A quemarropa

Walker es un renombrado criminal que esta a punto de dar el golpe de su vida. Con su mejor amigo y su esposa, perpetran un robo que les puede retirar. Sin embargo, cuando todo parece salir a al perfección, la pareja le traiciona doblemente: primero mantenienod un idilio en secreto y después disparándole por la espalda. Como cobardes huyen felices creyendo haber terminado con el frío Walker. Pero no fue así; el dolído hombre sobrevive, con la fuerza del odio y una única idea en su mente: recuperar lo perdido. Más preocupado por el dinero que por la mujer, Walker consigue dar con esta última para que le ponga en la pista de su ex-amigo. Dentro de una espiral de autodestrucción la chica le cuenta lo que sabe y le ruega que no siga con su empresa. Consejo que es desoido, más aún cuando el ladrón ve tan cerca el fin de su venganza. Aunque las cosas no serán fáciles; toda una corporación esta detrás del asunto. Pero Walker está demasiado cabreado como para que nada le frene; ningún ente y mucho menos un hombre será capaz de parar a esta máquina de matar que tan cerca ha estado de su final.

En plena explosión del cine policiaco sesentero, aparece esta venerada obra de John Boorman (Excalibur, Más allá de Rangún) que sorprende desde los primeros 5 minutos. Extraña película que te deja con la duda de si estamos ante una obra maestra o ante una soberana estupidez. Con cambios de plano abruptos y un Lee Marvin en una magistral lección de inexpresividad, la trama se convierte en un laberinto díficil (o demasiado fácil) de seguir. Solamente cuando has terminado de ver el film, tienes todas las piezas del puzzle para poder emitir una conclusión. En mi caso, pienso que es un experimento interesante de analizar como obra visionaria de 1967, pero muy densa y desdibujada para los que gustan de las historias elaboradas que aportan los grandes clásicos del género.

Nota: 7,1


Para Recordar: Lo curioso que resulta ver unos planos tan secos y unas transiciones tan rápidas.
Para Olvidar: Lo inconexa que te puede resultar la historia.


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Up

Unos niños ansiosos de descubrir la vida se conocen entre travesuras y diversión. Conforme van creciendo van compartiendo sueños y anhelos. Los sueños se transforman en realidades y los muchachos que se conocieron cuando eran parvulitos, terminan casándose. Intentan crear una familia mientras siguen pensando en escapar de todo. Pero las cosas no son como uno quiere y los hijos no llegan. El tiempo tampoco es infinito y la vejez les atrapa casi por sorpresa. Han dejado pasar tantas cosas; tenían tantos planes... Cuando la muerte hace acto de presencia, todo se acerca a su fin. Pero Carl Fredricksen, decide que la derrota no es la opción y se enrolará en el viaje más loco que ningún ser humano ha hecho jamás. Con 75 años, descubrirá que la gente de verdad no sale en las revistas ni hace hazañas que aparecen en el telediario; la gente de verdad es la que día a día demuestra que la vida es maravillosa; la gente de verdad regala el amor a sus seres queridos; la gente de verdada nunca se rinde... Solamente esas personas son las que merecen la pena.

Nueva obra de culto de la factoria Disney con un espectacular bagaje de 40 premios a sus espaldas (incluidos 2 Oscar). Con un comienzo demoledor, dramático e hiperrealista, el cuidado film de Pixar va navegando hacia una trama infantil que roza el tópico de manera peligrosa. Finalmente, salva la honra con buenas dosis de humor y una moraleja de muchos kilates. En definitiva, una película atrevida, muy adulta pero, en mi opinión, esta algo sobrevalorada porque el conjunto podría haber sido mucho más consistente. No obstante, recomiendo ver este largometraje y reflexionar sobre un tema que hoy en día esta más candente que nunca: estamos tan ocupados pensando en el mañana que los días pasan sin darnos cuenta.

Nota: 8,5


Para Recordar: Los primeros 15 minutos; de lo mejor que he visto en animación.
Para Olvidar: Los peligrosos flirteos con los tópicos del cine de animación. Con un poquito de más "mala leche" esta pelicula sería legendaria.


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Maradona by Kusturica

Ante nosotros tenemos una persona muy especial; mitad hombre mitad mito. Aunque de divinidad tiene poco; esta más cerca de la tierra que la mayoría de los seres humanos. Diego Armando Maradona, argentino universal, futbolista y persona singular, nos muestra durante una entrevista de más de una hora, su faceta más subversiva. Con la visión irónica de los seguidores de su iglesia de transfondo, Diego nos cuenta como se ha desarrollado su vida desde que reconoció ser adicto a la cocaína. Como la droga le quitó todo lo que tenía y como logró seguir siendo un ídolo de multitudes. En el documental, veremos la grandiosidad de su fútbol, las pasiones que levante y lo claro que lo tiene todo cuando habla de la humanidad. Una frivolidad personal de un Kusturica que puntualiza en off determinados aspectos de este genial personaje; un personaje que quizás lleva demasiado tiempo alejado de la realidad de los suyos.

Sencillo documental en plan colegueo que nos brinda Kusturica. Con la idea de "engañarnos" a todos, el maestro Bosnio, intenta crear un film reflexivo, diferente; mezclando la vida de Maradona con la de alguno de los personajes de su filmografía, Emir pretende que la narración de las peripecias de Diego, adquiera un tinte más lírico. Sin embargo, la abrumadora personalidad del Astro, se hace con el protagonismo y Kusturica no puede más que escuchar y comentar en off las palabras del argentino. Finalmente, el objetivo de Kusturica se cumple y la biografía engancha al espectador con matices desconocidos de la vida de Diego. Sus ideologías, sus vivencias en el dique seco, su feroz crítica a la FIFA, su fútbol narrado en primera persona. Una delicia solamente apta para los que somos fans del deporte rey y de este delantero que tantas cosas bonitas he hecho por él. Para el resto, solo será un documental de bajo presupuesto para bajar por el emule.


