I Hired a Contract Killer (Contraté un asesino a sueldo)

Producción finlandesa del año 1990 dirigida por el más prestigioso director de este país nórdico, Aki Kaurismaki. Nos vamos al Londres de los primeros años 90's donde Henry Boulanger interpretado por Jean-Pierre Leaud es un hombre de clase media, gris y sin ningún tipo de vida que se dedica a su trabajo de oficinista en las dependencias de la autoridad de aguas del Reino Unido. Henry es francés pero ya lleva quince años en Inglaterra trabajando en concreto para esta empresa. Los recortes llegan por una crisis financiera que se está pasando, entonces los despidos son inevitables y comienzan con los que no son del país, así Henry se queda de la noche a la mañana sin trabajo pero con un reloj de oro de la empresa. Para Henry ya no tiene sentido su vida ya que todo giraba alrededor de su sórdido empleo, así que intenta suicidarse pero el hombre es tan patético y cobarde que no lo consigue. Se le ocurre la idea de contratar un asesino a sueldo para que se encargue de él mismo, pero una noche la vida de Henry cambia y conoce a Margaret, ahora ya no quiere morir y tendrá que buscar a los jefes de su asesino para cancelar el trabajo antes que el asesino lo encuentra a él.

Comedia no al uso donde Kaurismaki emplea todo su humor ácido y surrealista en situaciones disparatadas. Hay momentos en la películas que no sabes si el director se está quedando contigo o que simplemente te arrancan una sonrisa, por ejemplo los intentos patéticos de suicido del protagonista, o como en el robo de la joyería se la meten doblada o como el asesino de Boulanger es tan torpe que no consigue nunca acabar con él. A destacar también el breve papel en la película del cantante de 'The Clash' Joe Strummer que interpreta un tema en un pub donde está Henry y luego pasan los jefes que han ordenado el asesinato contratado por nuestro protagonista. En definitiva un relato simpático de la marca made in Kaurismaki donde destaca el humor caústico de este genial director y la gran banda sonora que imprime a todos sus relatos, esta vez tenemos temas del propio Strummer, música negra y hasta tangos como 'Mi Buenos Aires querido' de Carlos Gardel.



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A Guide to Recognizing Your Saints (Memorias de Queens)

Producción americana del año 2006 dirigida por Dito Montiel, basada en la novela homónima escrita por el mismo Dito Montiel donde están los componentes autobiográficos de este autor. Premio en Sudance a la mejor dirección y premio especial del jurado al reparto. Dito Montiel es el hijo único de una familia del barrio de Astoria en Queens (Nueva York), es el hijo de Monty y Flori y es un hijo tardío ya que el matrimonio lo llevaba intentando desde hacía tiempo. En el barrio, Dito es amigo de Antonio y de Nerf, son jóvenes italianos que se crian en un suburbio a las afueras de la gran ciudad en los 80's, Monty tiene mucha confianza en Antonio y en vez de escuchar a su hijo en las trifulcas que tienen con los puertorriqueños delega en Antonio las soluciones a los problemas de su hijo ya que Antonio es fuerte y duro como Monty quiere que sea su hijo. Hasta el Astoria llega Mike, un irlandés aficionado a la música que enseguida se hace amigo de Dito y empiezan a pensar que lo mejor es irse del barrio para organizar su vida en California. Los acontecimientos se precipitan con una violencia inusitada en el asunto de los puertorriqueños y Dito escapa. Pasados los años Dito recibe la llamada de su madre diciéndole que su padre está muy enfermo, ahora es la decisión de nuestro protagonista la de volver al barrio o no.

Películas que tratan sobre italianos y suburbios neuyorkinos hay a patadas donde se cumplen los tópicos de la familia, la mamma, violencia y amistad. Está película es diferente en el estilo de narración porque parece que estamos más en el libro de Montiel que viendo propiamente en la televisión un film, con una dirección de actores muy acertada en cuanto al casting sobre todo de los personajes de los 80's y una estupenda banda sonora son los puntos más atractivos de este relato, en contraposición el papel de Robert Downey Jr me parece totalmente hierático, de poca expresividad y algo vacío, la historia de la vuelta al barrio por la enfermedad de su padre no está muy trabajada. Hay secuencias muy buenas como los planos del paisaje de Queens que me parecen muy bien hechos o cuando los personajes miran a la cámara de frente y escapan sus frases de que esta vida es una auténtica mierda. Me recuerda mucho a 'Una historia del Bronx' de Robert de Niro pero un peldaño por debajo de esta en que el tratamiento es un poco más moderniki pero hay lagunas a nivel de lenguaje cinematográfico que serian mejorables.



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Cruzando el puente: Los sonidos de Estambul

Documental alemán del año 2005 dirigido por Fatih Akin y cuyo presentador de lujo es Alexander Hacke, bajo de la banda de rock alemana Einstürsende Neubaten. Este músico estuvo por primera vez en Estambul componiendo algunas canciones para la película de Akin 'Contra la pared' y se quedó fascinado por el sonido de la ciudad y por los diferentes movimientos culturales en cuanto a música que recorren toda la ciudad, ahora ha llegado el momento de grabarlos en presencia de la cámara de Akin y los micrófonos de Hacke, además nuestro músico colaborará con alguna banda turca para grabar algunos temas, así estará con Baba Zula en un barco tocando durante un día a través del Bosforo o con Sezen Aksu interpretando un tema de la famosa cantante turca Müzeyyen Senar, cantante de 86 años muy conocida en el país.

En el documental se hace especial hincapié de la posición estratégica de Turquía, punto de encuentro entre las civilizaciones occidental y oriental donde los turcos reflejan perfectamente la convivencia de ambos estilos de vida, en Estambul han cruzado por el puente del Bosforo 72 culturas diferentes y es una de las ciudades musicalmente más ricas que existen y pueden convivir tanto músicos de rock, rap, hip hop con otros estilos más tradicionales como la música con el safi, música kurda especialmente bien interpretada en un baño turco del siglo XVIII por Ainour o la música de los gitanos del Kesan donde Hacke se dirige por su amistad con el músico turco Selim Sesler. En definitiva una iniciativa parecidas a las de Carlos Saura con los tangos, flamenco y fados donde Akin, director alemán de origen turco, junto al gran Hacke logran que te entren unas ganas terribles de visitar Estambul no para ir al gran zoco a regatear o ver Santa Sofía, sino recorrer las calles y empaparte de esos sonidos que hacen que Estambul sea una de las ciudades con más vida de la Tierra donde Oriente y Occidente se dan la mano desde el respeto y la tolerancia, gran precepto de los sufís.



