La adopción

España (2015)

Producción dirigida por la argentina Daniela Féjerman, inspirada en un caso real de la propia directora al adoptar un niño en Ucrania en el año 2009. Nos encontramos en las fechas navideñas y hasta un país del Este de Europa (aunque no se dice, es Lituania) se desplazan Natalia y Daniel, un matrimonio catalán que quiere adoptar un niño. Han hecho todos los trámites burocráticos para la adopción y esperan que pronto puedan aumentar la familia. Van con mucha ilusión y están seguros que van a ser unos grandes padres, la pareja además está bastante compenetrada. Pero no todo iba a ser tan fácil como se imaginaban, todo empieza al presentarles solo fotos de niños con graves enfermedades y algunos ya mayores, Natalia y Daniel quieren un niño sano y pequeño. Para ello, como en muchos lugares del mundo hay un sistema organizado de pequeñas corruptelas que poco a poco te van desplumando si quieres conseguir tu objetivo, las autoridades del país hacen la vista gorda y tienes que ir pagando a las personas adecuadas para que te enseñen otros niños, encima al no saber el idioma, no saben que les están indicando. Para Natalia no es un obstáculo, su familia tiene dinero y ella quiere ser madre, para Daniel no le parece un método adecuado de tener un hijo. El matrimonio tendrá que enfrentarse a varias duras situaciones donde se harán daño el uno al otro y se muestra la triste realidad de la compra de niños en los países del Este de Europa.

Sin duda, este es un relato donde se denuncia una realidad bastante dura en Europa, no hay efectismos ni piruetas en la historia para que te enganche la película, lo que se muestra es un matrimonio realmente enamorado que les falta en su vida tener una familia y mientras vas viendo lo que va pasando, no te sorprende nada. Ahí podría erradicar el punto débil o fuerte del film según se mire, en mi opinión, me parece muy acertado el tratamiento, aunque claro, esto se podría hecho un documental, pero la actuaciones de Nora Navas como Natalia y Francesc Garrido como Daniel son perfectas, realmente te crees que es un verdadero matrimonio. La corrupción generalizada es algo que por desgracia en España también nos suena como algo familiar y para conseguir tus metas, debes pasar por el aro e incluso renunciar a tu ética. Ahí es donde la película te pone en tu sitio, en esta misma situación que podría hacer uno, ser pragmático como Natalia a costa de arruinar la vida a tu pareja o intentar mantener tus ideales como Daniel y poner incluso en riesgo tu amor por tu pareja. Difícil solución que el film te clarifica y que recomiendo para la reflexión.

Para Recordar: las grandes interpretaciones de la pareja protagonista, tanto Nora Navas como Francesc Garrido logran parecer un verdadero matrimonio que a partir de un sueño lo que viven es una pesadilla.

Para Olvidar: la corrupción generalizada en gran parte de Europa, sobre todo en la parte oriental y sur.



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Victoria

Alemania (2015)

Producción dirigida por Sebastian Schipper, ganadora de 6 galardones en los premios del cine alemán (incluyendo mejor película, director y actriz protagonista Laia Costa, primera actriz no alemana que gana este premio). Victoria es una chica joven madrileña que se traslada a Berlín en busca de trabajo, está sola en la ciudad y baila en los clubes de techno del barrio de Kreuzberg. Al salir de uno de estos clubes se encuentra con un grupo de berlineses que están armando tanto jaleo que no les dejan entrar al club, son Sonne, Boxer, Blinker y Fuss. Enseguida hay una conexión entre Victoria y Sonne, el líder del grupo. Después del primer contacto visual, entablan conversación en inglés y Sonne le promete a Victoria que va a conocer la auténtica noche berlinesa. Primero se van a una tienda a robar cervezas y se las toman en la azotea de un edificio que conoce la pandilla. Después Victoria les enseña a los chicos en la cafetería donde trabaja, es la primera ocasión donde se quedan solos Sonne y Victoria, ella le enseña que sabe tocar el piano e interpreta el 'Vals de Mefisto' de Franz Liszt, como si fuese una premonición a partir de ahí y tal como le pasó a Fausto, Victoria no sabrá las consecuencias de sus actos. Boxer anuncia a sus compañeros que tiene que realizar un atraco a una entidad bancaria porque se lo ha prometido al gángster que lo protegió cuando estaba en la cárcel. Sonne habla con Victoria para que ella simplemente conduzca el furgón mientras ellos realizan el atraco. Algo rápido y limpio que como todos sabemos, no saldrá bien y se enmarañará hasta consecuencias insospechadas, el ritmo del relato cambia completamente y no paran de surgir imprevistos y desgracias. En definitiva una noche que cambiará para siempre la vida de Victoria y de estos cuatro berlineses.

Sorprendente relato que nos propone Sebastian Schipper, sobre todo por la forma de filmarlo, hizo un único plano secuencia una noche en Berlín desde las 4 de la madrugada hasta las 7. La cámara sigue a nuestros cinco protagonistas, con especial atención a Victoria y Sonne, dos personalidades muy diferentes que se atraen, una muchacha algo ingenua, aventurera y algo valiente, no es ni demasiado lanzada ni tampoco huraña. Sonne es un auténtico líder que es legal y muy fiel a sus amigos que son personajes bastante chungos, de hecho, Boxer estuvo en la cárcel. Esa mezcla, unida a la juventud del elenco, hace que se embarquen en algo muy arriesgado a ritmo de música electrónica compuesta por Nils Frahm. Aunque la película tiene dos partes claramente diferenciadas, siempre te tiene enganchado, ya que la manera de filmar todo el relato es el mismo. Tanto los actores, la dirección, la música y la propia Berlín son los puntos fuertes de este film. Quizás el final es un poco flojo, algo convencional y que ya llevas un rato esperando que pase la tragedia absoluta para todos, pero aun así es una gran película, donde no extraña que fuera muy galardonada. Sin duda muy recomendable para los que aman la capital alemana, cosa que a mi me ocurre, en ese aspecto no puedo ser objetivo. Berlín tal como refleja el film es de los pocos sitios en Europa donde queda aun algo a la improvisación.

Para Recordar: ese plano secuencia continuo de 140 minutos que es una oda a la juventud, a la irresponsabilidad y a la tragedia. Es como si estuvieras siguiéndoles en silencio por su absurda tragedia.

Para Olvidar: no por inesperado deja de ser un poco decepcionante el final del relato.



