This is England

Producción inglesa dirigida en el año 2007 por Shane Meadows. Premio al mejor film en el certamen de películas independientes británicas. Shaun es un chaval de 12 años, vive en un pueblo gris y costero al sur de Inglaterra de los años 80 y su vida transcurre entre el colegio y su madre ya que su padre cayó en combate durante el conflicto de las Malvinas en el año 83 contra los argentinos. Los niños se rien de Shaun, es encleque y pequeño pero conoce a Woody, un chaval mayor que lo cuida y lo protege, Shaun entra en el grupo de amigos de Woody que es un grupo muy cercano y con conexiones a los skin heads. Todo cambia cuando sale de la cárcel Combo, un skin racista que adopta el papel de progenitor de Shaun dejando a un lado a Woody. Con Combo el grupo de amigos se separa y los que se quedan al lado de este skin cometen todo tipo de actos vandálicos contra las minorías étnicas. Para Shaun, Combo es un modelo a seguir que hace honrar la memoria de su padre caído en combate, luego la realidad y la experiencia hará que Shaun vea destruida su inocencia y su niñez.

Cine social que ha causado gran sorpresa este pasado año 2007, pero no sólo se queda en la denuncia de los unos locos skin heads que van cometiendo tropelías. Es un relato muy bien formado, con un ritmo adecuado, una gran banda sonora y unas actuaciones, sobre todo a cargo de Thomas Turgoose (Shaun), brillantes y convincentes. Son muy importantes los personajes secundarios y no se cumplen los tópicos o clichés que abundan en este tipo de films donde hay buenos muy buenos y malos malisimos. Una reflexión que a mí me quedó del relato es que los skins racistas acumulan un odio desmesurado a falta del cariño que cualquier persona necesita, Combo estaba enamorado de la chica de Woody, el gordo no quería que se riesen de el y Shaun echaba de menos la figura paterna que le faltaba en su vida. En definitiva una película que recomiendo su visión y que me dejó impactado, mucha atención a su banda sonora, música de calidad, muy buena.



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Invisible Waves

Producción tailandesa del año 2006 dirigida por Pen-Ek Ratanaruang, nominada al Oso de oro en el festival de Berlín. Kyoji es un japonés tiene que hacer un trabajo en Macao, no es un trabajo cualquiera porque tiene que envenenar a la mujer de su jefe porque ha descubierto la relación que tienen ambos, va a poner a prueba a su leal servidor. Tras cometer Kyoji el envenenamiento el jefe de la banda manda a nuestro protagonista de vacaciones forzadas a Tailandia, durante todo el trayecto Kyoji se siente culpable por el crimen que acaba de cometer, esas olas invisibles arremeten contra su conciencia y expiación y culpa son infinitas. Una vez que está en Tailandia el jefe ordena la eliminación de Kyoji pero sus sicarios fallan en el intento. Kyoji volverá a Japón para saldar cuentas en un sorprendente final.

Brillante historia de este reputado director tailandés, el más alabado fuera de sus fronteras. El relato tiene dos partes bien diferenciadas que hacen que muchas críticas hacia la película vengan por una parte u otra. En la primera parte todo es muy reposado y tranquilo, un ritmo lento y denso donde se comete el crimen y donde se nos invita a la reflexión de un viaje que hace el protagonista. La segunda parte es el desenlace, más dinámica y de ritmo más convencional para el cine. Yo soy de la opinión de que la primera parte se podría haber acortado más pero también hay otras críticas que dicen justo lo contrario. Aún así el resultado de la película te deja un buen sabor porque te cuenta una historia interesante acerca de fidelidad, honorabilidad y la culpa. Sentimientos que en el cine actual andan algo olvidados. Recomendada para amantes del cine asiático que verán más cosas que un espectador al uso ya que los actores están perfectamente elegidos y son grandes figuras del cine de Oriente que te recuerdan a otros relatos.



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Knocked Up

Una brillante joven americana, acomete uno de sus más importantes logros profesionales: va a presentar un espacio televisivo. Un programa del corazón en una cadena privada. La chica, entusiasmada por la idea, sale a celebrarlo con su hermana mayor. Cerveza tras cerveza, rie y disfruta bailando en una discoteca. Incluso se lanza a hablar con el típico gordito macarra que le entra a todas las tias. La cosa se va de madre y termina fornicando con el imberbe jovenzuelo. Un noche de sexo, sin control y sin medidas preventivas. Y pasa lo que tiene que pasar; la chica queda embarazada y su brillante futuro se vuelve gris al pensar que el padre es un tirado de la vida. Es entonces cuando empiezan a conocerse realmente; con todos los problemas de una pareja normal resumidos en 9 intensos meses. La familia, el trabajo, los amigos... todo en plan irónico y exagerado, pero que nos hace recordar muchas de las anecdotas que tiene la vida en pareja.