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L'emploi du temps (El empleo del tiempo)

Producción francesa del año 2001 dirigida por Laurent Cantet, autor entre otras producciones de 'Recursos Humanos' y 'La clase'. En la línea de este peculiar director esta obra social muestra el personaje de Vincent, un hombre casado de unos 40 años con 3 hijos, acomodado en su gran chalet en una de las urbanizaciones de cualquier ciudad francesa colindando con Suiza. Vincent pierde su trabajo y no lo cuenta ni a su esposa Muriel, ni a sus padres, ni a sus hijos. Por las mañanas se levanta y coge su coche para ir dando vueltas por ahí a ver si encuentra algo o simplemente conduce, algunas noches incluso no vuelve a su casa debido a la "excesiva" carga de trabajo y se queda durmiendo en el coche. A Vincent se le ocurre la idea de cambiar de aires y ahora su cometido es trabajar en las Naciones Unidas en la sede de Ginebra. De hecho prepara tan bien su mentira que visita hasta el edificio donde va a desarrollar su trabajo imaginario e intenta estafar a sus amigos más adinerados con un negocio piramidal auspiciado por el desarrollo sostenible que sabe a costa de su cargo de funcionario de la ONU.

Tras visionar hace algunos años 'Recursos Humanos' me quedé sorprendido por la claridad de Cantet de mostrar la realidad que nos rodea y con este relato la retrata aún mejor. La decadencia que poco a poco va sufriendo nuestro protagonista ya no sólo por el drama de perder su empleo sino por la mentira y farsa de vida que monta a su alrededor él solito por miedo a decepcionar y mostrarse como un fracasado ante su entorno. Hay una producción española dirigida por Eduard Cortés que se llama 'La vida de nadie' y protagonizada por José Coronado que tiene el mismo tema que esta producción francesa pero no hay color entre las interpretaciones de los protagonistas que son básicamente los que llevan el peso en el film, Aurélien Recoing registra un gran papel de hombre blanco francés corriente que por fuera parece un vencedor pero él en su adentro sabe que como todos es un perfecto perdedor, se revuelve y no acepta ese rol que la vida le ha dado y cree que puede con todo y con su idea e iniciativa volverá a ser otra vez un ganador. La música juega un gran papel en la película porque esa sensación de depresión que Vincent va cogiendo la banda sonora te la transmite. A destacar dos puntos más, el papel del hijo mayor correctamente realizado por Nicolas Kalsch y el personaje de Stan, un hombre maduro que con otra filosofía de la vida le ofrece negocios a Vincent para sobrevivir trapicheando. Una interesante película que nos acerca a uno de los grandes problemas que ahora tenemos, el paro.



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¿Hacemos una Porno?

Zack y Miri son dos adultos que no han conseguido progresar en la vida de la misma manera en que lo han hecho el resto de la gente de su edad. No lo han conseguido o no han querido. Tienen un trabajo basura, viven compartiendo piso y su futuro no esta nada claro. Eso si, la amistad que mantienen desde el instituto sigue siendo inquebrantable. Zack cumple con muchos de los tópicos masculinos; desordenado y holgazán, piensa en las chicas como meros objetos sexuales. Miri, también esta regida por los tópicos; indecisa e infravalorada, busca su principe azul entre las sábanas de su cama. Curiosamente, Zack y Miri, a pesar de los años y de vivir juntos, nunca han tenido ningun encuentro sentimental. Simplemente no lo contemplan. Bastante tienen con sobrevivir. Con el agua al cuello, sin blanca y sin perspectivas de ningún tipo, a Zack se le ocurre una fuente perfecta para ganar dinero: Hacer una película porno casera. Hoy en día es fácil; con poco dinero, una camara y un puñado de 'actores' se puede ganar pasta fácil. Los protagonistas serán Zack y Miri; el único problema será que tienen que copular. Algo que realmente les apetece a los dos; pero no de esa manera. La historia se complicará conforme la pareja se va dando cuenta que han perdido mucho tiempo y que ahora ya es demasiado tarde. O no...

Una nueva producción del aclamado Kevin Smith que ha sido muy bien acogida por el público. Mucho más comercial que sus obras de referencia, Hacemos una porno es una película inteligente que poco a poco va cayendo estrepitosamente en el tópico sentimentaloide. Sin embargo, no hay que despreciar el global de la película por sus últimos 10 minutos pastelosos. El resto es una crítica mordaz a la situación de la clase media adulta que acaba de dejar la adolescencia y no acaba de encontradar su sitio. Con momentos muy brillantes e hilarantes, este último film de la factoria Smith a capturado la atención y los elogios de nuevo público que aún no conocía su obra, mientras a los que ya le seguiamos desde hace años, nos deja con un sabor agridulce, sobre todo por el controvertido final demasiado, digamos, light.

Nota: 7,9


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Moon

En un futuro cercano, un nuevo origen energético ha sido descubierto en la luna. Una novedosa versión de la minería clásica se lleva a cabo en el satélite terrestre. Un trabajo monótono, solitario y sacrificado. Sam Bell es el actual ocupante de la estación espacial desde la que se gestiona el envío del mineral a la tierra. Su periodo de estancia esta llegando a su fin; 3 largos años en los que solo ha podido comunicarse con su esposa vía videoconferencia. Una dura prueba para la relación de Bell. Aunque ya queda muy poco para abrazar a su mujer. Una sola jornada de trabajo y todo habrá terminado. Sin embargo algo parece ir mal; hay que salir al exterior por un problema inesperado. Una especie de tormenta, bloquea a Sam dentro de su vehículo lunar. Pierde el conocimiento y aparece mareado dentro de la estación. Su robot personal le cuenta que ha tenido un accidente y debe descansar; le da orden de no salir al exterior hasta nuevas noticias desde la tierra. Pero Sam no entiende este mandato y sale a mirar que ocurrió; algo muy extraño se encuentra en el exterior de la estación. Parece que un tipo soprendentemente parecido a él esta dentro de un vehículo lunar. El hombre lo lleva a una cama y espera a que despierte. Un inexplicable serie de sucesos ocurriran a partir de este momento...

Soprendente obra de ciencia ficción con sabor a antaño, que ha irrumpido en las salas en este año. Moon, es una de esas películas sin más ambición que la de recordar clásicos de ciencia ficción como Atmosfera Cero, Horizonte Final o incluso, a la impresionante Solyaris. Una historia simple que esconde una profunda reflexión existencialista. El yo escondido en una misma estructura física. En la soledad más abosoluta, los recuerdos, propios o extraños, creados o heredados, duelen más cuanto más falsos son. Perfecta en cuanto al tiempo y la interpretación, cabe destacar al personaje del robot; este personaje es el gran granito de arena que aporta este film. Lejos del ser cuadriculado y sumiso, el robot que asiste al protagonista tiene decisión propia; decisión que, al más puro estilo de Yo Robot, le llevará a infringir unas normas para cumplir con sus propias normas. Imprescindible para los que amen la ciencia ficción de la vieja escuela.

