendo común (camisa blanca y vaqueros), saludar con un gesto y tratar de usted al profesor. Algo inocente. Sin embargo, la necesidades inherentes del nuevo primer mundo, hacen que todos los que 'pertenecen' a La Ola, se crean diferentes. Empieza a crearse una moda en el instituto y los mas exaltados, inventan símbolos, himnos, crean webs, etc. Poco a poco la exaltación va desembocando en vandalismo. La falta de cariño de algunos es suplida por los sentimientos globales del grupo. Los que no siguen a La Ola, son tratados como disidentes. Todo funciona mejor desde que los chicos creen el algo. Una evolución que nadie puede parar y que solo terminará cuando la locura colectiva se de cuenta de su propia ignorancia.

Dennis Gansel se atreve debutar con un tema muy peliagudo sobre todo en su país natal, Alemania. Con sorprendente agilidad, adapta una historia real que sucedió en California, a los tiempos actuales en la opulenta nación bávara. Sin mucha densidad, la simpleza de la historia contada sorprende y engancha a partes iguales. Con personajes cuasi vacíos, la figura del joven Marco servirá de nexo entre la inocencia y la locura. Como una simple persona que se apasiona por un ideal, puede dar lugar al fanatismo y a la opresión. El cariño que la masa social le niega a diario, aparece falsamente reflejado en una moda, en una corriente. Interesante película a la que quizás podíamos poner como pega un desenlace demasiado rápido y dramático; sin embargo la reflexión a la que conduce el visionado de este film, justifica con creces el dedicarle las casi 2 horas de metraje que tiene como duración.

Nota: 7,8


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Sommer vorm Balkon (Verano en Berlín)

Producción alemana del año 2005 dirigida por Andreas Dresen, premio del jurado al mejor guión en el festival de San Sebastian. Katrine y Nike son dos amigas que viven en un edificio antiguo de Berlín Este, en concreto en el barrio de Prenzlauer Berg, un barrio de la antigua Berlín comunista que tras la caída del muro se ha llenado de gente joven en busca de oportunidades y conviven con la gente anciana del lugar que ya vive sus últimos días cambiando al sistema capitalista. Katrine es una mujer separada con hijo (Max) que va a cumplir ya los 40 años y busca trabajo de decoradora tras su separación, ella es muy amiga de Nike, una mujer joven soltera que cuida de los ancianos de la zona, los asea, les lee cosas, limpia sus casas. Nike y Katrine pasan muchas noches en el pequeño balcón de la terraza de Nike hablando de la vida, de los hombres, de sus miserias y son felices en ese verano. Hasta que Nike conoce a Ronald, un camionero que transporta alfombras y empiezan una relación quedándose él cuando pasa por Berlín en la casa de Nike. La relación es toda una mentira y Katrine al no encontrar trabajo desesperada se refugia en el alcohol. El verano se torna díficil y sombrío pero la amistad prevalecerá y al final del verano todo se arreglará y vendrá el frío otoño.

Me animó ver este relato porque leí que era una película alemana de sangre caliente, donde se ve que los fríos y calculadores centro europeos muestran sus miserias y sus reflexiones ante la vida. Gratamente me ha sorprendido porque es ver el cine social de los 70's de Fassbinder en versión alemana unificada, en concreto en la ciudad que representa el cambio que es Berlín que constituye un personaje más dentro del relato. No vemos esos orgullosos alemanes que veranean en Palma de Mallorca tostándose al sol con una cerveza en la mano, vemos a dos mujeres que luchan por su supervivencia en un barrio obrero que antes era de la Alemania oriental, los secundarios de la película están muy bien construidos, los ancianos lo hacen muy bien, uno que quiere ir al colegio todos los dias, el otro que esconde el café y dice que ha desaparecido y la encantadora anciana tocando el acordeón. También el niño de Katrine tiene su peso en la película con su primer desengaño amoroso. Un obra coral muy interesante aderezada con la música del genial Pascal Comelade, indagaré más sobre este Andreas Dresen porque 'Verano en Berlín' es una gran película.