Para Recordar: Yo digo que Avelange vende las armas y Blatter las balas.
Para Olvidar: Que parezca que Kusturica quiera engañarnos con una obra de arte, cuando solamente se trata del capricho de un genio.

Nota: 7


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La séptima cruz

Alemania. Un jóven Adolf Hitler ha llegado al poder. El pueblo germano comprueba como su humillante vida comienza de nuevo a tener sentido; los sueldos suben, el trabajo en fábricas militares abunda y todo el mundo comienza a sentirse orgulloso de su nación de nuevo. Poco importa que sea un tirano el que desencadena todo esto. Comer y poder alimentar a la familia es lo primero. Pero algunos disidentes, se han dado cuenta que esta bonanza no es lícita. Ponen el grito en alto y son detenidos como delincuentes. Los primeros campos de concentración son ocupados por alemanes. Siete hombres con valor, prisioneros todos, escapan una noche buscando el exilio. Pero poco dura su epopeya; como escarmiento el gobernador del campo, decide colgarlos a cada uno de ellos en una cruz. Poco a poco se van llenando, hasta que llega el turno de George Heisler. Un luchador nato que no se rinde ante la adversidad. Sin embargo George ha perdido la fe en el género humano y no puede confiar en nadie. Algo dificl cuando uno se encuentra en tan peliaguda situación. El prófugo conocerá personas de diferente índole a lo largo de su camino ¿conseguirá el disidente huir de la perturbada Alemania o será traicionado por alguno de sus compatriotas hambrientos y egoistas?

Fred Zinnemann (De aquí a la eternidad, Chacal) nos propone una profunda película de autor, dónde nos relata la díficl vida de la poco conocida Alemania pre Segunda Guerra Mundial. A lo largo de toda la cinta, se nos intentan presentar diferentes valores humanos, mezclados con virtudes como el valor o la constancia. A partir de una historia de desesperanza, el diector, va construyendo una trama en la que introduce reflexiones mucho más profundas que el clásico bien/mal que tanto gustaba al Hollywood de los años 40. Obviamente, para pasar por el aro de la máquina cineasta yanki, magistralmente, Zinnemann, aparenta perseguir este fin con iconos como el ángel que habla desde el cielo para revelar la bondad en los hombres; sin embargo, la historia subyacente, desnuda personajes mundanos que no temen al peso de la ley ni de la deseperanza. Personajes acostumbrados a sufrir, pero que aún no se han puesto precio. Ni el odio, ni la ambición, ni el dolor puede derrumbar un espíritu fuerte. A destacar la interpretación de un actor que a mi no me convencía mucho, Spencer Tracy; su frialdad y su mirada completamente vacia hacen que George Heisler sea un personaje que recordaré siempre como uno de los mitos de este nuestro arte predilecto.


Para Recordar: La escena de (des)amor final, dónde los protagonistas, lejos de compadecerse, lanzan una reflexión sobre lo importante que es estar junto a alguien que quieres; cosa que desgraciadamente la gente que no ha vivido la guerra, ha olvidado actualmente.
Para Olvidar: El agelote que introduce la historia. No se entiende a no ser que Zinnemann quisiera recubrir su dura epoyeya para venderla como una pildora con sabor a "¡Que bello es vivir!"

Nota: 8,5


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Rebobine por favor

Jerry es un excéntrico cinéfilo que tiene como mejor amigo a Mike un ayudante de videoclub; un videoclub de esos de antaño: pequeños y plagados de cintas VHS. En una de sus locuras, Jerry deja su cuerpo completamente imantado. Sin ser consciente de ello, siembra el caos en la tienda de Mike al borrar todas las videocasettes del establecimiento. Mike desolado piensa que el negocio va a llegar a su fin. Pero Jerry, no ve las cosas de la misma manera; ni corto ni perezoso, decide grabar una versión casera de cada película que retiran sus clientes; Cazafantasmas, Hora punta, Paseando a Miss Daisy... copias cutres pero muy originales. Al principio consiguen colar el engaño; cuando la gente se da cuenta de lo que hacen los dos cieneastas amateur, lejos de enfadarse, les piden nuevas versiones de sus películas preferidas. Estas versiones, que los autores llaman "suecadas", son la sensación del barrio y el pequeño videclub ve como a diario se hacen largas colas para conseguir una auténtica "suecada". El negocio va viento en popa y los problemas económicos parecen haber pasado a la historia. Sin embargo, con lo que no habían contado es con el famoso tema de los derechos de autor. La creatividad es encorsetada por las leyes y la idea de las suecadas les puede salir cara a los ideólogos.

Michael Grondy nos vuelve a sorprender con una obra original y fuera de lo común. Si bien en esta ocasión no se atreve o no quiere ir hasta las últimas consecuencias, lo que si es cierto es que nadie que vea esta Rebobine por favor se quedrá indiferente. Con una media hora soberbia que arrancará las risotadas de los más eruditos del cine, el film va decayendo en imaginación para acercarse a un final sensiblón y comercial que dilapida en cierta medida las espectativas de los que esperabamos una historia "aplastante" similar a la increíble Olvídate de mí. No obstante, no hay que desmerecer, ni mucho menos, a esta cinta que intenta homenajear, de un modo muy peculiar, a la esencia del cine en estado puro.