Hoy tenemos una joya de la nueva comedia americana. Traducida en nuestro país como 'Lio Embarazoso', he incluido el título original por parecerme la mejor manera de catalogar esta gran obra. Un guión ácido, ágil, dónde podemos vernos reflejados tanto en el lado masculino como el femenino. Mordaz en cada fotograma, las situaciones desmesuradas que nos plantea el director, nos hacen reir a la vez que avergonzarnos al recordar momentos parecidos en nuestra vida. Inteligente, fresca, podiamos decir que esta en la linea de las clásicas comedias Yankis; una mezcla imposible entre Billy Wilder y Kevin Smith. Aunque no me gusta poner frases de otros críticos, me parece interesante incluir algunas opiniones sacadas de filmaffinity (para mas detalle ver el link):
"Un clásico instantáneo, una comedia que captura la confusión sexual y la ambivalencia moral de nuestra época sin resultar forzada, consentida o sermoneadora. " (A.O. Scott: The New York Times)
"La comedia más deliciosa y certera vista en años (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Luis Martínez: Cinemanía)
"Acomete la prolija tarea, y sale victoriosa del intento, de fusionar dos géneros tan opuestos como la comedia romántica y la comedia gamberra, destroyer o chanante. (...) Impecable final (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

Nota: 8,9



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Ju Dou, semilla de crisantemo

Producción china del año 90 dirigida por Zhang Yimou, nominada al Óscar como mejor película extranjera. En la China rural y feudal de los años 20 un viejo anciano que se dedica al tinte de telas vive con un ayudante que lo recogió de pequeño pero que no es su hijo, su gran anhelo es tener descendencia, un hijo varón al que dejarle su negocio, para ello compra a su tercera esposa, Ju Dou. Este anciano no quiere reconocer su impotencia y paga su frustación con la esposa que ha comprado al igual que hizo con las dos anteriores. El ayudante va a consolar a Ju Dou y entre ellos surge un amor prohibido que culmina con el embarazo de Ju Dou. Con el nacimiento del niño la situación se complica al creer todo el mundo que el hijo de Ju Dou es del anciano y el ayudante tendrá que seguir su relación de amor con la esposa de su jefe a escondidas. Los rumores del pueblo a través de la historia son incesantes.

Bonita película de este creador chino que en verdad está contando una historia costumbrista mil veces vista y oida pero con una estética y un sentido de la honorabilidad difícilmente superables. Un aspecto interesante es que todos los personajes muestran su fortaleza y sus debilidades en el relato, así Ju Dou es una mujer maltratada pero se refugia en los brazos de otro hombre que le hace sentir mujer y repudia a su maltratador con verdadero odio. El anciano es un retrato de la frustación pero luego con el hijo que sabe que no es suyo disfruta y lo cuida y el ayudante tiene una batalla moral entre el amor verdadero que profesa por Ju Dou y el respeto que tiene hacia su maestro en el arte del tinte. Todo un rompecabezas que termina de estallar en la infancia del hijo bastardo donde muestra la crueldad y egoismo infantil y la jauría humana en que se convierten los continuos rumores acerca de la relación que se mantiene en la casa del anciano de las telas. Un film ganador de muchos premios que refleja una China rural que aún existe en la actualidad.



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Faustrecht der Freiheit (La ley del más fuerte)

Producción alemana del año 1975 dirigida por Rainer Werner Fassbinder que también interpreta al joven Franz Biberkopf que es un homosexual vulgar que trabaja en un circo como Fox, "la cabeza parlante", en Munich es detenido por estafador el dueño de este circo y Franz que es un personaje bonachón tiene la suerte que le tocan en la lotería medio millón de marcos debido a una intuición que tenía. Con el dinero Biberkopf se puede introducir en los círculos más selectos de la sociedad munichesa y conoce a Eugen, hijo de un empresario que posee una librería que está al borde de la bancarrota. Franz y Eugen inician una relación que por parte de Franz es sincera y por parte de Eugen es un interés hacía el dinero ganado por Franz en la lotería. Así Biberkopf pierde toda su fortuna en colmar de placeres a su amante y salva el negocio del padre de Eugen. Luego Eugen volverá con el que fue su amante, no aguanta la manera de ser vulgar y poco refinada de Fox "la cabeza parlante".