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A caixa (La caja)

Producción portuguesa del año 1994 dirigida por Manoel de Oliveria. En la Alfama lisboeta vive un hombre ciego de avanzada edad que sale a su portal todas las mañanas con su caja para que le den limosnas debido a su condición de persona discapacitada, el gobierno reparte estas cajas para la supervivencia de estas personas mediante la caridad de la comunidad de vecinos. Pero toda esta caridad se convierte en mezquindad por parte de los vecinos ya que son ellos los que quieren tener una caja al igual que el hombre ciego. De hecho los acontecimientos se tornan en tragedia cuando un grupo de jóvenes quiere robar la caja del ciego y sale el yerno a recuperarla. Todas las bajezas humanas salen a relucir en un barrio deprimido por el paro, la marginación y las desigualdades sociales.

Esta obra de Oliveria podría haberla firmado perfectamente el maestro Luis Buñuel en su etapa mexicana con producciones como 'Los Olvidados', a partir de una de las famosas cuestas de la Alfama construye un relato donde la cámara apenas se tiene que mover y es por ella la que van desfilando una serie de personajes que nos hacen pensar que vil es el ser humano, hay de todo, caridad desde la hipocresía, egoísmo, chulería y finalmente el impulso que hace cometer el asesino un determinado crimen. Una obra muy interesante que Oliveria la rodó en película la obra de teatro que previamente escribió Prista Monteiro. A destacar el personaje del hombre ciego a cargo de Luis Miguel Cintra y de la vendedora de altramuces a cargo de Isabel Ruth. También me gustaría citar esa gran interpretación a la guitarra de Mestre Duarte del 'Ave María' de Wagner. Un relato sencillo y corto pero magistralmente mostrado que te hace pensar en lo animales que a veces somos.



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Porto da minha infância (Oporto de mi infancia)

Mediometraje portugués dirigido en el año 2001 por el centenario director Manoel de Oliveria. En el año 2001 en Oporto se celebra una exposición de gran impacto y la ciudad sufre una profunda reestructuración, ante la imposibilidad de ver y recordar los sitios donde Oliveria pasó su infancia el director se lanza a grabar esta pequeña película para que quedé el recuerdo en los espectadores de como era Oporto cuando él era pequeño y además hace un ejercicio de memoria en su mente para de nuevo amar la ciudad que le vió nacer. Así podemos ver el Oporto de principios del siglo XX donde Oliveria comía los pasteles de la confitería Oliveria que precisamente se apellidaban como él, los cafés de bohemios que frecuentaba ya de joven como el Majestic (éste aún todavía existe) y como iba con sus padres a la ópera en unos de los teatros de Oporto, recuperando imágenes antiguas de esos sitios y mostrando el edificio que hay en la actualidad, por ejemplo en lo que era la pastelería hay una tienda de ropa. También muestra lo que fue su casa en Oporto, ya convertida en ruinas y hace un homenaje a las cuencas del río Duero donde desemboca al Atlántico atravesando los puentes de la ciudad.

Es mi primera experiencia con este director que en la actualidad cuenta con 103 años y que todavía sigue en activo filmado películas. Queria empezar por algo sencillito y leve para ver su estilo y la verdad es que es un tipo encantador con su manejo de la imagen y el cuidado que tiene para elegir sus músicas para utilizar de testamento cinematográfico. El cine en Portugal es prácticamente nulo y es curioso que nuestros vecinos no tengan grandes figuras con excepciones como el director que nos ocupa y poco más con María de Medeiros y Joaquim de Almeida. Seguiré indagando en este curioso personaje para aprender más de nuestro vecino que tanto tenemos olvidado. Como curiosidad empecé a ver también este mediometraje por mi visita a Oporto y me gustó mucho volver a ver la puerta y la entrada del Café Majestic donde hace un año me tomé una ginja con mis amigos que bebían un Beirao.