Nota: 8,8


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Dejame Entrar

Oskar vive placidamente allá en la lejana y fría Suecia. Gusta de hacer ejercicio y de jugar solo. Lo único que perturba su existencia es un puñado de niños abusones. En el colegio le hacen la vida imposible. En cierta ocasión, Oskar descubre que nuevos vecinos han venido al barrio. Una pálida y misteriosa chica, se ha mudado justo al lado de su casa. No tardarán en tener contacto y el muchacho queda prendado ante el misticismo que desprende la muchacha.
Coincidiendo con estos hechos, una oleada de violentos crímenes esta azotando la aldea de Oskar. Parecen obra de un animal despiadado, pero la minuciosidad de los asesinatos, hacen pensar que la mano humana ha intervenido en las crueles matanzas. El puzzle va tomando forma conforme la leve historia de amor del muchacho y la chica va evolucionando. Una historia tan curiosa como imposible, que lejos en culminar en la consolidación de los sentimientos de la pareja, termina en con una sanguinaria venganza por encima de toda piedad.

Reciente producción sueca, éxito de público y crítica. Revisión al clásico (y ultra explotado) género vampírico. Al estilo de Crepúsculo (como idea general), la película narra la historia de amor entre un humano y un vampiro. Y digo como idea general, porque la comparación a nivel cinematográfico es más que odiosa. Mientras la citada obra es un film vacío y eminentemente comercial, Déjame Entrar nos regala un guión creíble, lleno de sentimiento y con un suspense que se respira hasta el final. Todo esto, regado con el singular tono costumbrista del cine de autor del norte de Europa. Un soplo de aire fresco al cine de terror de autor, quizás algo sobrevalorado por la crítica internacional, pero, sin embargo, un largo que cumple a la perfección con su nada ambicioso propósito inicial.

Nota: 8


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Más allá del espejo

Producción documental española del año 2006 dirigida por Joaquim Jordá. Partiendo de la contraportada del diario 'El País' nuestro director encuentra el curioso caso de la conquense Esther Chumillas, una chica de 18 años que padece agnosia visual, una enfermedad que se le produjo a causa de una meningitis a los 13 años y que hace que la persona vea los objetos pero no saber que está percibiendo, así si por ejemplo le enseñas un dibujo de una estrella ella no sabe que es aunque vea el dibujo pero si sabe leer los números y las letras. Es una percepción de la "realidad" un poco confusa. Jordá a causa de un infarto cerebral padece un transtorno muy parecido que es la alexia visual, que puede percibir más objetos que Esther pero le cuesta mucho leer los caracteres. Ambos se encuentran en Cuenca y surge una amistad entre los dos a causa de su lucha común por seguir llevando una vida lo más normal posible. Otras personas que padecen parecidos transtornos de agnosias y alexias contactan con Esther al ver el periódico y Jordá queda con cada uno de ellos para entrevistarlos.

Genial documental del maestro español en este género cinematográfico que cada vez lo veo más apasionante e interesante. El mérito del director es doble porque padeciendo la enfermedad monta un guión junto a Laia Manresa para producir su última película ya que poco tiempo después falleció. Los testimonios de cada uno de los personajes que padecen agnosias o alexias son impresionantes y que conmueven hasta el ser más insensible que pueda existir, reflexionas sobre las ganas y las fuerzas que tienen por vivir dignamente estas personas. Jordá produce su película pero en el caso de Esther es que vamos viendo la evolución de su vida, de estar en estado vegetativo en una silla de ruedas con 13 años de un dia para otro a ir preparando su oposición en la Universidad de Cuenca para educación infantil especial, consigue aprobar el examen y obtener una plaza en la ciudad, vivir con su novio en la nueva casa y tener una vida completamente normal sólo impedida por su nula orientación a causa de su enfermedad que además no tiene cura y que sabe que tiene que convivir con ella de por vida, toda lesión cerebral es irreversible. El estilo de rodaje de Jordá es muy natural y notas a los personajes muy cercanos a ti, no hay ningun gran artificio, el mérito de este director es su gran humanidad y al tratar a las personas con respeto y cariño logra unos grandes testimonios acerca de un tema que no conocía de esta enfermedad y que siempre recordaré la historia de esta joven conquense.



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Léon: El Profesional

Un tipo curioso este Luc Besson, creador de grandes obras como la que hoy nos ocupa (Léon), películas correctas como “Danny The Dog” o “El quinto Elemento”, también es capaz de ofrecer productos tan…curiosos y variopintos como “Arthur y Los Minimoys”, “Bandidas”(por favor…), la saga “Taxi” o la trilogía de acción “Transporter”.

Aunque se prodiga más como escritor y productor que como director, “Léon: El profesional” es sin duda un clásico moderno, e incluso me atrevería a decir que se trata de una obra maestra de su género con un 34# en IMDB que habla por si solo. La cinta alcanza cotas de calidad altísimas, de hecho es una verdadera lástima que Besson no haya vuelto a alcanzar ese nivel desde entonces. Una verdadera lástima.

La trama nos cuenta la imposible historia de amor entre una niña de 11 años llamada Mathilda (excepcional Natalie Portman) y un frío y eficiente asesino a sueldo que responde al escueto nombre de Léon (Jean Reno en el papel más significativo de su carrera). Mathilda y Léon llevan una existencia vacía y sin sentido hasta que una sangrienta casualidad les hace encontrarse y juntos descubren que existe la felicidad más allá de la vida que conocían.

Sería injusto pasar por esta crítica sin mencionar el extraordinario trabajo de Gary Oldman, uno de mis actores predilectos. Oldman borda su papel retratando al psicótico poli corrupto y asesino fanático de Beethoven, cuya sed de sangre resulta ser el desencadenante de la historia. Su personaje representa a la perfección la antitesis absoluta de Léon visto desde el otro “lado” de la ley, alineando paradójicamente al poli con los tipos malos y nombrando al asesino como el héroe de la historia.

Un guión absorbente (ojito al final), interpretaciones a la altura de los personajes (no se me ocurre ni uno fuera de sitio) y un director por aquel entonces en estado de gracia, hacen de “Léon: El profesional” un clásico del cine que no puedo más que recomendar.

Nota: 8,5


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Tarde de Perros

Un "selecto" grupo de atracadores entra pistola en mano a una sucursal bancaria. Tienen todo bajo control: saben donde están las alarmas, donde está el metálico, donde los billetes marcados… parece que van en serio hasta que uno de ellos decide dejarlo. La sorpresa es mayúscula cuando se quiere ir a casa en el coche de la fuga. El cerebro de la operación, Sonny Wortzik, no se rinde y sigue con su idea original. Con mucha sangre fría amenaza a todos los trabajadores. Sin embargo su plan esta destinado al fracaso. La policia se ha percatado de que algo pasa. Sin nada que perder, Sonny y su secuaz, Sal, se parapetan dentro del banco y amenazan con asesinar a los rehenes si no les dan un vehículo para escapar. La autoridad no esta por la labor y más cuando los ladrones son unos aficionados como esos. El día va llegando a su fin y el atraco ya es noticia en todos los noticiarios. Miles de personas se acercan a la sucursal a animar al simpático Sonny. En aquellos tiempos las cosas están mal en EEUU y las fuerzas de la ley no son bien recibidas. Todo el mundo parece estar a favor de los atracadores y la historia de Sonny y Sal es seguida por todo el país a través de la televisión. Para el FBI, la cosa no es tan agradable y centrará todos sus esfuerzos en acabar la aventura de los ladrones de la peor manera posible.