Nota: 7,5


Para Recordar: La suecada de los Cazafantasmas. Hilarante.
Para Olvidar: El rápido y previsible desenlace.


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Man on Wire

Documental británico del año 2008 dirigido por James Marsh, entre otros premios tiene el Óscar al mejor documental y el premio Bafta a la mejor película inglesa. Philippe Petit es un funambulista francés que siempre ha amado cruzar grandes construcciones arquitectónicas, dice que si muere al menos lo hará de una manera muy grande y haciendo lo que más le gusta. Ya ha cruzado las torres de la catedral de Notre Damme y el puente de Sydney, ambos actos de manera ilegal y sin pedir permiso alguno. Pero tiene un gran sueño en su vida, cruzar de un lado a otro de las Torres Gemelas de Nueva York, su fascinación por realizarlo empieza ya desde la propia construcción de las torres y con la ayuda de sus amigos el 7 de Agosto de 1974 tras una madrugada muy complicada logra hacer pasar el cable de un lado al otro de las torres y Petit puede realizar su sueño, estar durante 45 minutos cruzando las Torres Gemelas antes de ser detenido, pudieron burlar todas las medidas de seguridad y ese día en Manhattan la gente miraba al cielo para observar pura poesía en el acto que realizaba nuestro protagonista.

Algunos declararon que Philippe Petit había realizado el crimen artístico del siglo XX, de como un hombre ayudado de sus amigos había logrado la proeza de mantenerse suspendido en un cable por el cielo de Manhattan a unos 450 metros de altura, sin permisos, todo en secreto. La relación con sus amigos lejos de parecer idílica incluso parece un poco forzada, quien está siempre a su lado es su mujer, algunos de ellos enseguida querian abandonar el proyecto y no estaban seguros de la locura que estaba pertrechando este personaje, pero una vez arriba y cuando la noche estaba dejando la ciudad entonces disfrutaron de la proeza de Petit. Un documental donde lo fascinante está en la historia y el simbolismo que ese hecho trae en sí pero que de ritmo anda un poco desajustada porque incluso se hace un poco pesada hasta que por fin ves las imágenes donde el funambulista se sube al cable y ves la tremenda belleza de una pequeña figurita negra andando por el cielo entre las dos torres. Una historia muy bonita donde cuando escuchas al protagonista empatizas con él y sales con una sonrisa tras su visionado.

Para Recordar: La historia y el simbolismo del documental.
Para Olvidar: Algunos monólogos de los protagonistas un tanto vacíos.



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Un prophète (Un profeta)

Producción francesa del año 2009 dirigida por Jacques Audiard ganadora del premio del jurado del Festival de Cannes, 9 premios César (entre ellos mejor actor por Tahar Rahim) y nominada al Óscar a mejor película de habla no inglesa, esta madrugada se sabrá si gana el premio. Malik El Djebena es un joven árabe de 19 años que ingresa en prisión y tiene una condena de 6 años, el delito y las causas no importan, simplemente es un muchacho de clase baja analfabeto que no sabe hacer nada y tendrá que sobrevivir al presidio. En sus primeros días al no tener protección recibe varias palizas y lo pasa bastante mal, hasta que un día se fija en él César Luciani, un veterano de la cárcel que es el jefe de un clan mafioso de Córcega. Luciani trata con mano de hierro a nuestro joven protagonista, es un líder y ve que cada día en la cárcel hay menos franceses occidentales y más árabes, por eso a medida que Malik va cumpliendo las misiones que Luciani le va encargando va subiendo en la escala social carcelaria e incluso disfruta de permisos para realizar otras misiones fuera de la cárcel. Malik es un chico espabilado que ni las religiones, ni los nacionalismos ni el rencor le paran para conseguir su meta. Es un líder tapado cuyo único objetivo es sobrevivir, estar al lado de sus amigos y llegar a ser incluso una persona decente.

Hubo una frase que leí acerca de este film que estoy complementamente de acuerdo, 'Un profeta' es la obra con que Auidard rueda su propia versión del gran clásico 'El padrino'. De como un inmigrante acaba en una cárcel y con el único arma que tiene que es su inteligencia y sus dotes de observación logra convertirse en una persona que sale hacia delante con brillantez. La eterna historia del hombre hecho a sí mismo, que no llora sus fatalidades, sino que se apoya en ellas y con su determinación avanza para construir una vida mejor. Malik no sólo es la mano derecha de Luciani que podría ser lo cómodo y ser un pelotilla, sino que se deja las manos cosiendo pantalones en el presidio, aprende italiano para realizar negocios en los casinos con la mafia corsa y monta sus propios trapicheos junto a 'El gitano' y ayuda a sus compatriotas árabes, eso si, nunca con fundamentalismos. Juega con su inteligencia y con ello podrá sobrevivir al duro ambiente con el que se tiene que enfrentar con apenas 19 años. En definitiva un tipo de relato que a mi me gusta mucho, historias como antes he citado de hombres hechos a si mismos, así que no puedo más que definir esta producción como un peliculón.

Para Recordar: El brillante guión que no se hace larga la película a pesar que son 150 minutos y las interpretaciones de Tahar Rahim como Malik y Niels Arestrup como César Luciani.
Para Olvidar: Relacionar la música rap con la marginalidad de las calles y que siempre en las películas francesas algún momento trascendental del film tenga que ocurrir en París, me parece una tonteria.