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El hombre que mato a Don Quijote

Spain (2018)

Toby es un director de cine americano, bastante capullo, que esta rodando en España lo que debe ser su obra cumbre: Don Quijote de La Mancha. Aunque actualmente es una rutilante estrella en Hollywood, Toby ya ha filmado una pieza en la península. Concretamente un medio metraje que le sirvió como proyecto fin de carrera. Curiosamente el argumento se centraba también en el personaje de Cervantes. Para colmo de casualidades, un gitano le vende exactamente la obra que rodó entonces. En ese momento le vienen a la cabeza multitud de recuerdos, entre los que destaca el la chavalita que le robó el corazón. Se pregunta que fue de ella y decide ir al pueblo donde se conocieron pare verla de nuevo, y si puede ser, mojar el churro. Pero lo que encuentra es un lugar muy diferente donde el antiguo protagonista se le ha ido la pinza a semejanza de lo que le ocurrió al propio Don Quijote. Compadeciéndose del otrora actor, Toby le intenta ayudar, a su manera claro. Pero lo que consigue es liar más las cosas y, en su intento de salvar el culo, se ve metido en un lio mayúsculo capitaneado por el viejo hidalgo. En una ida de olla bastante considerable, Toby (al que el caballero confunde con Sancho Panza) y el nuevo Quijote se verán inmersos en una serie de situaciones en las que no se sabe muy bien si son fruto de un colocón del director o están ocurriendo realmente. Y en esta mezcla de sueño lisergico y realidad decadente, aparece un magnate ruso encarnado por Jordi Molla (así de bizarro) que celebra una macro fiesta al lado del viejo amor de Toby. Es entonces cuando él se dará cuenta que es una tontería luchar contra la fantasía cuando el mundo real es mucho más aburrido...

Como no podía ser de otra manera, en una nueva escapada al BFI 2018, me decidí por ver esta curiosa pieza de incalificable Terry Gilliam. Y digo curiosa no solo por el argumento (que también), sino por a historia que hay detrás del rodaje. Y es que está película ha tardado la friolera de 16 años en ver la luz. Originalmente pensada para ser protagonizada por Johnny Depp y Jeff Bridges, no consiguió terminarse debido a una serie de fatídicas desgracias dignas de otra película. Y así fue. La historia del “no rodaje” de El hombre que mató a Don Quijote, fue estrenada en 2002 en forma de documental: Lost in La Mancha (muy recomendable). Centrándonos en la película actual, cabe decir que brillar en un tema tan explotado como el Quijote es muy complicado. Sin embargo Gilliam sale más que airoso del reto. Con su típica visión narcótica de la realidad, nos plantea una película de aventuras que homenajea al clásico de Cervantes rindiendo un certero tributo a su esencia más pura. Al contrario de lo que le pasó a Farhadi con su “Todos lo saben”, Gilliam se adentra en la cultura española con todo el conocimiento de causa. Mostrándonos partes de la España más profunda y casposa (los vendedores de CDs, los poblados, etc.) nos propone una escapada a lo imposible plagiando la idea de Cervantes y sirviéndose del hidalgo como conductor de la locura y del idealismo. Aunque parezca mentira, en el siglo XXI las hazañas del caballero de la triste figura tienen su réplica y, a lomos de un rocín y con un escudero más estúpido que Sancho, el director nos sumergirá en el universo cervantino con un toque surrealista que por momento se vuelve exquisito. Una exquisitez que roza la excelencia aunque sin alcanzarla. Algunos tópicos son evitables (como los flamencos) y se echa de menos la verdadera Mancha en unos exteriores rodados en el norte de España. Gran fallo, sobretodo para un manchego como yo. De todas formas recomiendo esta pieza que me hizo pasar momentos memorables.

 Nota: 8.5

Para recordar: Muchas cosas, aunque me quedo con el final ya que le da un toque de romanticismo que toca el corazón de los amantes de D. Quijote.
Para olvidar: Que no se haya rodado en La Mancha.


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Sarusuberi: Miss Hokusai

Japón (2015)

Película de animación dirigida por Keiichi Hara a partir del manga del mismo nombre de Sugiura Hinako. Ganadora a mejor película de animación en los premios Asia-Pacífico. Nos situamos en Edo (actualmente Tokio) en la época del shogunato Tokugawa, a mediados-finales del siglo XIX. Es una de las ciudades más pobladas del mundo, por allí pasan campesinos, samuráis, comerciantes, nobles y artistas, vemos el comienzo de lo que luego será la gran urbe capital del país. Dos artistas que viven allí son el archiconocido pintor Katsushika Hokusai y una de sus hijas, O-Ei. A pesar de la fama del padre, viven con lo justo y no disponen de muchos medios. De hecho, Katsushika y O-Ei viven solos pintando en su casa, la madre y las hermanas de O-Ei viven en otra casa en la ciudad. Su estilo pictórico es el ukiyo-e, que alcanzó su cima con una de las obras de Hokusai, el famoso cuadro de La Gran Ola de Kanagawa. Padre e hija viven en un desorden y casi anarquismo absoluto, el padre se centra mucho en su faceta artística. O-Ei es diferente, gran pintora pero también tiene mucho trato familiar con su madre y su hermana pequeña, que es ciega de nacimiento y en muchas ocasiones cuida de ella y salen a pasear al puente Ryōgoku. Algunos pintores también pasaron por esta casa, como Zenjiro Ikeda y Kuninao Utagawa. El relato se centra cuando el padre de nuestra protagonista está en su cima artística y ambos conviven para pintar conforme al estilo ukiyo-e. Cuando ya fallece el famoso pintor japonés, su hija O-Ei prácticamente desapareció y se dedicó a viajar por el mundo.

Renoir, Van Gogh y Monet son solo algunos de los pintores europeos que se inspiraron y admiraron la obra del famoso Katsushika Hokusai, en la película (al contrario que en el cómic) se centran más en la figura de su hija O-Ei, una pintora que no logró el reconocimiento ni nacional ni internacional como su padre, pero que gran parte de las obras fueron suyas, simplemente no las firmaba y entonces no sabemos a ciencia cierta cuantas de estas obras fueron realizadas por ella. En el film se muestra muy bien como el padre solo vivía su gran pasión que era la pintura, para su hija era una gran profesión que le gustaba mucho pero cuidaba su faceta humana, cuidadora de su hermana y apoyo para su madre, no se le conocían relaciones carnales pero pintaba muy bien pasajes eróticos dentro del estilo ukiyo-e. Se pueden destacar varios aspectos de la película, una banda sonora con rock y guitarras eléctricas que le dan un contrapunto al relato, un ritmo pausado que es muy generalizado en el cine asiático y en concreto japonés (por ello se necesita algo de paciencia en este tipo de películas) y un aspecto visual impecable, algo muy importante cuando estás contando una historia real sobre uno de los pintores más famosos de Japón. En definitiva es una pieza muy recomendable que sirve para todos los públicos, incluso para un público infantil por su aspecto visual. Además reivindica la faceta feminista e independiente de O-Ei.