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Waltz with Bashir (Vals con Bashir)

Producción israelí animada del año 2008 dirigida por Ari Folman. Candidata al Óscar por Israel como mejor película de habla no inglesa y ganadora del Globo de Oro a mejor película también de habla no inglesa. Al periodista Ari (alter ego del director de la cinta) le cuenta un amigo suyo en un bar que todas las noches tiene la misma pesadilla recurrente donde le persiguen 26 perros, siempre el mismo número de caninos y es a consecuencia que durante los años 80 vivió esa experiencia en las escaramuzas del ejército israelí en las matanzas de Sabra y Chatila (Líbano). Ari se sorprende porque él no recuerda apenas nada sobre ese periodo de su vida y empieza a indagar con su amigo del sueño y otros tantos el por que no recuerda nada, con el ejercicio de memoria en su mente empiezan a aparecer recuerdos e imágenes surrealistas sobre esa matanza, necesita saber la verdad y no olvidar la barbaridad cometida en el Líbano tanto de las víctimas como de los verdugos.

Un sorpresón de película por parte de un país tan poco dado a la cinematografía como es Israel, además al ser animada la sorpresa es mucho mayor porque el realismo de la producción aunque sean dibujos es impresionante, a veces parece que son actores reales y los elementos secundarios de los decorados están muy trabajados, por ejemplo a lo mejor estás viendo un árbol y te crees que es de verdad y no es un dibujo. Por su parte el guión es excelente y siempre me han interesado mucho las historias que atacan a la memoria y a los recuerdos para construir lo que en realidad uno es y eligiendo la guerra pues el impacto es mucho más brutal que cualquier historia costumbrista. Como pequeño defecto le achacaría a la película que quizás esté un poco falta de ritmo pero vale la pena tener un poquito de paciencia mientras se ve porque luego es una historia que difícilmente a uno se le puede olvidar precisamente por el impacto que antes he comentado. Un gran trabajo por parte del documentalista Ari Folman que con este relato deja atrás sus documentales y se atreve con la animación. El título hace referencia a cuando un soldado del Ejército de Israel se pone a disparar en círculos sobre los carteles de Bashir, primer ministro del Líbano asesinado en el año 1982.



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Che: Guerrilla

Producción hispano-americana dirigida en el año 2008 por Steven Soderbergh, ganadora del premio al mejor actor en el último festival de Cannes a cargo de Benicio Toro. Segunda parte del biopic sobre la figura del mítico guerrillero Ernesto "Che" Guevara. Tras la toma de La Habana a cargo de Castro y secundado por Guevara, al "Che" se le nombra ministro de Industria de la isla caribeña pero de nuevo Ernesto se embarca en nuevos desafios para combatir la injusticia en Latinoamérica, como representante de la OEA (Organización de Estados Americanos) entra en Bolivia, un país gobernado con mano de hierro por René Barrientos, una dictadura donde los mineros mueren a la edad de 30 años y la población vive en una extrema pobreza. Guevara se une a la guerrilla boliviana que combate en la selva al ejército pero esta vez la revolución no triunfará debido a unos serie de factores en que todos vinieron en contra, la anexión de la inteligencia norteamericana para ayudar al ejército, la derrota en varias escaramuzas a cargo de diferentes grupos, la poca ayuda prestada por los agricultores y ganaderos del altiplano harán que los últimos días del "Che" se pasen en la zona rural boliviana.