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The Road (La carretera)

Producción americana del año 2009 dirigida por John Hillcoat, adaptación de la novela homónima ganadora del premio Pulitzer escrita por el brillante Cormac McCarthy. El apocalipsis ha llegado a la Tierra y un padre con su hijo vaga por la carretera en busca de la costa para agarrarse en algo y así seguir sobreviviendo. El padre siempre le dice al hijo que ellos son de los "buenos" y que hay que seguir hacia delante a pesar de las dificultades de desnutrición, saqueos, malas condiciones climatológicas, etc... Caminan por un mundo donde no hay nada, siguen viviendo por mero instinto de supervivencia y se protegen con su pistola. El suicidio es una práctica generalizada en este mundo que ni siquiera se sabe porque de repente todo se ha venido abajo, el padre quiere que su hijo esté preparado para cuando no esté él y no confia en nadie más que en él para enseñarle el buen camino. En su locura no distingue entre lo que dice él que son los "buenos" y los que son los "malos" porque después de la tragedia todos se han convertido en "malos" y no va a compartir nada. Su único sentimiento es el amor por su hijo y hará todo lo que él crea posible porque tenga la más mínima infancia y la humanidad que él ya no va a volver a tener jamás.

Un relato acerca de la condición del ser humano en una situación totalmente adversa y al límite, de como un padre felizmente casado con su hijo pequeño se ve abocado de la noche a la mañana a vagar con un arma sólo con su hijo por la pérdida voluntaria de su mujer y dedicarse a proteger las 24 horas del día a su vástago. De esta película podemos destacar casi todos los aspectos que deben tener una buena producción, los actores principales Viggo Mortensen, Charlize Theron y Kodi Smit-McPhee lo hacen estupedamente, sobre todo Mortesen. Los actores secundarios son maravillosos, a destacar el papel de viejo de Robert Duvall y los aspectos técnicos que redondean el film, banda sonora realizada por mi admirado Nick Cave y fotografía del español Javier Aguirresarobe. El guión de la película era muy sencillo al tener un buen material como esta gran novela de McCarthy. Una curiosidad es que al leer este libro hace tiempo mucho antes de que se hiciese la película yo me imaginaba en el papel principal a Viggo Mortensen y resultó que luego fue así, me alegró mucho cuando me enteré. Un relato digno del buen cine de antaño donde la tragedia se torna en esperanza por la condición humana de un gran padre.

Para Recordar: La música de Nick Cave, la novela de McCarthy y la interpretación de Viggo Mortensen.
Para Olvidar: Flojea y no casa mucho con la historia el personaje de la madre interpretado por Charlize Theron. Se lo podían haber ahorrado.



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Berlin Calling

Producción alemana del año 2008 dirigida por Hannes Stöhr. Martin Karow es Dj Ickarus, interpretado por el DJ profesional alemán Paul Kalkbrenner. Su vida se ciñe a su profesión, noches enteras pinchando en clubs de todo el mundo sus creaciones de música electrónica y durante el día va de aeropuerto en aeropuerto junto a su novia y manager Mathilde, en el momento del relato además Ickarus está en pleno proceso de elaboración con su nuevo disco y en conversaciones con su discográfica. En las noches nuestro protagonista junto a su amigo camello prueban de todas las drogas, cocaina, ketamina, MDMA y muchas sustancias más, esto se hace algo cotidiano y el colocón dura varios días seguidos. Una noche le da un ataque al corazón a nuestro DJ y es ingresado en un centro de desintoxicación para recuperarlo, la discográfica le da la espalda y la gente que tiene alrededor suyo. No tardará en abandonar el centro para pegarse un fin de semana lleno de excesos junto a una fan. Cuando Martin ve que está cerca de la locura ingresa nuevamente en el centro, esta vez de forma voluntaria y ve la luz al final del túnel a través de su talento con la música electrónica, como tal Ave Fénix resurge de sus cenizas.

Nos encontramos con un relato rabiosamente actual de nuestros días, en concreto de una ciudad como es Berlín, cuna de la música electrónica donde hay unos personajes que son un colectivo de artistas donde su principal problema es que no pierdan la cabeza y afloren sus instintos de autodestrucción como le pasa a nuestro protagonista. El film gira en torno al personaje de Paul Kalkbrenner, reputado DJ alemán que también construye la estupenda banda sonora del relato y que durante estos primeros meses del 2010 está en plena gira de este disco, es decir, la película se ha convertido en realidad y ahora el que antes fue actor pulula de aeropuerto en aeropuerto para dar a conocer sus creaciones, en España también tendrá su parada en Barcelona en el Nitsa Club. Una película que por cierto no ha sido estrenada en ningún cine de España y que me ha resultado muy difícil conseguir. Es una pena que sea tan complicado ver una película europea sea alemana, francesa o danesa en España, es algo realmente preocupante.



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La meglio gioventú (La mejor juventud)

Miniserie de producción italiana dirigida en 2003 por Marco Tullio Giordana, ganadora del premio del jurado en el Festival de Cannes y de 6 premios David de Donatello. Nicola y Matteo Carati son dos hermanos nacidos en Roma que transcurre su juventud a finales de los años 60's. Ambos hermanos son estudiosos y aplicados, en su camino se cruza Giorgia, una chica desequilibrada que se encuentra en el centro de prácticas y que deciden ayudar. El camino de los dos hermanos se separará a partir de la detención de Giorgia cuando huían con ella. Matteo se vuelve más introspectivo e ingresa en el ejército, Nicola prefiere viajar hasta Noruega y continuar sus estudios para luego ir a Turín a terminarlos. A través de cuatro décadas vemos la evolución de estos dos hermanos y de un país cuyos hechos afectan en los acontecimientos de la familia Carati y a todos los personajes que les rodean. Desde las inundaciones de Florencia, las protestas estudiantiles de Turín, la detención de miembros de las Brigadas Rojas, el asesinato del juez Giovanni Falcone o el Mundial de Fútbol ganado por la selección en el año 1982.