Para Recordar: la expresión artística de nuestra protagonista, O-Ei, la cual no firmaba muchos de los trabajos que ella hacía y que atribuyen a su padre, el famoso pintor Katsushika Hokusai. Una mujer independiente y muy valiente, que en 1814 estuvo junto a su padre y al fallecimiento de este, se fue a recorrer el mundo ella sola.

Para Olvidar: que si no llega a ser por la película y el manga, esta artista hubiese quedado en el olvido.



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Mandy

USA (2018)

Mandy y su churri (Red Miller) viven en un casoplón en medio del bosque. Entre porrete y porrete hablan de viajes astrales, de marcianos y de temas metafísicos. Red trabaja de leñador donde cristo perdió el gorro y Mandy pasa mucho tiempo sola leyendo y trabajando en la gasolinera del pueblo. A todo esto, una secta de flipados se cruza con la muchacha y el gurú se queda prendado de su belleza. El tipo, una especie de Jesus Christ rancio, le pide a sus secuaces que la secuestren. Para ello, no se les ocurre una idea mejor que llamar a unos moteros infernales que parecen a los primos tarumbas de Hellraiser. La cosa es que lo que el jefe de la secta quería era básicamente meter colilla y cuando Mandy le rechaza, el tío entra en cólera y se le va de las manos. El buenazo de Red, que es poco menos que sodomizado, logra sobrevivir más o menos en buenas condiciones, aunque bastante perturbado. Con una ida de olla considerable, decide vengarse de la secta y de los moteros y, con un hacha forjada por el mismo con sus manitas, pondrá rumbo a lo desconocido para soltar mamporros a diestro y siniestro con un objetivo claro y meridiano: masacrar.

El director italo-canadiense Panos Cosmatos se acercó por el BFI 2018 para presentar su nueva película, la incatalogable Mandy. Con el reclamo de haber recuperado la mejor versión de Nicolas Cage, este largo causó mucho expectación en la capital británica. Se acabaron las entradas y el público estaba expectante. La primera desilusión corrió a cargo del propio Panos con una presentación de la pieza muy pobre en linea con su apariencia física. Cubierto con una capucha dentro de la sala, Cosmatos parecía querernos decir 'esta película la ha rodado un tío muy raro'. Y en efecto eso es lo que pensé al terminar de verla. Con un comienzo muy prometedor al ritmo de King Crimson, la historia de Mandy plantea una realidad muy psicodélica, donde una pacífica pareja se topa con una secta violenta que utiliza las drogas y entes de otro mundo para llevar a cabo sus sucios planes. Con una estética innovadora y una atmósfera muy 'Twin Peaks', la verdad es que la trama engancha y crea una expectación que desgraciadamente se ve truncada por la segunda parte del film. Una parte que se centra exclusivamente en Cage y su locura, para relatar una simplona historia de venganza, llena de sangre y vísceras, que solo puede salvarse si lo tomamos como un homenaje al cine gore de los 80. Aunque la verdad es que eso es ser demasiado benevolente con Panos, ya que la realidad es que su ambición y su particular visión del terror, no aportan mucho valor a este largo del que sobra la última media hora.

 

Nota: 6.1

Para recordar: Nicolas Cage en el baño en calzoncillos.
Para olvidar: Los demonios motorizados.


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 Panos Cosmatos aburriendonos con su presentacion.

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Imitation Girl

USA (2017)

Un muchacho joven e imberbe se pilla una botella de whisky y una revista donde sale su actriz porno preferida (Julianna), y se va al desierto para aliviarse en soledad. Sin embargo el climax se le corta cuando el cielo se abre y una masa negra viscosa cae sobre su revista. Esta masa, al pasar por la foto de Julianna se convierte en la mismisima actriz. El aspecto físico es el mismo, pero, este ente extraterrestre, no sabe casi ni hablar. Mientras tanto, la verdadera Julianna, lleva una vida discola en la gran ciudad, fornicando por trabajo, por placer, tomando drogas y sin saber que hacer con su vida. La 'imitación', mientras tanto llega a un hotel regentado por libaneses y se queda con ellos un tiempo. En ese periodo aprenderá a hablar farsi e ingles, conocerá el amor más puro y descubrirá que su alter ego se da la vida padre lejos de allí. Una vida que la verdadera Julianna querrá enderezar volviendo a su antigua pasión como pianista. Pero es una bala perdida y una noche loca, repleta de drogas y alcohol le harán fracasar en su intento de encontrar una profesión 'normal'. Pero afortunadamente su doble la encontrará en el peor momento de su existencia para sacar todo lo bueno que hay en ella...

Curiosa película (aparentemente de ciencia ficción) que mezcla el drama y el surrealismo a partes iguales. Sin ninguna ambición, la realizadora americana Natasha Kermani nos muestra una historia sencilla, lisergica y existencialista donde la música guiará al espectador a través del sueño de la protagonista. Sin preocuparse mucho de las razones, Natasha se desmelena en esta su segunda película para darnos una visión muy personal de como la vida de una mujer en la gran ciudad puede tomar un camino hacia la perdición más absoluta. Reflexiones profundas, se enlazan con experiencias banales y con la trama paralela de las 2 Julianas: la verdadera y la imitación. Ambas emprenden un camino imposible que en ningún momento se ve muy claro hacia donde va. Finalmente, la directora opta por culminar su obra desde una perspectiva abstracta y metafísica que, o deja meditativo al espectador o lo hunde por completo. En mi caso fue lo primero y su visionado me pareció un ejercicio muy agradable para mi mente. Sin embargo puedo entender que otras personas se decepcionen ante la poca complejidad de la pieza, que parece vagar sin rumbo desde los primeros minutos.

Nota: 6.8

Para recordar: La reflexión sobre el amor de Saghi.
Para olvidar: Que la directora parezca que se ha quedado sin guión en los últimos 10 minutos.


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Yo, él y Raquel

EEUU (2015)

Producción dirigida por Alfonso Gomez-Rejon, ganadora del gran premio del jurado y del público en el Festival de Sundance. Greg es un estudiante del último año de instituto, allí su gran mérito es pasar totalmente desapercibido por los otros alumnos y profesores, no se lleva mal con nadie y le dejan tranquilamente en paz. Su único amigo es Earl, un chaval con el que comparte una afición al cine y sobre todo a los clásicos, de los que hacen cortos parodiándolos. Una de las alumnas del instituto, Raquel, le han diagnosticado leucemia, una enfermedad muy complicada. Ante tal desgracia, la madre de Greg, le ordena a su hijo que vaya a ver a la chica y se hagan amigos, cosa que a Greg no le apetece demasiado, de hecho es tan sincero en su primer encuentro con Raquel que le confiesa que solo ha venido a verla porque su madre se lo ha ordenado. Greg le propone que pasen un par de días juntos y que así su madre lo dejará en paz y ya no tiene Raquel porque verle más si no le apetece. Al principio no hay ningún feeling entre nuestros protagonistas pero poco a poco va naciendo una amistad real y verdadera. Raquel conoce a Earl y los tres lo pasan muy bien juntos con los cortos que hacen Greg y Earl. Conforme la amistad es cada vez más fuerte, más débil se va encontrando Raquel debido a la leucemia, ahora sí que sobre todo Greg es un gran apoyo para nuestra protagonista. Sin duda, Raquel pasa el último año de su vida con sus dos mejores amigos y lucha contra la leucemia con más fuerza aunque el final sea inevitable y triste.