Después de ver el relato de Fassbinder "Todos nos llamamos Ali" y mostrar mi fascinación hacia el cine social que elaboró en esta segunda experiencia que he tenido este gran director muestra como las relaciones humanas se rigen como la naturaleza, el carácter débil sucumbe ante el carácter más fuerte, la jungla también está en el asfalto y las personas se comportan como animales con el añadido del frío raciocinio consciente del daño que le estamos haciendo al de al lado. En este relato el maltrato proviene como normalmente pasa de las clases más altas socialmente hacía las clases media-baja. En un alarde ingenio Fassbinder retrata como Eugen el poseedor de toda la verdad y el buen gusto social es una bestia educada que se aprovecha de la bondad y el enamoramiento de un chico que solo quería ser feliz y que su único golpe de suerte es definitivamente la losa de su tumba. Un final que invita a la desesperación culmina lo que es un cine del que muchas personas deberían aprender.



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American Gangster

Estamos en el Nueva York de los años 70. Una ciudad peligrosa y corrupta. Los camellos operan a sus anchas mientras las 3/4 partes de la policia acepta sobornos. Una excepción es el detective Richie Roberts. Un mujeriego bebedor con unos elevados principios de honor. Sin embargo ser poli y honrado en aquellos tiempos no era fácil. Y más cuando gente como el joven Frank Lucas trafica con heroína por valor de miles de millones de dólares. Hasta el ejército está involucrado en la venta de estupefacientes. El sistema se tambalea y ese leviatán que es el estado decide crear una fuerza de 'élite' para combatir el narcotráfico. En está época policia de élite es sinónimo de polcía 'limpia'; policia limpio es sinónimo de Richie Roberts. Con pocos medios y mucha entrega, las pistas van apuntando al adinerado Frank. Amenazas por parte de los dos bandos, vidas truculentas, droga en cada esquina... Todo serán obstáculos en los inicios de la hoy consolidada brigada de estupefacientes. Una brigada que coronará la actuación del detective Roberts con una sentencia que hizó tambalear el concepto de ley en la 'imberbe' ciudad de Nueva York.

Pelicula basada en una historia real, conducida de manera implecable por el gran R.Scott. El que podríamos llamar 'fabricante de películas de culto' (Alien, Blade Runner, Telma & Louise, Gladiator...), nos ofrece un relato crudo y real de la vida de un mafioso 100% americano. Frank Lucas (D. Washington), nacido en Carolina del Sur y criado en el centro de Harlem, representa la evolución del criminal norteamericano. Presentada como un thriller policial, la categoría interpretativa de sus protagonistas, transforma el film en una especie de epopeya dramática. Más dinámica que El Padrino (diciendo esto perderé la amistad de Marina) y más realista que Black Rain, la obra de Scott que hoy comentamos, para muchos será su consagración, aunque personalmente, espero que la faceta fantástica de este realizador estadounidense vuelva a hacernos soñar con ovejas eléctricas.

Nota:9,2

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Garras Humanas

En un circo familiar, las relaciones entre los artistas son muy estrechas. Sobre todo en las que interviene Nanon, la bella hija del propietario. Dos hombres muy dispares rondan su corazón. Por un lado está Alonzo, un disminuido al que le faltan los brazos; por otro está Malbar el forzudo de turno. En contra de lo que podía parecer, la chica se siente más atraída por Alonzo; la razón es que odia los abrazos masculinos. Los interpreta como un signo de esclavitud. Sin embargo, el manco es más tunante que titiritero; como treta para trabajar en el circo vendó sus manos a lo largo del cuerpo. Aunque ahora esta locamente enamorado de Nanon y teme que la chica al descubrir la verdad, lo abandone por el forzudo. Por esto, planea un acto descabellado: amputarse los dos brazos. Mientras permanece en la clínica, Malbar se decide a abrazar a Nanon; esta, siente el calor del hombre y se prenda definitivamente de su virilidad. Cuando Alonzo descubre el idílio es presa de la locura; intenta acabar con Malbar pero esa no es tarea fácil para un minusválido sin brazos...

Un nuevo experimento cinematográfico del director de Freaks, Tod Browning. Resulta más que interesante ver como en 1927, un cineasta podía jugar así con la realidad y la ficción. En lo que podía interpretarse como una obra pionera del superrealismo, "Garras Humanas" ofrece una mezcla imposible entre el amor y la minusvalía. Rodada en formato mudo, esta obra ofrece al espectador una dosis de cine en estado puro y nos recuerda que el mundo del cine también se ha conformado con films como el que hoy comentamos en piniculas.