De nuevo en Piniculas una producción del norteamericano Sidney Lumet. Un hecho real que tuvo en vilo a la America de los años 70. Con 10 premios a sus espaldas, Tarde de Perros es una de esas películas sin ambición que se convierten en clásicos. Con una primera hora delirante, el film narra las peripecias de un ladrón de clase media en una sociedad americana sumida en una grave depresión económica. Como si de una historia de la ficción mas enrevesada se tratara, esta historia verdadera va complicándose cada vez más hasta el punto en el que parece imposible creer que exista gente así. Fiel al denso guión, el transfondo social que plantea el director, va cayendo como una losa machacando las divertidas situaciones iniciales hasta el punto de frenar el frenesí de despropósitos con un final seco y contundente. Sobresaliente las actuaciones de un Al Pacino en pleno cenit de su carrera como actor y del malogrado John Cazale, que fallecería 3 años después del estreno del film.

Nota: 9


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Promesas del Este

Segunda parte no oficial de "Una historia de violencia", primera colaboración allá por 2005 entre el director David Cronenberg y uno de los actores que a título personal más me ha sorprendido en los últimos años: Viggo Mortensen. En esta "segunda parte" Mortensen se deja de bigotes y acentos leoneses, y se pone en la piel de Nikolai, un mafioso ruso que hace las veces de guardaespaldas del hijo de su jefe, y que ansía entrar a formar parte del núcleo duro de la organización criminal rusa en Londres.

Pero todo esto se complica con la aparición de Anna (Naomi Watts, que mujer por Dios), una matrona que asiste en el parto a una joven que muere al dar a luz a una niña. Sin datos sobre el bebe, será un diario escrito en ruso la única pista para dar con la familia de la criatura. El problema surge cuando descubren que el diario, tras traducirlo, describe con detalle la violación de la que fue objeto la joven por parte del jefe de Mortensen, Semyon (interpretado por un Armin Mueller-Stahl más cabronazo que nunca)

La película avanza entre un retrato costumbrista de la mafia rusa londinense y la trama del origen del bebe. Sexo, drogas y mucha violencia campan a sus anchas por este film donde destacaría la escena del ritual de iniciación (con explicación de tatuajes incluida), y sobretodo la crudisima y brutal pelea en las duchas, para nada efectista pero cruda como pocas se han visto. Mortensen le echa unos cojones de acero en una escena sucia, cruda, animal y francamente intensa donde el 90% de los actores de su caché habrían exigido una reescritura de guión o le habrían dado de hostias al tipo de la iluminación por mostrar sus vergüenzas tan a la ligera.

En definitiva, "Promesas del Este" es una de las más interesantes propuestas de 2007, y a mi juicio una de las grandes olvidadas en los premios de aquel año. Pero claro, del tema de los premios mejor no hablamos, no cuando prefirieron darle el premio gordo al niño del 50x15 en vez de a un tipo que tiene un coche que se transforma en moto y que evita el tráfico tirando misiles. Eso si que es una injusticia.


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Serpico

Producción americana del año 1973 dirigida por Sidney Lumet basada en la novela de Peter Maas. Fue nominada al Óscar al mejor principal masculino (Al Pacino) y al mejor guión adaptado. Frank Serpico se gradua en la escuela de policía de NY y es destinado a varias comisarias tanto en el Bronx, como en Brooklyn o en Manhattan, quiere ser honesto y un buen policía por ello empieza su trabajo con ilusión realizando varios arrestos y cumpliendo con su trabajo a rajatabla, de hecho pronto se interesa por la escuela de detectives ingresando en un curso de especialización en huellas dactilares, pero todo está inundado por la corrupción, en todas a las comisarias a las que es destinado sus compañeros se lucran con "ingresos extras" procedentes de las drogas, las apuestas y todo tipo de delicuencia. Frank se encuentra en la tesitura moral de aceptar los sobornos para que sus compañeros lo respeten pero no acepta el chantaje y pronto quedará marcado entre la propia policía donde tiene más enemigos que entre los propios delicuentes. Intenta denunciar esta situación ante sus superiores pero la negativa a destapar tamaño escándalo deja a Serpico "vendido" ante su honradez y honestidad.

Si hay algo que está película te deja en el paladar es la sensación agria de que si quieres hacer las cosas siguiendo unas reglas establecidas te toparás con un muro infranqueable. Serpico razona que si todos esos policías se dedicarán a realizar su trabajo en NY no se cometerian los crímenes que en esos momentos se estaban cometiendo. Este policía existió en la realidad y su último recurso fue acudir al NY Times a contar su historia, tuvo el rechazo total de sus compañeros y su vida sentimental fue un tormento para su compañera de cama que al final huyó de él a causa de su cruzada por la honestidad ya que no tenía un proyecto en común junto a ella. El guión realizado por Waldo Salt & Norman Wexler está muy bien construido y no se te hacen nada largos los 130 minutos del rodaje, mención también de la música de Mikis Theodorakis y una muy buena puesta en escena con la ciudad de NY a mediados de los 70's. La película gira en torno a Al Pacino en su época dorada donde trabaja en esta producción y en 'El Padrino', su magnifica interpretación como el policía hippie que vive en el Village es lo más destacable de esta interesante producción de este gran periodo de mediados de los años 70's en el thriller norteamericano junto con otro clásico como es 'Tarde de perros'.



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Sonic Youth sleeping nights awake

Producción documental americana del año 2006 dirigido por Michael Albrigh que hace de supervisor de los alumnos del Project Moonshine, alumnos entre 15 y los 19 años de edad que son fans de Sonic Youth. El 4 de Julio de 2006 después de más de 15 años vuelven a la ciudad de Reno (Nevada) este cuarteto newyorkino para dar un concierto en el Hilton. En el documental los muchachos graban varios temas que Sonic Youth tocan en el concierto (de principio a fin) y los acompañan en los ensayos de la banda y en el post concierto para entrevistarlos, cambiar impresiones y sentir la psicodelia de este gran grupo de finales del siglo XX que sigue totalmente vigente después de una carrera de más de 25 años sacando discos y realizando giras.