Nos encontramos ante una de las mayores sorpresas que haya tenido en los últimos años en cuanto a películas. Leyendo el argumento, piensas que te vas a encontrar una comedia americana de instituto con un dramón que se puede proyectar los fines de semana en cualquier cadena gratuita. En vez de eso, te sumerges en unos personajes muy bien construidos y con unos diálogos brillantes, tanto que a veces la enfermedad de Raquel pasa a un segundo plano y lo que estás viendo es un relato de muy buenos amigos que les encanta el cine. Finalmente la tragedia se consume y te golpea con fuerza, pero la película no se regodea en eso, lo hace con gran humanidad por parte la familia y amigos de Raquel. Es el gran acierto que tiene este film, el instituto no es como el que te enseñan en las películas americanas, la amistad de Greg, Earl y Raquel no se basa en el ligoteo y las familias parecen reales. Si a esto le unimos el gran trabajo por parte del director con algunos toques culturales (ese póster en la habitación de Greg de 'Los 400 golpes' de Truffaut) y una buena música, hace que esta película la recomiende para todos los públicos, no creo que decepcionase a nadie que le guste lo mínimo el cine. Es una producción que siempre recordaré.

Para Recordar: es una película que te logra emocionar y no por la tragedia en la que ella se cuenta. El relato desborda humor, amistad e ingenio.

Para Olvidar: el final es triste porque ocurre lo inevitable, te deja algo tocado. Pero hay mucha humanidad en la reacción de los protagonistas.



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El rostro impenetrable

USA (1961)

Río y Dad son dos bandidos de la más baja calaña que se dedican a robar bancos. En una de sus 'operaciones' se verán asediados por el ejercito mejicano. Dad promete ayudar a Río, pero lo que hace en realidad es dejarlo tirado y largarse con el dinero. Este tipo de cosas no se olvidan fácilmente y cuando Río consigue huir de la prisión donde estaba recluido solo tiene una idea en la cabeza: encontrar al traidor de su 'amigo. Tras muchas pesquisas se entera del que el despiadado Dan Longworth ahora es el honorable scheriff Dan. Un serio problema para su objetivo que no es otro que darle la más dolorosa muerte. Sin embargo la venganza tendrá que esperar. Mientras tanto, la amistad entre Dan y Río parece haber florecido de nuevo y el olvido empieza a prevalecer sobre el odio. Pero Río ni olvida ni perdona y lo único que quiere es destrozar a Dan. Un Dan que tampoco pierde el rencor y contraataca para terminar de una vez con la amenaza del mejor pistolero del oeste. Mucho oponente para un pobre diablo que solo tendrá una oportunidad para intentar acabar con su pasado.

 

Extraño e imprescindible western dirigido y protagonizado por el singular Marlon Brando. Curiosamente el guión fue originalmente creado por Sam Peckinpah para que lo dirigiera nada más y nada menos que Stanley Kubrick. Pero los estudios (cuyo dueño era Brando), no vieron con buenos ojos los requerimientos de Sam y más tarde Stanley y ambos fueron apartados del proyecto. Con este percal, Marlon Brando tuvo que ponerse en la piel del director, filmando así su primera y única película como realizador. Y algo que parecía estar abocado al fracaso, dio como resultado una rareza de culto que hasta ganó la concha de oro en el festival de San Sebastián. Técnicamente el rostro impenetrable es una sucia historia de traición que vulnera los tópicos del cine de vaqueros. Con una tensa calma, los personajes, capitaneados por un gran Marlon, desfilan por el escenario de arena para mostrarnos los más bajos instintos humanos. Con más drama que acción, el largo culmina mostrando las desgracias más bajas del protagonista, que, más que una leyenda del lejano oeste, es un anti héroe de los que están tan de moda en el cine moderno. Como he dicho al principio de obligado visionado si eres fan de los westerns.

 

Nota: 8.2

Para recordar: La indolencia de Brando en la cárcel mostrando una arrogancia legendaria.
Para olvidar: Se echan de menos unos pocos más de 'tiros'.


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Mustang

Francia (2015)

Producción dirigida por Deniz Gamze Ergüven y música de Warren Ellis, mejor película en el Festival de Sarajevo, Goya a mejor película europea y mejor ópera prima en los premios del cine europeo. Lale, Nur, Selma, Ece y Sonay son cinco hermanas que viven en el interior de Turquía con su abuela y su tío Erol. Viven con ellos porque sus padres ya fallecieron y fueron a vivir con la abuela. Son niñas y adolescentes felices que en el último día de escuela se vuelven andando a casa debido al buen tiempo. Antes de llegar, se encuentran a otros chicos que conocen del colegio y acaban jugando en la playa, hacen luchas a caballito y terminan robando manzanas en un campo donde pronto sale el propietario a ahuyentarlos con una escopeta. Al llegar a casa, les espera su abuela con un semblante muy serio y enfadada. La vecina ha advertido a la abuela de los juegos que se trajeron sus nietas con los chicos y esos actos serán las deshonra de la familia, sus partes íntimas han tocado el cuello de chicos. Peor será cuando llegue su tío Erol, a las tres mayores les pegará una paliza y se las llevará al día siguiente al médico para certificar que siguen siendo vírgenes. Las niñas están indignadas que se dude de su palabra y Erol advierte a la abuela que les ha dado mucha libertad y todo va a cambiar. De repente las vidas de nuestras cinco protagonistas transcurrirá solo en los muros de la casa y estarán encerradas aprendiendo las tareas del hogar, vestirán conforme a la religión y saldrán de allí únicamente por petición de mano para casarse. Las dos mayores pronto ya tienen pretendientes, Sonay le indica a su abuela que solo se casará con Ekin, un muchacho del que está enamorada y es correspondida, la abuela le dice que su familia se presente a pedir su mano. Para Selma el matrimonio será arreglado por las familias y tendrá que casarse con Osman sin conocerlo. El día de la boda de Sonay y Selma será el último donde estarán juntas las cinco hermanas. Ece se lleva la peor parte de todas y es abusada por su propio tío y las dos pequeñas, Nur y Lale deciden escapar a Estambul para evitar la boda de Nur con un joven que luego marchará a realizar el servicio militar. Con la ayuda de Yasin y su furgoneta podrán reunirse con la señorita Dilek, profesora de Lale en el colegio, en la ciudad del Bósforo.