Magnífica segunda parte de la autobiografía del "Che", de hecho el guión parte de los cuadernos que el propio Guevara escribió en Bolivia, el relato se hace denso porque muestra la crudeza y el tempo de lo que es una verdadera guerrilla, mucha selva, paciencia, trabajo y el paso de penurias. No se trataba de mostrar a un héroe que luego fue estampado en millones de camisetas que ha servido de icono publicitario, se trataba de mostrar al hombre. Una persona dedicada a la medicina, con la intención de ayudar a los demás en lo que su capacidad podía dar de si pero que no renunciaba a la lucha armada para reivindicar el derecho a la libertad y protección de la población. Durante toda esta segunda parte se va reflejando lo que va a acabar en tragedia porque Guevara era un hombre valiente, luchador pero no tenía al lado al fino estratega que era Fidel en Cuba. También el presidente Barrientos fue mucho más inteligente que Batista en Cuba y en cuanto tuvo la oportunidad dio caza al "Che" y no se lo pensaron dos veces para aniquilarlo. Su revolución en Bolivia no triunfó pero ha dejado para la historia un personaje coherente, un modelo a seguir que nada tiene que ver con políticas, terroristas y demás sandeces que se publican. Ernesto "Che" Guevara fue un luchador por la libertad y algo más que un rostro fotografiado y vilmente usado para unos intereses a favor de unos y en contra de otros.



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Vicky, Cristina, Barcelona

Vicky y Cristina, son dos amigas norteamericanas que comparten verano en la bellísima Barcelona. Vicky, morena, es la transcendental de la pareja; cree en el amor verdadero, único y duradero; Cristina, más indecisa en estos temas, prefiere vivir el momento y no cree que existan los príncipes azules. En un encuentro casual, conocen a Juan Antonio, un pintor melancólico que, a modo de Don Juan, intenta conquistar a las dos damiselas. Contra todo pronóstico, la primera que cede a sus encantos es Vicky, que ve tambalear los ideales que tan valientemente defendía; después, Cristina será quien pruebe la cama del artista. Desde ese momento ambos comenzarán un romance intenso y profundo. Pero Vicky no se olvida del affaire con el pintor y piensa como sería la vida lejos de su prometido. Entre tanto, la ex-mujer de Juan Antonio, María Elena, hace acto de presencia y se interpone bruscamente en la relación de Cristina; una relación dual que evolucionará a trío y que terminará en un lio deshecho justo cuando acaba el verano.

Última comedia del prolífico Woody Allen, que sirvió como escaparate de lo español: Barcelona como baluarte del glamour y Penélope Cruz como artista internacional consagrada. Lejos de estos apuntes extra cinematográficos, tenemos un poco más de lo mismo de Allen. Lo mejor que sabe hacer, guiones ágiles, con lo mejor que sabe filmar, relaciones de parejas. Como siempre con puntos brillantes, pero con poca originalidad con respecto al resto de sus obras más exitosas. El planteamiento del enfrentamiento de dos maneras de ver el amor antagónicas, me parece muy interesante y digno de reflexión. Las mil vueltas que da todo para quedarse igual, también es un detalle muy bueno de la trama global. Ninguna pareja se rompe y todo queda como al principio; y es este aspecto el que deja al espectador con la sensación de que ha estado viendo un publireportaje de Barcelona. Sin embargo la historia sin complicaciones deja un grato sabor de boca debido a las graciosas e inteligentes situaciones que desencadenan el trío protagonista. El papel de Penélope Cruz, casi testimonial, la llevo, con poco mas de 15 minutos de interpretación, a la gloria de Hollywood. Muy divertida.

Nota: 7,3


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Casual Day

Producción española del año 2007 dirigida por Max Lemcke. Hasta un paraje de montaña al norte de España se dirigen los empleados de una pequeña empresa ubicada en Madrid, Ruy lleva apenas dos semanas en la empresa que la dirige José Antonio, padre de la novia de Ruy y en esta montaña van a hacer el "Casual Day", una práctica importada desde EEUU donde un psicólogo mediante varias prácticas y con juegos refuerza el espíritu de equipo de los integrantes de la compañía, además hace tratamientos personalizados para los empleados más "problemáticos". En la compañía también está Marta que en el pasado se enrolló con Ruy y que son amigos de la novia de este. El círculo se cerrará en este Casual Day y José Antonio aplicará sus técnicas y praxis como hombre de negocios a la manera de los hombres que son como Dios manda.