Nos encontramos con la familia Alcántara a la italiana en una versión de la serie "Cuéntamo como pasó" pero con una calidad muchísimo mejor que la serie española y una duración adecuada para contar una sucesión de hechos de una familia que tiene una gran verosimilitud con aquellos tiempos de la Italia de mediados-finales del siglo XX. Con estilo narrativo muy elegante y un guión muy elaborado y hasta casi literario por nuestros ojos van pasando las diferentes tragedias que tiene que afrontar nuestro protagonista Nicola Carati, un hombre bueno que quiere ayudar a los demás y que al principio cree que sólo hay que ir dejando pasar los hechos para que se vayan arreglando solos pero que al final tiene que tomar duras decisiones para mantener el cariño de los suyos y poder cuidar solo a su hija. Una gran banda sonora que comienza con "House of the rising sun" de los Animals y unas estupendas interpretaciones sobre todo del hermano de Nicola, Matteo, dan una serie redonda y una visión de todo un país en apenas seis horas, magníficos los planos de ciudades como Roma, Turín, Palermo, etc... Un documental de Italia que me tengo que inclinar hacía él y recomendar encarecidamente su visión.



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El truco final

Dos magos de principio de siglo, Robert y Alfred, se ganan la vida en la dura Inglaterra Victoriana: Compañeros y amigos, disfrutan haciendo lo que mas les gusta. Entre actuación y actuación, van pensando como dar una vuelta de tuerca más a sus números más especiales. Todo orientado a llegar al cenit de todo prestidigitador: el prestigio. Una sorpresa final, que impresiona al público y genera los aplausos más ruidosos. En una de las consumaciones de este hecho, Alfred en su labor de infiltrado en la sala, comete un error a la hora de atar las manos a la esposa de Robert. Esta muere inevitablemente ahogada y el odio de su marido recae sobre el otro mago. Enemigos para siempre, los artistas empiezan una carrera paralela. Una carrera que gana Alfred gracias a un truco nunca visto. Con sucios ardiles, el contrincante consigue el nombre de un científico que le puede ayudar a imitar semejante truco. Nada más y nada menos que el más importante inventor de todos los tiempos: Nicola Tesla. Con un aparato de otro siglo, Robert compite con Alfred en gloria y fama hasta que una coincidencia fatal, acaba con uno de ellos en el patíbulo ¿podrá la magia superar a la mismísima muerte?

El truco final o El prestigio, como queramos llamarla, es una obra de cine fantástico que el siempre sorprendente Christopher Nolan, dirigió y escribió junto a su hermano Jonathan en 2007. Con una impecable actuación de sus protagonistas, la historia repleta de detalles, va creando una trama de suspense que culmina en un final digno del título. Debo reconocer que me mostraba escéptico en cuanto a las buenas críticas de público que obtuvo en su momento; y también debo quitarme el sombrero ante la gran calidad que finalmente he comprobado que tiene. No en vano ocupa el puesto 74 en imdb. Un film altamente recomendable, por su gran aportación al género fantástico. Una nueva joya del bueno de Nolan.

Nota: 9


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3055 Jean Leon

Producción documental española dirigida en el año 2007 por Agustín Vila. Jean Leon nuestro protagonista se puso ese nombre cuando llegó como polizón a Nueva York procedente de Marsella, en realidad él no es francés y se llama Ceferino Carrión, nacido en Santander y ciudadano de Barcelona hasta que su familia se exilió en Francia a causa de la Guerra Civil. Una vez que Jean Leon logra su objetivo de llegar a tierras americanas viaja hasta Los Ángeles para hacerse actor, pero ese sueño se trunca pronto y se pone a trabajar de taxista, luego por la noche consigue un segundo trabajo como camarero y conoce a muchos actores, entre ellos a Frank Sinatra con el que hace buenas migas. Habla con James Dean para poner un restaurante pero ocurre el fatal accidente de coche del actor. Ese revés no impide que consiga abrir 'La Scala' con el dinero que le presta su cuñado. Este restaurante se convierte en el hogar de mucha gente de Hollywood y Jean Leon los trata como si fuera su propia familia, por allí desfilan habitualmente Dennis Hopper, Natalie Wood, Paul Newman, Marilyn Monroe, etc... Ceferino nunca niega a nadie una mesa aunque los tenga que poner a comer en la propia cocina. Con el tiempo intenta reinventarse y exploró otra zona, la de Tailandia.

Interesante documental que puso la televisión pública hace unas semanas. El género documental español tiene un gran nivel pero no cuenta con mucha difusión, esta es otra agradable sorpresa a la que sumar por ejemplo los documentales de Joaquím Jordá. En este documental da gusto ver y escuchar lo bien que hablan grandes estrellas de Hollywood como Dennis Hopper sobre este peculiar aventurero español. Pero el relato no sólo se queda en la mera anécdota de si le hacian fetuccinis a Elizabeth Taylor y los llevaban hasta Londres, sino que quiere mantener ese espiritu de supervivencia, reinvención y libertad que tiene el protagonista del film. Jean Leon reflexionaba que donde había sido más feliz fue en su época que llevaba el taxi porque era su propio jefe y si quería podía conducir sin ritmo hacía donde su intuición le llevase, cosa que hacía a menudo en esa época en su coche con número 3055, de ahí el nombre de la película. Un hombre que dejó una profunda huella por su carisma y su esfuerzo en mantener su independencia, no es que sea un ejemplo a seguir pero para mi es admirable.