Sorprendente relato que fue la revelación en Francia cuando se estrenó. Es una película muy natural que hace creíble por desgracia los acontecimientos que se cuentan en ella, no renuncia a la comedia y a la delicadeza a pesar de la crudeza de los hechos. La cerrazón religión hace que cinco hermanas que se adoran, tengan que separarse y sufrir una serie de vejaciones y humillaciones cuando su único "pecado" fue ir a jugar a la playa con unos chicos. En pleno siglo XXI sus familiares las llevan al médico para certificar su virginidad, de lo contrario, no podrían casarse. A partir de ahí por culpa de las apariencias y de una vecina chismosa, empieza el infierno particular de cada una que lo afrontan desde la ingenuidad y la incomprensión de su entorno. Según la personalidad de cada una, tendrán más o menos un destino desgraciado, Sonay no sale muy mal parada al tener a Ekin y tener iniciativa, a Selma le esperará una vida dura con Osman por su pasividad, la impertinencia de Ece le hará llevarse la peor parte y la valentía de Lale hará salvarse a sí misma y a su hermana Nur. A destacar la buena interpretación de todo el elenco de la película, en especial de las cinco chicas y la música de Warren Ellis. Una historia cotidiana que sorprende y que sin duda es muy recomendable.

Para Recordar: la historia de desigualdad de estas cinco hermanas, que por culpa de la religión y las costumbres son sometidas a diversas vejaciones y humillaciones. Su pureza de hecho está en su ingenuidad.

Para Olvidar: la ignorancia y la absurdez de las tradiciones de casar a las mujeres por conveniencia y que lleguen vírgenes al matrimonio.



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La mala vida

Argentina (1973)

En la Argentina de los años 70 la delincuencia formaba parte de la sociedad. La corrupción era condición indispensable de a clase política y la policía solo se limitaba a perseguir pequeños “raterillos”. Esto servía para mantener una falsa paz en las calles y sobretodo para enriquecer la los más deplorables empresarios del crimen. Gente como Victor el Francés, un rufián que amasa una fortuna a costa de prostíbulos ilegales y de una trata de blancas despiadada e implacable. Los matones de turno viajan por pueblos y villas del país secuestrando a mujeres jóvenes para obligarles a 'trabajar' de prostitutas por un salario misero. Las subastan como animales y las mantienen recluidas en las casas del clan. El castigo por huir es la muerte más cruel. Pero a nadie le importa mientras los peces gordos disfruten y los capos traigan el placer a la capital. Afortunadamente aún hay policías integraros que van a ir a por todas para meter entre rejas al Francés y erradicar su monopolio de terror. Pero aunque las leyes cambien, el mal siempre busca maneras de sobrevivir y los corruptos seguirán moviendo sus hilos para salir indemnes. Lástima que Victor se haya rodeado de enemigos muy peligrosos...

 

La Mala Vida es una interesante pieza de cine “undreground” sudamericano rodada en los años 70. Supongo que en su momento fue menospreciada y tratada como cine 'pornográfico' de la época debido a su escenas 'subidas de tono'. Escenas que hoy en día salen en la mayoría de las películas, pero que en la sociedad de la época escandalizarían al espectador más mojigato. El director se atrevió a retratar una realidad tan dura como la de la trata de blancas en Argentina de manera explícita, mostrando los antros donde los poderosos se divierten y desvelando la pasividad de las fuerzas de la ley ante un crimen que parecía menor en aquel momento. Sorprendente y valiente historia que merece la pena visionar. Un visionado que resultará complicado debido a la mala calidad de las copias que circulan por la red. Pieza de culto que ayuda a entender lo difícil que era hacer cine social en los 'lejanos' años 70 en el cono sur.

 Nota: 7.2

Para recordar: El proxeneta violento e indolente indignado ante la profesión de actriz porno.
Para olvidar: La poca complejidad de la historia que básicamente trata de exponer el problema de la prostitución ilegal en aquella época.


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Los insólitos peces gato

México (2013)

Producción dirigida por Claudia Sainte-Luce, premio especial del jurado en el Festival de Gijón y mejor ópera prima en el Festival de La Habana. Claudia es una joven que vive absolutamente sola, trabaja en un supermercado y vive en una casa de mala muerte. Su vida es de lo más aburrida y simplemente sobrevive en un ambiente gris en industrial. Durante su turno en el supermercado sufre una apendicitis y no sabe ni como actuar. Al final de tanto dolor acaba ingresada en el hospital y la operan. Su compañera en la habitación después de operada es Martha, una mujer con sida, al parecer infectada por su marido, ya fallecido. Martha tiene cuatro hijos que la acompañan, Alejandra, la mayor, de temperamento duro pero noble y acomedida, Wendy, muy ansiosa y más bien desocupada, Mariana, preadolescente en plena neurosis por su imagen y próximo despertar sexual y Armando, tímido y tierno. Martha está fascinada por la soledad de Claudia y le ofrece vivir con la familia para que no esté sola y también porque le vendrá bien la ayuda con sus hijos, aunque su propósito es meramente altruista. Al principio los hijos de Martha no saben y no entienden porque vive allí Claudia con ellos, pero poco a poco se va realizando la integración. Martha cada vez se va encontrando peor debido a su enfermedad y conforme avanza la trama, descubrimos que sus hijos son de padres diferentes, de ahí alguna de las rencillas sobre todo entre hermanas. El final de Martha está cerca y aunque Claudia siempre amenaza con marcharse, esta va a ser su nueva familia y le tendrá un cariño y aprecio especial para siempre a Martha y a sus hijos.

Por fin encontramos una película venida desde México que no es una trama en la frontera con EEUU por inmigración o sobre narcotráfico. Esta tragicomedia es un soplo de aire fresco donde hay un buen guión y una brillante labor de los actores del relato. Parece ser que la película está basada en parte de la vida de la directora y sin duda lo plasma con bastante veracidad, aunque al principio no te creas mucho que una persona que conoces en el hospital, la vayas a invitar a vivir contigo. Pero Martha es todo un personaje que la actriz Lisa Owen hace que te lo creas. Luego con algunos grandes diálogos y buen ritmo no hace que te aburra la historia, consigues una película que recuerdas y te invita a la reflexión. Se nota que la directora ha visionado mucho cine indie procedente de EEUU, tanto la estética como la música, te recuerda a obras como Pequeña Miss Sunshine o Juno. Sin llegar al nivel de estas dos grandes películas pero que te deja con ganas de ver las próximas producciones de esta directora. Recomendable para amantes del cine independiente.