La gira que graban los chicos de Project Moonshine pertenece al disco 'Rather Ripped' un disco más pop y un poco alejado del noise pero Sonic Youth sigue manteniendo esa intensidad primigenia donde vemos tocar temas como 'Kool Thing', '100%' o 'Tom Violence' que siguen tan intactos y con una fuerza y garra del primer día. Thurston Moore con su forma de ser y su peculiar sentido del humor se lleva muy bien con los chicos que le están grabando y se nota una inocencia y espontaneidad que un experimentado documentalista no podría lograr y de ese estilo amateur nace la magia de este rodaje, donde tanto la cuarentena de años de los integrantes de Sonic Youth convive perfectamente con muchachos adolescentes que los idolatran pero que lleven una relación de igual a igual. Así, Kim Gordon, nos relata su cansancio de tanta gira y su limitado repertorio tonal en sus temas pero que ama esta profesión y el secreto del éxito de esta banda para seguir juntos es no pasarse mucho con las drogas. Lee Ranaldo cree que la banda siempre ha seguido una inspiración y que al no trazarse un camino a seguir pues todo ha sido mucho más natural, el día que no haya nada que hacer pues el grupo desaparecerá.

Hay muchos detalles en el film que refleja la idosincrasia de este grupo, Moore sale a tocar con una camiseta que horas antes se ha comprado en Reno en un garito, Ranaldo con sus camisas de cuadros de toda la vida y siempre el detalle y la curiosidad de conocimiento, se preguntan que sitios podrian visitar en esa ciudad y lamentan el poco tiempo para hacer alguna parada, conocen grupos de Reno y nos muestran su faceta de personas de a pie, el hijo de Ranaldo está en el merchandising vendiendo camisetas, Kim Gordon da de comer a su hija. Podrán ser unos músicos estupendos y un grupo imprescindible dentro de la historia de la música pero también son muy cercanos y humildes, cosa que se agradece y revalorizan aún más su gran y extensa obra.



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Web Oficial de Sonic Youth



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Uno, dos, tres

Estamos en el Berlín de la postguerra. En un Berlín simpático en el que el muro es poco más que un elemento arquitectónico que diferencia dos maneras de ver la vida: a un lado los capitalistas, ricos, ambiciosos y progresistas; al otro los comunistas, idealistas, austeros y conservadores. Y alrededor de todo esto una marca de bebida que no entiende de colores: Coca-Cola. Pues si, la Coca-Cola se esta instalando en la ordenada vida alemana al igual que lo ha hecho en la de muchos países. Y se ha instalado, al igual que intentan hacerlo los americanos y los rusos. Un pueblo roto por la guerra, pero con una manera de vivir que sigue siendo ejemplar. En tan singular situación, la díscola hija del presidente de la compañía, decide visitar la sede bávara. Todo transcurre con normalidad hasta que en un devaneo conoce aun joven bolchevique que lleva sus ideas hasta las últimas consecuencias. El director de la sede alemana, intentará que esta relación no llegue a buen puerto. Pero no lo conseguirá y tendrá que valerse de la disciplina y la eficiencia germana, para poder salir ileso de tan comprometida situación.

Clásica y magnifica comedia del legendario director polaco bautizado Samuel Wilder (guiño para cinéfilos). Con un guión enlazado como una perfecta cadena argumental, Wilder consigue contarnos una historia más profunda de lo que parece, basada en la triste situación de la preciosa ciudad de Berlín tras la construcción del muro. Riéndose de las miserias de capitalistas y comunistas, el director nos propone una reflexión sobre lo tonto que resulta ser extremista político. Sobre eso y sobre la grandísima capacidad organizativa del pueblo alemán, que en 1.961 era considerado poco más que paleto en el soberbio país origen de la Coca-Cola. Todo encapsulado magistralmente dentro de la típica comedia de enredo que tanta fama dió a este realizador de origen europeo. En resumen, una obra maestra, trabajada, inteligente, graciosa y reflexiva.

Nota: 9



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Otto e mezzo (8½)

Producción italiana dirigida por Federico Fellini en el año 1963, ganadora de dos Óscars (uno a la mejor película extranjera y otro al vestuario). Guido Anselmi es un director de cine que en plena crisis artística y creativa tiene que dirigir una gran producción de ciencia ficción, las dudas en Guido cada vez son mayores y el director se abstrae en los recuerdos de su infancia, sus problemas con las mujeres y esquiva sus obligaciones profesionales con el productor, el público y todo su equipo para rodar la película. Para Guido es más importante saber su propia identidad, en definitiva quién es y que es lo que quiere contar, Guido, que es interpretado por Mastroianni como el alter ego del propio Fellini es un hombre que es caprichoso y que desea a todas las mujeres, en su entorno se reflejan varios tipos de mujeres que todos nos encontramos, su mujer es una belleza tranquila, servicial y algo neurótica, la quiere pero no es igual que Claudia, una bomba femenina que desata en el director bajas pasiones y que le recuerda a las mujeres de grandes curvas que deseaba en su infancia. En su faceta artística se siente un estafador, no es realmente un artista y por él ahora mismo el cine es un mero entretenimiento vacío de todo contenido artístico.

No suelo ser muy crítico con las películas que comento en el blog pero es que en esta todo es perfecto y me dejó fascinado el impresionante relato que Fellini dirige y escribe y la magnífica interpretación del gran Marcelo Mastroianni como el director en plena crisis existencial. Las dudas que plantean durante el metraje tiene una gran carga filosófica y luego te parece encantadora esa vanidad intelectual que se gasta el protagonista del relato. Mientras en el mundo real está rodeado de una corte de súbditos y jefes que le aprietan y le ocupan su valioso tiempo, en su mente está imaginando que es adulado por su obra cuando él sabe que es un fraude y tiene un harem lleno de mujeres colmando todos sus deseos. La música de Nino Rota es preciosa y la fotografía le da un toque personal al film que enseguida te hace sumergete en la mente de Fellini, a destacar su bonito final donde Guido se da cuenta que la vida misma es un circo y con su megáfono coge las riendas de su vida y dirige a todos los payasos que conforman su propia existencia. Repito, una película fascinante y que es imprescindible dentro de la historia del cine del siglo XX. Son 2 horas y 20 minutos de una lección que nunca se me olvidará.



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Apaloosa

Segunda aproximación a la dirección de este indudable clásico moderno del cine que es Ed Harris, tras su opera prima “Pollock” (biopic del pintor norteamericano Jackson Pollock y ganadora de un Oscar). 8 Años separan ambos filmes y la única conclusión extraíble tras su visionado es ¿porque co… no dirige más películas este Harris? Si se le da bien al jodio.