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Renaissance

Año 2054. En todo el mundo se ha iniciado una revolución por mantener la belleza exterior. La lucha por vender los mejores productos es atroz. La juventud eterna es la quimera que buscan todas las empresas del sector. Empresas como Avalon con sede en Paris, que cuenta con investigadores genéticos de los más importantes del mundo. Una de estas investigadoras, es misteriosamente secuestrada. Un rapto de lo más sospechoso, pues no hay móvil aparente. El inspector Karas, un policia de élite de los cuerpos de seguridad franceses será el encargado de llevar la investigación. Como si de una piedra se tratara, cada vez que que se acerca más a la verdad, más bichos salen debajo de ella. Una verdad sorprendente que pondrá al imperturbable policía en un dilema moral del que no puede salir bien parado.

Impresionante película de animación, mezcla de cine negro y ciencia ficción que fascinó al mundo del 7º arte alternativo en 2006. Al más puro estilo de Sin City, la técnica de realización de este film es sublime. El indiscutible punto fuerte de la obra, su diseño gráfico, se ve acompañado de un correcto guión que recuerda nostalgicamente al cine policiaco de mediados de siglo XX. Con una estética clásica, los actores virtuales se desenvuelven perfectamente como sus homónimos de carne y hueso. Integramente dibujada, Renaissance es una apuesta visionaria del cine Europeo que supera con creces (en calidad visual e historia) a la mayoría de los largometrajes de este género, procedentes de Norteamerica y Asia. Un gustazo para los que nos gusta la evolución del arte en el viejo continente.

Nota: 8,8


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Persiguiendo a Amy

Holden y Banky son dos amigos de toda la vida a los que les une mucho más que una amistad. Trabajan juntos dibujando comics y comparten piso. Todo en la vida les funciona fenomenal hasta que en una fiesta conocen a Alyssa Jones. Esta guapa y enigmática mujer, pronto cautivará el corazón de Holden. Sin embargo un problema inesperado bloquea cualquier relación: la chica es lesbiana. Esto no frena al muchacho que disfruta como nunca con la bella chica. Cierto día decide lanzarse y revelarle sus sentimientos; sorprendentemente, Alyssa accede a salir con él, lo que provocará en Banky unos celos desmesurados. El enojado amigo, investiga en la vida de la mujer y descubre que no es lesbiana; es más, anteriormente disfrutaba de una lujuriosa existencia en la que el sexo primaba por encima de cualquier otra cosa. Banky, narra este hecho a su mejor colega y la relación con la señorita Jones se deteriora; el hombre no tolera que su chica se haya acostado con media ciudad y decide abandonarla. Por la parte femenina, ella no entiende que su pasado sea un obstáculo, cuando eso ya no lo volverá a hacer ya que esta súper enamorada del dibujante. Y entre estos líos Holden tiene una idea peregrina para recuperar tanto la amistad de Banky como el respeto por Alyssa. Una idea alocada que terminará de la forma más racional posible.

Obra cumbre del admirado Kevin Smith. La consagración de su comedia ácida curiosamente llega con su realización más melodramática. Como si de un Woody Allen macarra se tratara, Smith refleja las relaciones sentimentales de los treintañeros de manera elocuente y mordaz, a la vez que habla de temas tabú con la mayor naturalidad. Conversaciones brillantes, legendarias dentro del ámbito independiente (como la conversación que por fin tienen Bob el Silencioso acerca de Amy y que da título al film), salpican las casi dos horas que dura este largometraje. Mirando más allá del gamberrismo de sus obras anteriores (Clercks, 1994 y Mallrats, 1995), Persiguiendo a Amy retrata valores muy importantes de los jóvenes de más de 30 años: los celos del amigo de toda la vida cuando su colega encuentra novia, los miedos del género masculino cuando coincide con una mujer libertina, la dificultad de tener una relación estable cuando se ha pasado por múltiples parejas, la dificultad de encontrar lo que se quiere sin probarlo todo… Un compendio de situaciones irreverentes, que a muchos nos resultan familiares, para completar un guión más que brillante y coronar a uno de los clásicos más alabados del cine independiente.

Nota: 9,3


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El Hombre Perdido

Estamos en la Alemanía de finales de la segunda Guerra Mundial. El pueblo alemán sobrevive como puede a la locura de nazis y aliados. Crímenes, robos, huidas... todo tipo de situaciones para intentar seguir vivo en aquel infierno caótico. Uno de estos personajes anónimos que ha conseguido seguir adelante es el Doctor Karl Neumeister; Karl trabaja en un pequeño campo de refugiados, cuidando de los enfermos que allí habitan. Un trabajo tranquilo y anodino que cumple con todas las expectativas del modesto médico. Pero la tranquila existencia del matasanos, se verá truncada con la aparición de un extraño conocido del pasado. Un ser frío y altivo, que viene a imponer el miedo en la relajada vida del doctor. Miedo en forma de oscuro pasado; un pasado aterrador, sucio y despiadado. Un pasado que ha condicionado al médico desde siempre. Sin embargo, Karl no está dispuesto a que vuelva a ser así. Quiere poner fin a esa situación; quiere que se terminen las pesadillas; quiere que todo, absolutamente todo lo que fue Karl Neumeister, sea borrado de una vez por todas…

Impresionante “devaneo” del prolífico actor Peter Lorre (113 obras como actor) con la silla de director. Tras actuar en joyas del cine como son 'Arsénico por compasión', 'Casablanca' o 'El Halcón Maltés', Lorre se atreve con un peliculón de cine negro de lo mejor que he visto. Una película sería, fría, sin concesiones a la piedad o a la comercialidad. Una historia construida desde el conocimiento completo de lo que se quiere narrar. Una historia de Alemania tan fascinante como desconocida. Llevada magistralmente por Lorre en la dirección y… como, en el papel protagonista. El peso del personaje de Lorre va cautivando al espectador, hasta el punto de atraparlo en su angustia. Sin saber muy bien como, iremos comprobando como un ser humano puede llegar a lo más bajo de su condición. Y hacerlo sin ni siquiera inmutarse. El mal y la desesperación se unen, para crear un monstruo que no lo es tanto en aquella época, en aquella Alemania sucia y desconsolada. Un interesante ejercicio de cine en estado puro, para los amantes de lo clásico. A destacar el retrato del pueblo germano cuando la Gran Guerra estaba agonizando.