Para Recordar: la humanidad de Martha con Claudia y sus hijos. La soledad de Claudia y su posterior integración en la familia.

Para Olvidar: el final con la muerte de Martha y un homenaje que me parece un tanto ridículo.



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En Granada es posible

España (2015)

Documental dirigido por Cristina y María Jose Martín Barcelona. Durante 40 años la escena musical de Granada ha dado grandes grupos y solistas, para ser una ciudad que no llega a los doscientos cincuenta mil habitantes, la proporción es muy abundante en el terreno musical, en este documental vamos a escuchar a estos grupos y solistas el por qué de este fenómeno tan insólito en esta ciudad. La escena nace con Miguel Ríos y un grupo no muy conocido fuera de Granada como son Los Ángeles. Este fue el germen del rock en Granada, antes ya estaba por supuesto el flamenco en barrios como el Albaicín y Sacromonte. En los años 80s fuera de los circuitos de la archiconocida movida madrileña nacen grupos como 091, la Guardia o Comando 9mm, artistas como los hermanos Lapido o los hermanos Arias van cogiendo el testigo de Los Ángeles. El boom se produce en los finales de los ochenta y principio de los noventa, Lagartija Nick, unos jóvenes Los Planetas y Enrique Morente ponen definitivamente a Granada en el mapa musical, la creación del 'Omega' fue el punto culminante de esa fusión entre rock y flamenco que tantos palos le dieron al principio. Con el nuevo siglo y en plena oleada indie, surgen nuevos grupos también muy conocidos como Lori Meyers, Niños Mutantes, Eskorzo o Pájaro Jack, sobre todo los primeros que también han hecho conocida a la localidad granadina de Loja. Actualmente el testigo lo han recogido Napoleón Solo, Lemon Parade y Soleá Morente. No solo el rock y el flamenco se produce en Granada, también el mestizaje es muy importante y para ello tienen una figura tan importante como Ámparo Sánchez (conocida como Amparanoia) y actualmente a Vinila Von Bismarck. Por supuesto también hay templos musicales donde se toca música en directo en Granada como son Planta Baja, el Peatón, Sala El Tren o Ruido Rosa.

A nivel personal, Granada es una de mis ciudades favoritas, este fue el principal motivo para ver este documental. He visitado un montón de veces esta ciudad y la visitaré muchas veces más porque además de ser un lugar muy agradable, me ha brindado de los mejores momentos musicales durante mucho tiempo. Tuve la suerte de ver en directo el espectáculo de 'Omega' de Enrique Morente junto a Lagartija Nick, ahora eso ya es imposible por el fallecimiento de Enrique. El documental para el espectador neófito le aportará mucha información, en mi caso me aportó algunos datos puntuales, no sabía que M Clan eran granadinos. La conclusión principal de casi todos los que intervienen en la película es que en la ciudad hay una especie de magma artístico que la impregna, es un lugar muy favorable para la creación e inspirador. El documental tiene una segunda parte que fue por lo que básicamente se rodó, hubo una reunión de la mayoría de estos grupos para realizar un concierto único en la ciudad, aunque hubo destacadas ausencias por motivo de agendas como Los Planetas y Lori Meyers, los demás sí acudieron al evento. Hay ciudades que inevitablemente asocias a la música, Granada, Nueva Orleans, Memphis, Manchester, Nueva York o Buenos Aires son algunas de ellas. Federico García Lorca y Joe Strummer lo sabían.

Para Recordar: la música que nos brinda y nos brindará la ciudad de Granada con una variedad de géneros insólita en una ciudad que no es una gran urbe. Además de Granada ha salido el mejor disco en español, 'Omega' de Enrique Morente con Lagartija Nick.

Para Olvidar: a veces el documental cae en el autobombo. También se puede ser críticos y ver que el relevo generacional ya no está tan claro, al vivir en la globalización ya no es tan fácil retener el talento en la ciudad.



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Of Fathers and Sons

Alemania (2017)

Producción dirigida por Talal Derki, ganadora a mejor documental en el festival de Sundance. El director es nacido en Damasco pero desde el 2014 está afincado en Alemania. Para el documental vuelve a Siria, a la zona norte donde se gana la confianza de Abu Osama, uno de los fundadores del grupo terrorista Al Nusra, una de las ramas sirias de Al Qaeda. Durante dos años y medio convive con ellos haciéndose pasar por un musulmán devoto. Con todo el material rodado tenemos este impactante documental donde podemos ver de primera mano la cotidianidad de esta parte del país donde no llega el estado sirio. Abu Osama cuenta orgulloso que tiene ocho hijos y uno de ellos nació el 11-S y le puso de nombre Osama para celebrar la caída de las torres gemelas en Nueva York. Por supuesto durante todo el relato solo salen los hijos varones de Abu, ninguna mujer aparece en el documental. Sus dos hijos mayores, Osama y Ayman ya tienen edad con 13 y 12 años para entrenamiento militar con las milicias de Al Nusra, allí no es que jueguen precisamente a la guerra, tienen su uniforme militar, manejan armas reales y los someten a pruebas bastante duras con dispararles a los pies para que luego en combate no se asusten. El padre se dedica a las minas y coches bomba, de hecho, a mitad del documental aparece herido por la explosión de una mina que le hace perder un pie. A Osama sí parece interesarle mucho ser soldado, tiene devoción por su padre y pide que le cuente historias sobre sus amigos torturados. Sin embargo a Ayman le gusta más ir al colegio que el entrenamiento militar, pero eso no le hará a su padre cambiar de pensamiento, él es un hombre cariñoso con sus hijos pero hay que cumplir la Sharia musulmana y ambos deben ir al frente para luchar contra el invasor.

Como cada año que ya viene siendo una tradición, acudimos al festival de documentales Documenta Madrid para ver este impresionante documental que es un relato en primera línea sobre el terrorismo yihadista, el director de Retorno a Homs vuelve a su patria para estar bastantes meses actuando como un mulsumán radical que quiere filmar las proezas de Al Nusra. El panorama que nos muestra no puede ser más desolador, los niños allí nacidos no juegan a la guerra, están dentro de ella y son entrenados en campos militares para enviarlos a combate y en la mayoría de los casos ser unos mártires. Lo contradictorio del caso es que puedes ver a estos terroristas de Al Nusra como unas bestias salvajes descerebradas pero Abu Osama es un padre que quiere a sus hijos y es muy cariñoso con ellos. Pero sus leyes son inquebrantables y en ellas crían y educan a sus hijos que creen ciegamente en lo que les cuentan, tampoco han podido ver otras alternativas. Esto te lleva a la reflexión de que estos conflictos van para largo porque por mucho que puedas aniquilar a los líderes de estas organizaciones ya tienen una estructura lo suficientemente compleja como para dar relevo a la siguiente generación, lo que te hace ser bastante pesimista respecto al futuro y te vayas del cine con bastante desesperanza de que estos territorios lleguen a la paz en un corto periodo de tiempo. Un documental imprescindible sobre el fundamentalismo religioso y la violencia que ello conlleva.