Nota: 7,1

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To Be or Not To Be (Ser o no ser)

Producción americana del año 1942 dirigida por el director de origen alemán Ernst Lubitsch. Meses antes de la ocupación alemana por Adolf Hitler en la ciudad de Varsovia se está representando la obra de teatro Gestapo que es prohibida por el gobierno polaco no sea que ofenda al Fuhrer, la guerra estalla y uno de los soldados polacos descubre quien es el topo de la organización que va a llevar la información sobre la resistencia a las SS. Joseph Tura, el actor protagonista de la compañia de teatro junto a su mujer Maria Tura se harán pasar por el coronel de las SS Erhardt o por el traidor profesor Siletsky según convenga la ocasión y salvarán la información de la resistencia para que Polonia sea otra vez un país libre y Joseph Tura pueda representar en una Polonia libre el papel que más le gusta, el del príncipe danés Hamlet de la obra de Shakespeare.

Brillante comedia del genio Lubitsch que es la cima cinematográfica de este director exiliado en Hollywood, con un brillante guión hace una crítica muy irónica del nazismo y se rie de sus procedimientos y su incompetencia. Como trasfondo la historia del admirador soldado polaco que siente por Maria Tura, mujer del prestigioso actor de teatro Joseph Tura, pero a un lado se quedarán las rencillas por salvar el movimiento de resistencia contra los nazis y así poner a salvo las libertades de las gentes de Polonia. Unos diálogos geniales, unos giros de guión imprevisibles y una dirección de actores buenisima completan una de las grandes obras maestras del cine donde lo que más sorprende es que en el año 42 con tan pocos medios de cine se pueda realizar una historia con tanto ritmo que te deja atrapado y en ningún segundo desconectas con esos personajes tan peculiares. Para amantes de la comedia una película imprescindible.



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Cuentos de Terramar

En un reino remoto, en un país lejano, un rey es asesinado por su propio hijo. El principe, se da a la fuga, huyendo con la espada de su padre. Esta espada no se trata de un arma cualquiera: tiene un encantamiento por el cual, solo puede desenvainarla una persona con el corazón puro. La odisea del principe, le llevará por diferentes lugares, hasta conocer a un mago que vive plácidamente con su familia en una granja. En esa granja será dónde el principe conozca a su otro yo, el que le indujo al asesinato de su progenitor. Este ente, le conducirá a un misterioso castillo, en el que tendrá lugar una cruenta lucha para conseguir el control de la mágia.

No se puede concebir el cine japones moderno sin hablar de la animación; y no se puede hablar de la animación nipona sin citar a los Estudios Ghibli. Esta vez nos propone un cuento realizado por el hijo de uno de los más ilustres directores de dibujos (Hayao Miyazaki): Goro Miyazaki. Esta película, acorde con la calidad artística que nos tienen acostumbrados los Estudios, nos adentra en un cuento del lejano país del sol naciente; sin embargo, no justifica la creación de un largometraje para contar una historia tan pobre. Muy inconexa y repetitiva, este debut de Miyazaki hijo, no pasará a esa gloriosa historia de la que he hablado al principio de este comentario.

Nota: 6,4

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La propuesta

La acción se desarrolla en Australia, entorno a 1880. Son tiempos duros en las antípodas. Al igual que pasará en el lejano oeste yanki, los aborigenes son rechazados por los colonos blancos. El racismo es atroz, al igual que el índice de criminalidad. Como sabemos, la mayor parte de los occidentales que nacieron en Australia provenían de delincuentes expatriados desde el viejo continente. En este período comenzaba a tomar peso el concepto de ley. Un militar de carrera, el capitan Stanley, quiere limpiar este concepto para conseguir un país tranquilo. Aunque sus métodos no son los más adecuados. Sobre todo al realizar un trato con uno de los hermanos Burns, Charlie: no matará a su hermano Mike si consigue traerle vivo a su otro hermano, el despiadado Arthur. Una porpuesta complicada, que Charlie acepta con desgana. La decisión parece la correcta, ya que Mike nunca ha cometido un delito, mientras que Arthur llevaba matando desde que pudo empuñar un arma. La odisea del mediano de los Burns, le transporta por los lugares más místicos de la vieja isla australiana. En su corto camino se encontrará consigo mismo y recordará el odio que se había forjado en su familia. Mientras en la ciudad, el Capitán Stanley romperá su parte del trato, lo que provocará una oleada de violencia que teñirá de rojo los uniformes de las fuerzas de la ley...