Ópera prima de este director vasco que resultó ser la sorpresa en este último año en la producción cinematográfica española, Max reunió un elenco de actores de primera calidad como Juan Diego, en el papel de director, Luis Tosar como su perro de presa y Alberto San Juan, Alex Ángulo o Secun de la Rosa que hacen unos secundarios muy trabajados que recuerdan al aroma de las comedias ácidas y críticas de Luis García Berlanga con los maravillosos guiones de Rafael Azcona. Todo además muy actual y contemporáneo. De una idea simple como punto de partida Lemcke hace un trabajo coral impresionante donde tenemos al jefe cabrón con sus ideales derechistas, el empleado que no se ve reconocido y es un chanchullero, el hombre separado con problemas personales que está al borde del despido por bajar su productividad o el tipo gris que hace la seguidilla según de donde venga la dirección del viento. Para ser la obra primeriza de este director eleva el nivel del cine español en general. La película también adolece de algún fallo como la interpretación de Estíbaliz Gabilondo como mujer independiente y un guión que a veces fuerza demasiado y pierde naturalidad, ese aspecto se ve reflejado en el papel de Alberto San Juan como psicólogo. Aún así una producción muy recomendable para comprender la sociedad española actual y una BSO a cargo de Pierre Omer muy disfrutable.



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Revolutionary Road

Una familia de clase media americana de mediados de siglo XX, consume su existencia entre sueños juveniles y tópicos de vida adulta. Una casa grande, un par de hijos, un trabajo en una empresa financiera... Todo es maravilloso, porque logran llegar a un status que parecía imposible alcanzar. Sin embargo, la pareja nació desde la rebeldía y cuando todo se empieza a volver monótono, la parte femenina decide sacar su lado menos convencional y propone irse a Paris. Un antiguo anhelo de ambos que es recibido con cierto recelo por parte del hombre. Pero la esencia sigue viva y preparan todo para marcharse. La cosa se vuelve oscura cuando al patriarca le proponen para el ascenso y ella queda embarazada. El machismo imperante en aquellos años, provoca que este hecho sea una barrera insalvable para el futuro empleo de la mujer. Por este motivo, ella decide abortar cosa a la que el marido se opone tajantemente; como se opone al cambio de domicilio y al complicado plan de mudarse a Francia. Decepciones, infidelidades, discusiones... todo se derrumba y sume a la pareja en el siguiente estado: la desesperación. Un estado del que es muy dificl salir y que desembocará en tragedia familiar.

Película de Sam Mendes que narra el drama cotidano en el que se convierte la vida en pareja. Entre ironía y melodrama, de manera inteligente el director nos va agobiando con la monótona existencia de unos protagonistas que parece que van a salir bien parados. Demasiado lenta en algunas ocasiones, el conglomerado de ideas, te deja un buen sabor de boca cuando meditas sobre la esencia del film. No es un largo al uso, ni recomendable para los que no piensen en lo que han visto o quieran pasar el rato en una sala de cine. Lo mejor, las reflexiones filosóficas de John Givings en una especie de homenaje a Alguien voló sobre el nido del cuco. Un toque místico y algo surrealista que revitaliza esta densa historia que nos propone Mendes.

Nota: 7,9


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W.

Producción americana del año 2008 dirigida por Oliver Stone, película que fue rodada antes de la campaña para las presidenciales de Barack Obama contra John McCain, de hecho una vez elegido Obama este relato fue estrenado en las televisiones de varios países incluido España tras pasar 3 meses por los cines. George W. Bush es el 43º presidente elegido en la democracia americana, su padre George Bush también fue presidente de la nación y vemos la relación entre padre e hijo que precisamente no fue muy amable, W. desde joven tuvo problemas con el alcohol, en la universidad no terminaba sus estudios, fue un pésimo empresario del petróleo en Texas mientras su hermano Jeff se hacía gobernador de Florida. Siempre bajo el amparo de su padre a pesar de su tensa relación empieza su carrera política y su apego exacerbado al cristianismo le lleva a la Casa Blanca con un equipo de personajes repúblicanos del ala dura como Dick Cheney, Condoleezza Rice o Donald Rumsfeld que apoyan sus firmes teorías neoliberales que le llevan a plantear la lucha contra el islamismo y el recorte de las libertades individuales.