Para Recordar: la valentía del director sirio en adentrarse en el grupo terrorista Al Nusra y ganarse la confianza de sus miembros para que le dejasen grabar el día a día de esa comunidad islamista radical.

Para Olvidar: que siendo un niño te hagan soldado, te disparen a los pies y tengas que aguantar el miedo. La nula participación de cualquier mujer en el documental, no podían ser grabadas. Solo vemos a los hijos varones de Abu Osama.



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Trailer con subtítulos en inglés.




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Loving Vincent

Poland (2017)

El honorable cartero Joseph Rouli, siempre cumple con su obligación de entregar las cartas a sus destinatarios. En el caso del artista Vicent Van Gogh, es aún más importante distribuir la misiva pues se trata de un documento póstumo enviado a su hermano, Theo, antes de suicidarse. Joseph esta mayor y decide asignar tan fácil misión al gamberro de su hijo Armand. Matará 2 pájaros de un tiro. Por un lado evitará que se meta en líos y por otro cumplirá con su trabajo. El simple encargo se complicará cuando Armand descubra que Theo también ha fallecido. Tras investigar por su ciudad natal, se dará cuenta que el único allegado vivo del pintor sería su médico que vive en una casa a las afueras. Como no tiene más que hacer Armand irá en busca del doctor para entregarle la carta. El destino quiere que dicho mata-sanos este de viaje por unos días y Armand deba quedarse en la zona donde Vincent murió. Allí se percatará que la muerte del pintor no esta tan clara como se decía. Diferentes versiones y comentarios de gente que compartió los últimos días con Van Gogh, hacen darse cuenta a Rouli que el suicidio no tiene ningún sentido. Quizás fuera asesinado impunemente. Pero la locura del artista quedo fuera de toda duda cuando se cortó una oreja para entregársela a su amada. Con ese curriculum es difícil que Armand demuestre su teoría, que, al fin y al cabo, no devolverá la vida al legendario artista.

En 2017 se rodó este film que no se puede llamar otra cosa que obra de arte. Una obra de arte que habla del arte, del concepto en sí y de la pasión que un pintor, Vincent Van Gogh, demostró en su corta vida como artista. ¿Como empezar describiendo 'Loving Vincent'? Lo primero es que es una película como nunca había visto (y mira que he visto). Se trata de la primera película de animación al oleo que se ha hecho. 100 artistas de todo el mundo, durante varios años, completaron los 65.000 fotogramas que componen la pieza. Por si esto no suena lo suficientemente sorprendente, hay que decir que los dibujos fueron hechos al inconfundible estilo impresionista del pintor holandés. La historia recorrerá sus últimos días de vida y nos meterá de lleno dentro de algunos de sus cuadros más celebres. Resulta apasionante ir adivinando el nombre del cuadro que esta representado en la escena. Pero no tan solo el resultado visual es impresionante. La historia, sin ser excesivamente compleja, engancha desde el principio, aunque bien es cierto que el desenlace parece demasiado simple para el misterio que se había creado. Sin embargo el sublime epílogo que nos plantea el realizador, dejará al espectador más sensible con un buen sabor de boca, amando a Vincent y viéndolo como ejemplo del amor absoluto al arte. Sinceramente me quedé boquiabierto cuando visualicé este largo.

 

Nota: 9.1

Para recordar: El planteamiento, los dibujos, el esfuerzo creativo... No puedo decir solo una cosa.
Para olvidar: Un poco de bajón en el desenlace.


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Casi 40

España (2018)

Producción dirigida por David Trueba, premio especial del jurado (Biznaga de plata) en el Festival de Málaga. Tristán y Lucía son amigos desde el colegio, incluso en el instituto tuvieron un breve romance de dos meses. Ahora ambos tienen casi 40 años y sus vidas son bastante más monótonas que en su juventud. Tristán trabaja para una empresa de cosméticos naturales. Tuvo una pareja en Francia pero la cosa no salió bien y se ha vuelto a España. Lucía está casada con un ex jugador del Real Madrid, tiene dos hijos y se dedica a cuidarlos. Antes Lucía componía canciones y actuaba, tuvo bastante éxito en los 90s y ganó bastante dinero y algo de fama, de ahí que conociese al jugador de fútbol. Ahora ya está retirada y prácticamente nadie se acuerda de ella. Pero para eso está Tristán que le monta una gira para que vuelva a actuar. Lo que no sabe Lucía es que las actuaciones van a ser principalmente en librerías y bares muy pequeños. Juntos se embarcan en un viaje con la furgoneta del trabajo de Tristán, él no puede conducir debido a que tiene un dedo roto y lo tiene inmovilizado. Tras la sorpresa inicial de Lucía a tener que tocar en librerías, acepta el reto, y vuelve a encontrar esas sensaciones que perdió hace años con su retirada. Ambos saben que es algo ocasional y puntual, pero ese reencuentro hará que afloren reflexiones y pensamientos que no podemos tener en nuestro día a día por culpa de nuestras ocupaciones y responsabilidades. Cuando tienes 19 años te quieres comer el mundo y no piensas en el futuro, ahora con casi 40, tu vida es mucho más estable, pero también bastante más aburrida y con muchas inseguridades ante el futuro.

La nueva película de David Trueba se estrena 22 años después de La buena vida con los mismos protagonistas, lo que hace pensar que es una segunda parte y vemos como los personajes han cambiado después de tanto tiempo. Trueba no lo afirma así, sencillamente nunca pensó en realizar una secuela sobre su primera película, aunque le ha salido de manera natural. Ahora Lucía y Tristán van por la meseta castellana en una furgoneta haciendo un descanso en sus vidas cotidianas para reflexionar lo que ha pasado durante estos años. Tristán está muy enamorado del personaje de Lucía, pero de la Lucía adolescente que tanto éxito tuvo en la música. Lucía necesita escapar un poco de su rutina y volver a la música, aunque sea para tocar en unas librerías que tienen cierto encanto. Entre ellos solo hay amistad y después de la gira cada cual seguirá con su vida. Una película sencilla y simple, que es profunda y crítica. Recorremos lugares tan poco habituales en el cine como Segovia, Burgos o Plasencia. Una pequeña gran película a las que David nos tiene acostumbrados. Si te gusta su estilo, te convencerá, sino pues no veas nada sobre él.

Quería agradecer a la Revista Mongolia por invitarnos al preestreno de la película en los cines Ideal. Después hubo un pequeño coloquio con David Trueba, Lucía Jiménez y Fernando Ramallo que fue bastante divertido. Muchas gracias!!!