Nota: 8,7


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Odgrobadogroba (De Fosa en Fosa)

Producción eslovena del año 2006 dirigida por Jan Cvitkovic, ganadora del premio al mejor director novel en el Festival de San Sebastián. En un pueblo de la Eslovenia rural, Pero es un chaval alrededor de la treintena de años cuya profesión es leer el discurso final de homenaje en los funerales de la gente de su comarca, no hace discursos al uso sino que a través de sus propias vivencias las infiere en la persona fallecida y lo hace con un enorme respeto y solemnidad, esta costumbre de que Pero lea en el entierro es ya algo indispensable en esta región eslovena. Además en la vida de Pero giran varios personajes como Shooki, su mejor amigo, que quiere morir antes que Pero para que le haga un buen discurso o su padre Dedo, un hombre ya mayor que al perder a su mujer quiere suicidarse pero nunca lo consigue. También están las hermanas de Pero, Ida, que es sordomuda y muy amiga de Shooki y Vilma que tiene un hijo y un marido que es un desastre, siempre está desaparecido y aparece por casa cuando le da la gana.

Humor balcánico para esta comedia rural con tintes negros donde el director hace un guión bastante bien formado sobre todo en los discursos funerarios del protagonista. No es una comedia al uso y hay situaciones que chirrian un poco en la película donde el ritmo a veces es muy rápido y en otras se espesa un poco. A destacar la buena banda sonora de la película donde se balcanizan temas muy populares y también ese aroma que desprende a cine francés con los distintos artilugios de Shooki y Pero al más puro estilo de 'Delicatessen'. Una producción que resulta simpática y que hace ver que no sólo el cine se hace en países europeos donde el nivel de vida es bastante alto o en EEUU, también existen estas pequeñas joyas procedentes de paises del Este donde Rumanía está avanzando a pasos agigantados con Christian Mingiu por ejemplo. Espero encontrar muchas más sorpresas como esta.



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Malditos Bastardos

Estamos en la Segunda Guerra Mundial. No en la Segunda Guerra Mundial que todos conocemos. No. Estamos en una contienda alternativa, dónde un grupo de desalmados soldados aliados, conocidos como "Los Bastardos" siembra el terror entre las filas Nazis. Tan brutales como efectivos, se han propuesto un objetivo de lo más ambicioso: Matar a Hitler. Objetivo perseguido por demasiada gente. Los Bastardos trazan un elaborado plan que se concretará en una sucia taberna de pueblo. Una taberna intrascendente en un primer momento, pero que será crucial para el desarrollo de los hechos posteriores. Nada saldrá como lo habían ideado, aunque Los Bastardos no se detendrán hasta haber cumplido su misión ¿lo conseguirán?

Última 'locura' del polifacético Quentin Tarantino y nuevo chasco para sus incondicionales. Con una idea novedosa, la de inventarse un desenlace alternativo de la Segunda Guerra Mundial, Tarantino ha construido una amalgama de situaciones lineales en el tiempo y demasiado inconexas. Cierto es, que hay tres episodios geniales: el del comienzo, cuando seleccionan al experto en cine y el de la taberna; pasajes sublimes con un guión made in Tarantino, robusto, original y repleto de chispazos de humor negro. Estos cortes son islotes en un riachuelo compuesto por una trama simple carente de nudo: nos presentan a los protagonistas e inmediatamente nos encontramos con el desenlace. Un desenlace muy tópico, dónde los malos malisimos son castigados por la mano de un dios justiciero, que les hace sufrir una muerte lenta y dolorosa. A destacar la aclamada interpretación de Christoph Waltz (Mejor Actor en Cannes 2009), que le hace subir muchos enteros a esta mediocre obra de Tarantino. Si eres fan de este director, vale la pena ver el film, por los momentazos, puntuales eso si, que nos regala Quentin en esta nueva rayada suya.

Nota: 7


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I Hired a Contract Killer (Contraté un asesino a sueldo)

Producción finlandesa del año 1990 dirigida por el más prestigioso director de este país nórdico, Aki Kaurismaki. Nos vamos al Londres de los primeros años 90's donde Henry Boulanger interpretado por Jean-Pierre Leaud es un hombre de clase media, gris y sin ningún tipo de vida que se dedica a su trabajo de oficinista en las dependencias de la autoridad de aguas del Reino Unido. Henry es francés pero ya lleva quince años en Inglaterra trabajando en concreto para esta empresa. Los recortes llegan por una crisis financiera que se está pasando, entonces los despidos son inevitables y comienzan con los que no son del país, así Henry se queda de la noche a la mañana sin trabajo pero con un reloj de oro de la empresa. Para Henry ya no tiene sentido su vida ya que todo giraba alrededor de su sórdido empleo, así que intenta suicidarse pero el hombre es tan patético y cobarde que no lo consigue. Se le ocurre la idea de contratar un asesino a sueldo para que se encargue de él mismo, pero una noche la vida de Henry cambia y conoce a Margaret, ahora ya no quiere morir y tendrá que buscar a los jefes de su asesino para cancelar el trabajo antes que el asesino lo encuentra a él.