Film irregular el de Stone que deja a Bush en una posición bastante mala pero no tanto como en principio había imaginado porque también muestra a un presidente humano que bajo esa dura apariencia de texano tiene temor y miedo a las decisiones. El relato se centra sobre todo en la relación con su padre y anterior presidente, un hombre culto y conservador que siempre abogaba por la contención y la reflexión, sin embargo Bush quería hacer las cosas a lo grande y se encontró metido en un gran fiasco en forma de guerra contra Irak. La película parece hecha con prisas y por eso me refiero a su irregularidad, a veces con un ritmo muy cansino y otras muy veloz. Oliver Stone ya lleva retradados tanto a JFK, Nixon y a Bush, quizás su intención ha sido adrede de realizar un film menor con un presidente que puede ser considerado "menor", desde luego el director se esmeró mucho más en realizar un retrato para la historia de Fidel Castro en 'Comandante' o el próximo en venir que es el de Hugo Chávez que en este presidente que para muchos americanos ha sido una verguenza. De hecho Stone termina la película dejando que Bush quede como un tonto delante de las cámaras y evidenciando una falta de inteligencia alarmante para haber sido durante 8 años el presidente del imperio yankee. A destacar la interpretación de Josh Brolin como George W. Bush.



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Remake

Producción española del año 2006 dirigida por Roger Gual. Dos parejas divorciadas (Damián y Patricia, Alex y Carol) son invitados durante un fin de semana por su amigo Max a la casa de la montaña donde de jóvenes vivían todos juntos en plan comuna y que Max continuó viviendo en ella en plan hippie alimentándose de lo que le da la tierra. También son invitados los hijos de las dos parejas, los dos chicos de Alex y Carol (Ernesto y Fidel) y el hijo de Damián y Patricia (Víctor) junto su novia Laura. Durante el fin de semana saldrán todos los problemas, miserias y contradicciones de estos personajes, cómo las añoranzas pasadas fueron un fraude dentro de su existencia, el conflicto generacional entre padres e hijos, las relaciones personales entre las antiguas parejas y lo que han afectado sus vidas unos ideales que fueron traicionados por todos.

Debut en solitario del director Roger Gual ya que su primera producción 'Smoking Room' la hizo junto a Julio Wallowits. En 'Remake' Gual no deja títere con cabeza y dispara contra todo el 'establisment burgués' y contra todos sus personajes estereotipados, me encanta el personaje de Fidel interpretado por Álex Brendemühl, es un típico adulto despistado y empanado que de niño no encontró el suficiente cariño de sus padres y tuvo que ser independiente mucho antes de lo que él hubiera deseado. Laura es la novia tan políticamente correcta que da grima y te dan ganas de ahogarla, llenas de opiniones convencionales e insustanciales y que deja poco hablar a los demás, no sabe escuchar y está fuera de lugar porque no es su ambiente. Los personajes adultos van desde los desencantados y depresivos como Damián que desde que dejó la comuna no ha sabido reconducir su vida, a los cínicos como Álex o Max que son dos caras diferentes de la misma moneda, uno en plan burgués bastante cabroncete y el otro en plan hippie amargado que le aterra la soledad. Las dos mujeres separadas tampoco quedan en muy buen lugar ya que Carol es tan burguesa que todo le molesta en el campo y no sabe vivir en un ambiente que en otro tiempo probó, reniega de todo su pasado y Patricia es una mujer sufridora que no sabe mediar entre Víctor y Damián para que tenga una relación al menos digna de padre e hijo. Un buen relato con unos diálogos francamente geniales donde los grandes actores del film hace que sea creíble una historia muy sencilla de convivencia de fin de semana que es una patada a la generación hippie y a la generación X, me encanta la mala baba de Gual que basó esta historia en su vivencia de pequeño en una comuna.



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