Para Recordar: los diálogos de las películas de David Trueba son muy buenos, reflexiones sobre la vida, la madurez, la amistad o las responsabilidades. El personaje de la psicodontóloga es muy bueno, un alegato de humor sobre la estupidez de hoy en día.

Para Olvidar: el personaje de Fernando Ramallo como Tristán es un poco pesado, quiere mucho Lucía pero su adoración es algo rara, está más enamorado de la nostalgia y la música que de la propia Lucía.



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El Cairo Confidencial

Morocco (2017)

La policía de El Cairo piensa que el soborno es parte de su operativa habitual. Pequeñas mordidas que les dan un sobresueldo y que hacen que la ciudadanía no tenga ninguna fe en sus fuerzas da la ley. El oficial Noredin Mostafa forma parte de estos policías corruptos; sin embargo lo suyo no es ambición sino más bien falta de convicción. Su tío es el inspector jefe y él su mando derecha. Claramente Mostafa no esta en la posición de denunciar lo podridos que están los miembros de su comisaria. Pero lo que si le queda al oficial es su instinto de detective y las ganas de hacer justicia. Es por eso que cuando encuentra el cuerpo sin vida de una habitual de la farándula egipcia, decide volcarse en el caso para encontrar al asesino. Tras unas pocas pesquisas se percatará que todo apunta a miembros del gobierno, algo que su tío querrá tapar a toda costa. Pero Noredin dice 'basta' y empezará a hacer la guerra por su cuenta en un Egipto muy convulso donde el pueblo odia a muerte a los policías. El protagonista se verá solo en su investigación y tendrá que enfrentarse a los servicios secretos, a sus compañeros y a enemigos con los que nunca hubiera contado...

Curiosa película producida en un país que no es muy prolífico en cine como es Marruecos. Tras una sórdida y bien planteada trama policial, se esconde un drama social como es el de la corrupción policial en Egipto. Una corrupción que es una extensión de la podrida estructura gubernamental que ahoga al país en el caos más absoluto. En cuanto a los personajes, el realizador nos presentará una serie de 'héroes' malditos que no tienen ningún futuro y que no pueden parar de fumar ni un segundo. La separación de clases se pondrá de manifiesto con la figura de los inmigrantes que solo pueden vivir en guetos y trabajar a tiempo parcial en hoteles de lujo como los de la cadena Hilton. La riqueza y la opulencia de la clase alta, de la que forma parte el gobierno, se ve contrarrestada con las condiciones miserables en las que vive el pueblo llano. Como punto negativo podríamos poner la poca complejidad del guión, que se mueve demasiado rápido entre el caso de asesinato y la realidad social de un país en plena revolución social.

Nota: 8

Para recordar: El comisario diciendo que va ha esconder el Mercedes porque vienen los de asuntos internos.
Para olvidar: Que el director intente meter con calzador las revueltas en El Cairo.


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Muerte en León

España (2016)

Producción documental de cuatro episodios dirigidos por Justin Webster. El 12 de Mayo de 2014 es asesinada a sangre fría en el puente del río Bernesga, Isabel Carrasco, presidenta de la Diputación provincial de León. Una mujer de unos 60 años le dispara y una vez que la víctima cae al suelo, la remata con dos tiros más. En ese momento por allí pasaban el policía jubilado Pedro Mielgo y su mujer. Mielgo en primer momento protege a su mujer y le dice que llame al 112, mientras él persigue a la asesina, que da el arma del crimen a su hija y se refugia en un coche. Gracias a la persecución del policía retirado, logran detener a Monserrat González y a su hija Triana Martínez como autora y cómplice del asesinato de la política del PP. Triana Martínez había trabajado de asesora de telecomunicaciones con Isabel Carrasco en la diputación como interina, pero al suspender las oposiciones para el puesto, fue cesada. Estas oposiciones se demuestran que son una mera formalidad para colocar a familiares y amigos que Isabel pueda manejar en la diputación. Triana suspende por que simplemente ya no tiene el apoyo de Carrasco por temas de acoso laboral y que la presidenta buscaba algo más que una relación profesional con ella. Triana entra en una profunda depresión al no tener trabajo y su madre, Monserrat, decide acabar con la vida de Isabel Carrasco. También es acusada e implicada en el asesinato, la amiga de Triana, Raquel Gago, policía a la que Triana entrega el arma con la que disparó su madre y la dejan en el coche de Raquel. 30 horas después, Raquel se presenta con el arma en la comisaría.

En 2016 se celebra el juicio sobre este asesinato, la fiscalía quiere la condena para las tres mujeres y se cierre el caso, es un asesinato por venganza y no hay que investigar más tramas de corrupción dentro del PP. La defensa intenta solo inculpar a Monserrat González como autora confesa del asesinato y que Triana y Raquel no sabían nada para salir absueltas. En el documental podemos escuchar los testimonios de muchos de los actores implicados en este asunto, jueces, fiscales, abogados, Pedro Mielgo (el policía jubilado) y familia de Triana y Raquel Gago. También vemos muchas escenas sobre el juicio donde destaca la mirada y frialdad de Monserrat González. El tratamiento del documental no es el típico reportaje televisivo casposillo matutino donde se busca el morbo e incide en cuestiones que nada tienen que ver con el asesinato. Muy al contrario, es un seguimiento periodístico muy riguroso con cada uno de los datos y testimonios de las implicadas. Tiene que llegar un director extranjero como Justin Webster para explicarnos que en este país hay tal red clientelar de corrupción que se cometen asesinatos de políticos por no cumplir favores y tener enemigos dentro de tu propio partido. Al día siguiente del asesinato de Isabel Carrasco, en el mismo puente donde fue tiroteada, aparecieron pintadas como "Aquí murió un bicho" o "Aquí murió una cacique". En el último capítulo de la mini serie, el director encuentra unas llamadas de teléfono que no habían sido investigadas y bastante sospechosas. Parece ser que tendremos segunda parte sobre este caso y que no todo se había cerrado. Mientras tanto Monserrat González fue condenada a 22 años de cárcel, Triana a 20 años y Raquel Gago a 14 años. Un documental imprescindible para entender la historia actual de España.

Para Recordar: la mirada y la sangre fría de la autora confesa, Monserrat González, la madre de Triana Martínez. En el juicio ni se inmuta. Tenía que matar a Isabel Carrasco y no había más que discutir.

Para Olvidar: la investigación no se centra en la pareja sentimental de Triana Martínez, ni es investigado por la policía, ni llamado a juicio, de hecho no aparece por ningún lado y Triana tuvo una llamada por teléfono bastante larga el día antes del asesinato con él. Este personaje misterioso es un asesor de confianza del presidente de Castilla y León.



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