Comedia no al uso donde Kaurismaki emplea todo su humor ácido y surrealista en situaciones disparatadas. Hay momentos en la películas que no sabes si el director se está quedando contigo o que simplemente te arrancan una sonrisa, por ejemplo los intentos patéticos de suicido del protagonista, o como en el robo de la joyería se la meten doblada o como el asesino de Boulanger es tan torpe que no consigue nunca acabar con él. A destacar también el breve papel en la película del cantante de 'The Clash' Joe Strummer que interpreta un tema en un pub donde está Henry y luego pasan los jefes que han ordenado el asesinato contratado por nuestro protagonista. En definitiva un relato simpático de la marca made in Kaurismaki donde destaca el humor caústico de este genial director y la gran banda sonora que imprime a todos sus relatos, esta vez tenemos temas del propio Strummer, música negra y hasta tangos como 'Mi Buenos Aires querido' de Carlos Gardel.



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A Guide to Recognizing Your Saints (Memorias de Queens)

Producción americana del año 2006 dirigida por Dito Montiel, basada en la novela homónima escrita por el mismo Dito Montiel donde están los componentes autobiográficos de este autor. Premio en Sudance a la mejor dirección y premio especial del jurado al reparto. Dito Montiel es el hijo único de una familia del barrio de Astoria en Queens (Nueva York), es el hijo de Monty y Flori y es un hijo tardío ya que el matrimonio lo llevaba intentando desde hacía tiempo. En el barrio, Dito es amigo de Antonio y de Nerf, son jóvenes italianos que se crian en un suburbio a las afueras de la gran ciudad en los 80's, Monty tiene mucha confianza en Antonio y en vez de escuchar a su hijo en las trifulcas que tienen con los puertorriqueños delega en Antonio las soluciones a los problemas de su hijo ya que Antonio es fuerte y duro como Monty quiere que sea su hijo. Hasta el Astoria llega Mike, un irlandés aficionado a la música que enseguida se hace amigo de Dito y empiezan a pensar que lo mejor es irse del barrio para organizar su vida en California. Los acontecimientos se precipitan con una violencia inusitada en el asunto de los puertorriqueños y Dito escapa. Pasados los años Dito recibe la llamada de su madre diciéndole que su padre está muy enfermo, ahora es la decisión de nuestro protagonista la de volver al barrio o no.

Películas que tratan sobre italianos y suburbios neuyorkinos hay a patadas donde se cumplen los tópicos de la familia, la mamma, violencia y amistad. Está película es diferente en el estilo de narración porque parece que estamos más en el libro de Montiel que viendo propiamente en la televisión un film, con una dirección de actores muy acertada en cuanto al casting sobre todo de los personajes de los 80's y una estupenda banda sonora son los puntos más atractivos de este relato, en contraposición el papel de Robert Downey Jr me parece totalmente hierático, de poca expresividad y algo vacío, la historia de la vuelta al barrio por la enfermedad de su padre no está muy trabajada. Hay secuencias muy buenas como los planos del paisaje de Queens que me parecen muy bien hechos o cuando los personajes miran a la cámara de frente y escapan sus frases de que esta vida es una auténtica mierda. Me recuerda mucho a 'Una historia del Bronx' de Robert de Niro pero un peldaño por debajo de esta en que el tratamiento es un poco más moderniki pero hay lagunas a nivel de lenguaje cinematográfico que serian mejorables.



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Cruzando el puente: Los sonidos de Estambul

Documental alemán del año 2005 dirigido por Fatih Akin y cuyo presentador de lujo es Alexander Hacke, bajo de la banda de rock alemana Einstürsende Neubaten. Este músico estuvo por primera vez en Estambul componiendo algunas canciones para la película de Akin 'Contra la pared' y se quedó fascinado por el sonido de la ciudad y por los diferentes movimientos culturales en cuanto a música que recorren toda la ciudad, ahora ha llegado el momento de grabarlos en presencia de la cámara de Akin y los micrófonos de Hacke, además nuestro músico colaborará con alguna banda turca para grabar algunos temas, así estará con Baba Zula en un barco tocando durante un día a través del Bosforo o con Sezen Aksu interpretando un tema de la famosa cantante turca Müzeyyen Senar, cantante de 86 años muy conocida en el país.

En el documental se hace especial hincapié de la posición estratégica de Turquía, punto de encuentro entre las civilizaciones occidental y oriental donde los turcos reflejan perfectamente la convivencia de ambos estilos de vida, en Estambul han cruzado por el puente del Bosforo 72 culturas diferentes y es una de las ciudades musicalmente más ricas que existen y pueden convivir tanto músicos de rock, rap, hip hop con otros estilos más tradicionales como la música con el safi, música kurda especialmente bien interpretada en un baño turco del siglo XVIII por Ainour o la música de los gitanos del Kesan donde Hacke se dirige por su amistad con el músico turco Selim Sesler. En definitiva una iniciativa parecidas a las de Carlos Saura con los tangos, flamenco y fados donde Akin, director alemán de origen turco, junto al gran Hacke logran que te entren unas ganas terribles de visitar Estambul no para ir al gran zoco a regatear o ver Santa Sofía, sino recorrer las calles y empaparte de esos sonidos que hacen que Estambul sea una de las ciudades con más vida de la Tierra donde Oriente y Occidente se dan la mano desde el respeto y la tolerancia, gran precepto de los sufís.



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