“Apaloosa” resulta ser un más que digno homenaje al western, enfocada desde una perspectiva costumbrista, no exenta de humor y filmada de forma simple pero no por ello menos eficaz. Se hace imposible no pensar en otros clásicos de origen similar, la reciente “3:10 to Yuma” o la obra del maestro Eastwood “Sin Perdón”, el más bello epitafio a un género jamás filmado. “Apaloosa” no raya a tanta altura, pero es un digno complemento y una entretenida película de vaqueros, lo cual no es poco.

El nombre de la película se lo da el pequeño pueblo de Apaloosa, donde sus gobernantes, hartos de los constantes abusos del cacique local Randall Bragg (un correcto Jeremy Irons), contratan los servicios del dúo de pistoleros compuesto por el taciturno Everett Hitch (Viggo Mortensen) y el legendario Virgil Cole (Ed Harris) para que ejerzan de hombres fuertes de la ley y pongan fin al reinado de terror de Bragg. Completa el elenco principal una discreta (nunca me ha gustado especialmente) René Zellweger en el papel de la no tan frágil viuda y pianista Allison French.

“Apaloosa”, y esta es quizá su gran virtud, no busca complicarse la vida en exceso y se dedica, a mi entender, a enfatizar la figura del tipo duro, del clásico pistolero de la época, una época difícil, donde el asesinato es una forma de vida ya seas forajido o agente de la ley. Cole y Hitch son hombres de pocas palabras y dispuestos a morir en cualquier momento del día sin aspavientos ni grandilocuencias. Muy americano es verdad, pero esta gente existió y este es, si lo he entendido bien, un homenaje a ellos.

Una trama simple, donde la dura vida en el lejano Oeste y las profundas reflexiones vitales del dúo Mortensen – Harris ocupan la mayor parte del film. Si a este cocktail le añadimos un par de tiroteos bien rodados y una duración que no llega a las dos horas (ni larga ni corta), tenemos una más que correcta película, tanto si te gusta el Western como si no.

A destacar también que es el propio Harris quien firma el guión, adaptación de la novela de mismo título de Robert B. Parker.

Eso si, esperemos que el tito Harris no nos haga esperar otros 8 años para la siguiente.

Nota: 7


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Escondidos en Brujas

Ken y Ray son dos tipos extraños que han llegado a la preciosa ciudad de Brujas para pasar unos días. Sin embargo, no parece que estén allí por placer; sobre todo en el caso de Ray que ve en la ciudad belga un sitio aburrido y sin ningún interés. Aunque Ken tiene otra impresión, la realidad es que ambos están allí a la espera de que otro individuo de nombre Harry, les de la orden de abandonar Bélgica. Conforme pasa el tiempo, iremos viendo que la vida de los dos protagonistas es un suceso de truculentas acciones delictivas. Brutales crímenes que tienen como colofón el asesinato de un niño inocente. Entre arrepentimientos y reflexiones, se van sucediendo escenas mezcla de surrealismo y drama; desde conversaciones con enanos dogradictos a pasiones con damiselas atormentadas; desde cenas violentas en restaurantes de lujo a tiroteos en los canales de Brujas. Un sinfín de situaciones, que van extrañamente convergiendo hacia un desenlace existencialista, en el que la falsa amistad y un curioso sentimiento de honor, serán la culminación a la aventura que comenzó en esa ciudad de cuento de hadas que da título al film.

Película revelación del pasado año, con 13 premios a sus espaldas y dentro del selecto top 250 de IMDB. Escondidos en Brujas, a parte de ser una promoción de la increíble ciudad de Brujas, supone un nuevo eslabón dentro del thriller de acción; con un planteamiento al más puro estilo Tarantino, ironiza sobre el mundo del crimen en un tono eminentemente dramático. Una alta carga emocional que a veces llega a desconcertar. El punto fuerte lo componen las fugaces situaciones surrealistas que salpican todo el film; grandes transiciones existencialistas, como la fiesta en la habitación del enano o la lucha interior de Ken tras recibir la expeditiva orden de Harry. Historia bien elaborada, con un tempo adecuado, que se ve roto bruscamente con un incomprensible final.

Por una vez y sin que sirva de precedente, voy a poner un comentario alternativo. El sabor agridulce con que te deja este film, me plantea analizarlo desde otro punto de vista.

Película eminentemente dramática, pretenciosa al inicio y que confluye hacia mal intento de comedia negra Tarantinesca. Con el fácil recurso de enternecernos con imágenes de la archiconocida ciudad de Brujas (recurso que sin embargo ha proporcionado varios premios ) como transfondo de la historia, la trama global se compone de una amalgama de sentimientos caóticos que nunca llegan a concretarse del todo. El director parece buscar un relato reflexivo, inteligente y ocurrente, pero el intento de abarcar tantas cosas, le lleva obtener un resultado dispar: reflexivo, a veces; demasiado predecible para ser inteligente y la ocurrencia forzada se acerca peligrosamente al drama facilón más que al humor negro que parece perseguir el realizador. Y como colofón, un final repleto de inconsistencias contextuales que logra aclarar todas las dudas sobre la seriedad de este largometraje.

Nota: 7,4



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To Have and Have Not (Tener o no tener)

Producción americana del año 1944 dirigida por Howard Hawks a partir de la novela de Ernest Hemingway y guionizada por el genial William Faulkner. Harry Morgan y su alcohólico amigo Eddie viven en la colonia francesa de la Martinica en plena II Guerra Mundial, alquilan su barco a turistas para ir de pesca o hacer tours por las islas caribeñas. Harry vive en su habitación de hotel regentado por unos franceses de la resistencia y en la habitación de al lado vive Marie Browning alias "La Flaca" que está perdidamente enamorada de Harry, la situación en la isla no es fácil porque las secuelas de la Guerra se dejan notar y la resistencia pide a Harry un trabajo que le pone en la tesitura de entrar a formar parte del conflicto, Harry acepta el trabajo él solo, esta vez sin su inseparable amigo Eddie, para ayudar a que "La Flaca" abandone la isla para tener una vida mejor lejos de él y en última instancia por simpatías a la resistencia francesa para que triunfen sus ideas en contra del fascismo y la intolerancia. En principio el pequeño ratero Capitán Morgan pasa a ser un héroe anónimo que ayuda a que el mundo sea un sitio mejor.

Cine clásico de la época dorada de Hollywood donde Howard Hawks era el niño bonito de la Warner y se pusieron todos los medios posibles para que contase una gran historia, cambió junto a William Faulkner cosas de la novela de Hemingway y tuvo a dos maravillosos actores en los papeles protagonitas, a Humphrey Bogart como Capitán Morgan y a jovencísima Lauren Bacall como Marie Browning, ambos protagonizaron la historia de amor fatal delante de la cámara y el comienzo de su verdadera historia de amor detrás de ella. No sólo la película gira alrededor de este fantástico idílio entre Bogart y Bacall sino que también tiene una gran carga humanista de como un hombre en apariencia "neutral" y que quiere sobrevivir con su negocio se convierte en un valiente y tiene un cierto idealismo a que las cosas pueden mejorar aunque a él posiblemente le pueda ir mal por tomar esos riesgos. Este pesimismo reinante durante casi toda la cinta se torna en buenas noticias a su conclusión ya que nuestro protagonista toma las riendas de su futuro y ahora él decide lo que quiere hacer, abandona su neutralidad y se convierte en un fugitivo y apuesta por su relacion con "La Flaca". Una historia fascinante, de las que ahora no se hacen y que te dejan el sabor de que el día de su visión ha merecido la pena levantarse y al menos dedicar 90 minutos a este relato indispensable del séptimo arte.