Curioso western anglo-australiano, escrito por el músico Nick Cave. Carne de festival, ha cosechado 13 premios desde su presentación en festival de Toronto. Lo más destacable (a parte de una gran banda sonora a cargo del propio Cave) es la cruda visión de una parte de la historia de un lugar muy poco explotado por el mundo del cine: Australia. El director nos muestra la gran similitud que existe entre el (archiconocido) oeste norteamericano y los inicios del siglo 20 en el continente austral. Violencia, racismo, mentalidad retrógrada... Tiempos duros en una tierra hostil. Por otra parte, la simpleza de la historia unida al fallido intendo de crear un film meditativo, deján al espectador con una sensación de vacio. En resumen, película curiosa, a ratos entretenida, pero con falta de miga cinéfila.

Nota: 6,9



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Control

Producción británica del año 2007 dirigida por el director holandés Anton Corbijn, cuenta el trágico final del lider de la banda de Manchester Joy Division, Ian Curtis. El film está dedicado a los tres últimos años de vida de este icono post punk que a la temprana edad de 23 años se ahorcó en la cocina de su casa en Manchester y dejó viuda y una hija. A Curtis le devoraba tanto el amor que tenía por su esposa Deborah como su apasionante relación que tenía con la belga Annik Honoré. Mientras Joy Division, de la mano de Tony Wilson que fundó la Factory, produjo dos de los mejores discos de la historia de la música y sus actuaciones eran memorables, sobre todo por el espectáculo que daba Ian y también por su deterioro a causa de los ataques de epilepsia que sufría, alguno incluso subido en el escenario. Para siempre quedará el legado de Curtis con 'Unknown Pleasures' y 'Closer'.

En esta producción de 2 horas de duración Corbijn hace un ejercicio bastante coherente a lo hora de reflejar la biografia de una estrella de la música donde ni este tipo era un santo ni tampoco era un hijo de puta. Incluso con la actuación de Sam Riley cuyo parecido físico con Ian es realmente sorprendente le da un tono de veracidad. Ian era una persona profundamente depresiva que ya reflexiona en el film que con su primer disco 'Unknown Pleasures' había conseguido su cima y que algo ya le estaba devorando. La elección que tenía que hacer Curtis entre su esposa Deborah y Annik lo tenía transtornado, si le sumamos a esto la epilepsia mezclada con alcohol y un trabajo desolador en la oficina de empleo tenemos el perfil de una persona que no podría tardar mucho en suicidarse. Control es el homenaje de Corbijn a este genial escritor y músico de una de las bandas más míticas inglesas, le da un tratamiento a veces como si fuera un videoclip (normal tratándose de un prestigioso director de videoclips) y la banda sonora corre a cargo de New Order, el grupo que fundaron sus compañeros tras el fatal suicidio a quién está dedicado este post. Descanse en paz Ian Curtis y Tony Wilson, fallecido recientemente este año 2007.



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Der junge Törless (El joven Torless)

Producción alemana dirigida en el año 1966 por Volker Schlöndorff. Thomas Torless proviene de una familia aristocrática alemana y va a ingresar en un internado para labrar un prestigioso futuro dentro del imperio prusiano. Pronto Torless se va a hacer amigo de los cabecillas del internado que son Beineberg y Reiting. Bassini, un chaval que tiene muchas deudas comete el error de deber dinero a Beineberg y Torless asiste fascinado al comportamiento sádico y cruel de sus dos compañeros para reprender a Bassini, en vez de acudir a las autoridades del internado para denunciar el impago por parte de Bassini los compañeros de Torless toman la justicia por su mano y pasan de ser las víctimas de Bassini a ser verdugos implacables.

Profunda reflexión de Schlöndorff acerca del nazismo pero retrantándolo en otra época y con unos chavales en el internado, el profundo sentido de la justicia hace que los que tienen el poder hagan las mayores atrocidades que un ser humano pueda imaginar. Resulta fundamental el personaje del alumno Bassini que parece que se está comiendo el mundo con su chulería y es una pobre marioneta de los auténticos psicópatas que son los compañeros de Torless, a si mismo nuestro protagonista son los ojos de III Reich, asiste imperturbable al exterminio moral de esa persona y ni se inmuta, es más, asiste con verdadera fascinación. Lo que iba a ser un aprendizaje intelectual de un joven alemán se convierte en un espectáculo de sadismo y violencia gratuita que además lo justifica y da razones para cometer tales actos. Un film que refleja ese lado oscuro de toda naturaleza humana. Me dejo gratamente impresionado este relato.



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