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Varjoja paratiisissa (Sombras en el paraíso)

Producción finlandesa del año 1986 dirigida por Aki Kaurismäki. Esta película junto a 'Ariel' y 'La chica de la fábrica de cerillas' forman la trilogía del proletariado de este peculiar director del norte de Europa. Nikander es un conductor del servicio de basuras de Helsinki, su vida transcurre en la más absoluta normalidad entre su precariedad por su empleo y alguna que otra borrachera que deriva en pelea. Su vida da un giro de 180 grados cuando su compañero en el camión se suicida y conoce a Ilona, una guapa cajera de un supermercado. Nikander consigue otro compañero para el camión con más iniciativa que incluso le anima a montar su propio negocio con una flota de camiones y la relación con Ilona todo el rato tiene sus claro-oscuros ya que hay momentos muy intensos con otros donde Ilona lo quiere dejar y no hace caso al pobre Nikander. Sus caminos se cruzarán con la determinación de coger el crucero a la vecina Tallin.

En este film Aki Kaurismäki se centra mucho más en los trabajadores y vemos a Nikander en el duro trabajo de ser basusero en un sitio tan árido como Helsinki y la otra protagonista, Ilona, que empieza de cajera en un supermercado y que acaba trabajando en una tienda de ropa para al final escapar con Nikander a la antigua Unión Soviética. En este relato tenemos mucho más diálogo que en la cerrada 'La chica de la fábrica de cerillas' ya que aquí no nos ocupa el tema de la soledad, estamos ante una relación contenida pero muy pasional. Cabe destacar la labor de los actores protagonistas Nikander (Matti Pellonpää) e Ilona (Kati Outinen) como también la música presente en el film con varias buenas piezas de rock y jazz y que demuestran el buen gusto musical de este director. Para amantes de la tierra del hielo que se derriten ante una buena composición de jazz de Chet Baker. Ver la catedral de Uspenski y el Senado de Helsinki siempre será un gusto.



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Il Camorrista (El profesor)

Producción italiana del año 1986 dirigida por Giuseppe Tornatore basada en la novela de Giuseppe Marrazzo e inspirada en el personaje real del mafioso Raffaele Cutolo, jefe de la Camorra reformada en la región de Campania. 'El profesor' es un hombre que ingresa en prisión a causa de un crimen pasional en defensa de su hermana Rosaria. En la cárcel desafia al anciano jefe de la Camorra que también está preso y consigue ascender a nuevo jefe desbancando al antiguo boss no sin pasar las dificultades y las palizas de los sicarios pero 'El profesor' es un hombre sabio e inteligente y sabe esperar el momento para dar el definitivo golpe, mientras tanto se gana la confianza de mucha gente tanto dentro como fuera del presidio. Una vez que es el jefe de la Camorra reformada empieza sus actividades delictivas de tráfico ilegal, extorsión y sus abogados consiguen su traslado a una institución psiquiátrica de la cual consigue huir con la ayuda de su inseparable hermana. Ya en libertad es testigo del máximo esplendor de su imperio y del posterior declive, con traiciones, asesinatos y su caída como boss tras su verdadera locura, el mismo se cree su papel de amo del mundo.

Lejos del romanticismo que destila la saga del 'Padrino' nuestro director italiano Tornatore nos muestra que toda actividad delictiva en la region de Campania tiene un final muy triste para los protagonitas porque esto es una carrera hacia una muerte segura y el que gana es el último que llega a ella. Película recomendada en el libro de Roberto Saviano 'Gomorra' donde Ben Gazzara hace una brillante interpretación del Profesor, un hombre en principio muy inteligente pero que sólo con su inteligencia no llegaría a nada en esta región del Sur de Italia, necesita además mucho valor para como él mismo dice ser digno de ser un buen Camorrista. También es muy interesante el papel de Laura del Sol como mujer de un familiar mafioso, siempre tenaz en su vida, apoyando a su hermano y en un oscuro segundo plano es la verdadera mano derecha en la sombra de nuestro protagonista donde toma las decisiones más importantes del grupo. En definitiva otra gran película sobre el sempiterno tema de la Mafia que tantas horas nos ha dado de metraje y tanta tinta se ha derramado en el terreno literato. Es la historia de un país tan controvertido como Italia, donde todavía a día de hoy la mayoría de su renta se concentra en muy pocas personas y la corrupción gobierna casi todas las instituciones.



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La Ira

Producción española del año 2009 dirigida por Daniel Calparsoro, mini serie de televisión de dos capítulos que Telecinco se hizo cargo de emitir. Marina es una joven estudiante de clase media, querida por sus padres en un hogar feliz estudia en Santiago de Compostela. Mediante chat conoce a Julián, un joven presidiario que cumple condena por el asesinato de un amigo de su padre. Julián es un tipo inteligente y su condena se reduce sensiblemente por buen comportamiento y por estudiar carreras superiores durante su estancia en prisión, mientras tanto Marina se enamora locamente en cada vis a vis que tiene con Julián. Al salir de la cárcel Marina y Julián se replantean un vida en común y marchan para el pueblo de Marina, muy amablemente sus padres les dejan la casa mientras buscan algo para cuidar a la niña que ambos van a tener, pero Julián volverá a las andadas en sus impulsos asesinos y en otro arrebato secuestra a los amigos de Marina, Carolina y Miguel. Durante esas 48 horas del asesinato, Julián enseña a Marina lo que es la 'Ira' y como canalizarla para obtener el mayor placer de ese pecado capital.

El nivel general de las series españolas y más las que emiten por TV deja bastante que desear por eso me sorprendió bastante esta serie y he querido ponerla dentro de nuestro blog de películas alternativas, con un tratamiento cinematográfico Calparsoro nos adentra en la mente de un asesino que es interrogado por la agente Verónica y que bucea en el recuerdo de nuestros dos protagonistas (Marina y Julián), una cuidada puesta en escena, personajes haciendo unas actuaciones más que creibles, la fotografía excelente y un buen acompañamiento musical hace ver en esta serie un oasis dentro de la mediocridad general en las televisiones estatales con bazofias como 'Física o Química' o 'La Señora', series casposas sobre adolescentes o ambientadas en los años del más oscuro franquismo. Cuando la cámara se pone en manos de un director de cine contrastado entonces cambia mucho el rollo y en esta mini serie Calparsoro aprovecha los medios que le ponen sobre la mesa para hacer un retrato psicológico sobre la violencia y el hecho de que cualquier persona puede cometer la mayor de las atrocidades guiada por nuestros impulsos más viscerales. Me alegrá pensar que todavía hay buenas producciones a nivel nacional. Espero que el futuro sea este.



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Tulitikkutehtaan tyttö (La chica de la fábrica de cerillas)

Producción finlandesa del año 1990 dirigida por Aki Kaurismaki. Liris es una chica de Helsinki que vive con su padrasto y una madre que no le tiene mucho cariño, ella trabaja en un empleo rutinario y aburrido en una fábrica de cerillas cuya misión es supervisar el correcto etiquetado de las cajas. El director nos muestra todo el proceso de fabricación de una simple caja de cerillas, desde que cortan el tronco hasta el producto final. Al salir de su trabajo nuestra protagonista también se ocupa de las tareas de la casa, cocina, plancha y cuida de su horrible familia en un barrio marginal de Helsinki. En el poco tiempo libre que le queda sale a bailar por la noche sin mucha suerte ya que ningún hombre le hace caso hasta que un día se topa con Stepfather que la confunde con una prostituta y deja a Liris embarazada. Ella dentro de su inocencia quiere que Stepfather sea el padre y tener una familia. Todo se tuerce y Liris abandona su inocencia y rutina para vengarse tanto de Stepfather como de su familia y en general del género masculino. Por fin Liris hace por primera vez lo que le apetece aunque las consecuencias son fatales, encuentra en su detención su liberación.

En apenas una hora, con un guión que ocuparía dos folios y un presupuesto de risa Kaurismaki da una lección del lenguaje visual cinematográfico. Es una película densa donde parece que no pasa nada pero donde tanto las miradas de los personajes, como los escenarios y la música te lo está contando todo y con un siniestro sentido del humor escandinavo te cuenta poco más que una tragedia shakespiriana de la soledad de una chica atrapada en un trabajo sin futuro y que no es amada por ninguna otra persona. Al principio el espectador se siente desorientado porque no ve nada, los personajes van de un sitio para otro y la primera palabra es 'Dame una caña' en el minuto 8 del rodaje y la segunda es 'Puta' en el minuto 16. Pero todos los detalles son preciosos, como la chica compra con su mísera paga un vestido para ponerse guapa, como pone todo su corazón en la carta que escribe a Stepfather contándole que está embarazada y esa sangre fría que tiene en el uso del matarratas. La escena final es sublime que es cuando aparece la policía en la fábrica para su detención, cierta alegría asuma en su rostro porque por fin se libra de ese mundo cruel en el que vivía, todo esto aderezado con una estupenda banda sonora con buenos temas de rock y jazz. Por estas latitudes no es un relato muy conocido que sería incomprendido pero a mi parece una pequeña joya del séptimo arte. Una visión diferente que nos llega desde el norte de Europa.



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La Prueba del Crimen

La cosa empieza de manera complicada: un negocio que debería cerrarse sin problemas, acaba con un tiroteo mortal del que pocos salen vivos. Y por si este fuera poco lío, los que estaban enfrente no eran vulgares cacos; eran policías corruptos. Para el jefe mafioso de Joey Gazelle esto supone un gran problema; la primera medida a tomar será deshacerse del arma homicida. Tarea fácil para cualquier maleante. Menos para Joey. Experto en 'cagarla', deja que el amigo de su hijo le robe la pistola y dispare a su padre. El chico huye asustado y Joey debe perseguirlo por toda la ciudad. Esta búsqueda se convertirá en una frenética sucesión de hechos a cada cual más peligroso y rocambolesco, en el que todo el mundo esta implicado. Pederastas asesinos, proxenetas, putas, niños, mafiosos rusos, mafiosos yankis, policías... Un enorme lío que se ira desenredando entre disparos y muertos de todos los bandos, y que nos llevará a un final que nadie puede esperar…

Sorprendente película de reciente producción, que se acerca de manera magistral a los mejores momentos del cine de Guy Richie. Un film gamberro, sangrante y frenético que retrata la violenta vida del mundo del crimen. Probablemente, a parte del final, el mejor corte es el de la familia pederasta. Humor negro y acción de primera categoría. Como he dicho antes, es imposible no comparar este largo con películas como Lock & Stock & Two Smoking Barrels o, en menor medida, Pulp Fiction. Sin embargo, el sudafricano Wayne Kramer (guionista y director del largometraje), no oculta en ningún momento el estilo de este tipo de films; más bien todo lo contrario lo adapta sutilmente, acentuando el tono dramático y consiguiendo un contexto “personal” que, en mi opinión, eleva el nivel de la trama. Y como colofón, mientras cruzas los dedos para que no la cague, el realizador nos regala un final inaudito, lógico y muy bien hilado, que deja a espectador con un sabor de boca tan bueno que entran ganas de ver toda la filmografía de este joven director.

Nota: 9


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Shaun of the dead

Shaun y sus amigos, llevan una vida monótona en la capital inglesa. Con más de 30 años siguen compartiendo piso y compartiendo aficiones: jugar a la consola y tomar pintas en el mismo bar de toda la vida, el Winchester. Los días son todos iguales y los problemas se acumulan a marchas forzadas. Un trabajo insulso, una novia que espera más de él, unos amigos perezosos… nada apunta a un futuro prometedor. Las cosas son siempre igual de aburridas. Sin embargo parece que algo extraño esta pasando en el país. Será otra campaña publicitaria. Pero no puede ser… la cosa se esta volviendo demasiado seria. En efecto una invasión de zombies esta aterrorizando la ciudad. Es entonces cuando Shaun debe demostrar que no es un perdedor y debe dirigir a sus seres queridos hacia un lugar seguro lejos de los contagiados que pueblan las calles hambrientos de sangre. Y que mejor sitio que el que ha sido su segundo hogar desde hace muchos años…

Hace unas semanas vi un listado de las 10 mejores películas inglesas de todos los tiempos y me sorprendió que Shaun of the dead (curiosamente el título en español es ¡Zombies Party! ¿Qué clase de título en español es este?), estuviera incluida la lista (no por casualidad tiene un 8 en IMDB). Era un film que me apetecía visualizar y eso hice. Me sorprendió gratamente la primera hora de película. Una parodia a la vida en las ciudades. Dónde todo es tan aburrido y tan parecido día tras día que pasaríamos por alto hasta una invasión zombie. Una mordaz y súper original crítica social, típica inglesa, pero que aquí en España es difícil de digerir. La parte final, bueno, divertida, pero demasiado freak, aunque en general el largometraje es muy interesante y da que pensar sobre todo a los que llevamos tiempo viviendo en una gran urbe.

Nota: 7,7


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