El Verdugo

España (1963)

En el Madrid dictatorial de los 60, donde la pena de muerte estaba a la orden del día (aunque con una “popularidad” por los suelos), el trabajo de verdugo era de la peor escala dentro del goloso mundo funcionarial. Bien pagado, con pocos picos de trabajo, pero con una actividad final repudiada tanto por civiles como por criminales. Pero es lo único que sabía hacer Amadeo, nuestro protagonista, y es lo único que había hecho durante décadas. Pero como todos los oficios, llega el tiempo de la jubilación y le quiere pasar el testigo a su yerno, Jose Luis, que odia esa profesión. Pero la situación familiar es complicada y es dinero fácil con poco trabajo. Y esto último es muy goloso, sobretodo cuando uno cobra por acudir al juzgado y por desplazarse a sitios donde nunca pasa nada. Lo malo es que a veces pasa y en un viaje a Mallorca, donde todo es diversión y despiporre, un viaje a gastos pagados con dietas, se puede convertir en la peor de las pesadillas…

Obra maestra del genio del cine español, Luis García Berlanga. En poco menos de hora y media, Luis se burla de la manera más sutil del mundo, de la sociedad española en pleno franquismo, así como de las instituciones y sus “enchufismos”. Pone de nuevo a la clase media como peleles del sistema y nos muestra que en nuestro país todo vale por la “pasta”. Tremendo retrato de la manera de vivir de la gente normal en el Madrid de los 60, afinados en pisos de 40 metros cuadrados, medio derruidos y en las peores condiciones. Con un sueño común de irse a un piso un poco más grande a las afueras, eso si, nuevo y que ahora seguro que cuesta 100 veces más. Crítica a la falta de expectativas, al acomodamiento ibérico y a la dualidad de la fiesta perenne vs. la realidad del pueblo. Para culminar, los pequeños papeles de monstruos de la interpretación que estaban emergiendo, como Alfredo Landa y José Luis López Vázquez sin hacer de estúpido. Una obligación ver esta película de cine patrio en estado puro.

Nota: 9.2

Para recordar: La boda, donde los ricos tienen todos los lujos por parte de la iglesia, pero cuando los pobres toman el relevo, apenas les dejan velas para completar la ceremonia. Muy revelador.

Para olvidar: Un argumento un poco simple; si no se entiende la sátira social, puede parecer una obra con poco contenido.


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2020

España (2020)

Producción documental dirigida por Hernán Zin, en Marzo de 2020 se declara en España el estado de alarma, concretamente el 14 de Marzo, el virus SARS-Covid19 procedente de Wuhan ha entrado en Europa, primero por Italia y luego en España empiezan los primeros fallecimientos, ante la situación de emergencia sanitaria, el gobierno declara el confinamiento total de la población. El director junto a su pareja, se desplazan a Madrid, una de las regiones más golpeadas de Europa por el virus, para grabar en las UCIS de los hospitales madrileños. Empiezan en el hospital de Torrejón de Ardoz, donde se encuentra el segundo paciente diagnosticado de Covid19 en España. Este paciente ha estado dos meses en la UCI y ahora al despertar, se encuentra un país totalmente diferente a cuando entró en la UCI, el hombre sorprendido pregunta, como trabaja ahora la gente y si los niños pueden ir al colegio. La situación en los hospitales se empieza a agravar, el contagio masivo hace que las camas y las UCIS se llenen de pacientes con el virus, que lleva a una situación de colapso, además el personal médico, ante la falta de medios, empieza a contagiarse también y tienen que aislarse y guardar cuarentenas. Peor aún es la situación en las residencias de ancianos, el virus es muy peligroso para la gente mayor y en las residencias sobre todo de Madrid, Cataluña y Castilla La Mancha, empiezan los contagios y fallecimientos bastante generalizados, muchos ancianos son abandonados a su suerte y la UME del ejército tiene que intervenir para ir a las residencias. La situación es tan grave en Madrid, que en el Ifema tienen que montar un hospital provisional para atender pacientes con Covid y tienen que abrir el Palacio de Hielo para guardar los féretros. A principios de Abril hubo 950 fallecidos en España en 24 horas.

El documental también aborda otros aspectos secundarios de la pandemia y que son consecuencia de ella, por ejemplo, al decretar el confinamiento total, la gente se tiene que quedar en su casa, pero que hacía la gente sin hogar, ellos no podían confinarse, el director, graba a una persona sin hogar en un Madrid vacío, únicamente acompañado por sus dos perros, en una tienda de campaña tuvo que pasar el confinamiento de casi tres meses. Los enfermos de Covid que eran ingresados, algunos de ellos tenían mascotas. Esos animales fueron abandonados a su suerte en bastantes casos. Otros pacientes, pudieron avisar a asociaciones para salvar a sus mascotas, que iban a recogerlas. Cuando fueron dados de alta, el director grabó un par de reencuentros de pacientes con sus animales, una situación bastante emocionante. Este documental también deja algunas situaciones para la reflexión positiva, por ejemplo, la dedicación y el esfuerzo del personal sanitario, que con mucho miedo y a la vez con valentía, afrontaron la emergencia, muchos se contagiaban y estaban deseando pasar la enfermedad, para volver a su puesto. El agradecimientos de los pacientes, que tuvieron que afrontar una enfermedad desconocida, en muchos casos con consecuencias graves pero que con la ayuda de los sanitarios, han salido adelante, como el caso del segundo paciente diagnosticado con Covid o una mujer embarazada que nada más dar a luz, tuvo que irse a la UCI y estuvo separada de su bebé un mes y medio. Este docuental, resume un año marcado por la tragedia y que todos hemos tenido que vivir de una forma u otra. Por eso, quería terminar el blog del 2020 con esta película. Ya no pienso que de esta situación, íbamos a salir mejor y que las personas tendría una mayor capacidad de humildad y humanidad, a la vista está que no ha sido así. A todas esas personas, que no creen en la pandemia o simplemente en su infinito egoísmo, se quejan o plantean otras soluciones a la carta, les recomiendo el visionado del documental, a lo mejor alguien reflexionaría o pensaría de otra manera.

Para Recordar: El esfuerzon incomiable de los sanitarios ante un virus desconocido y como se la jugaron. También los testimonios de pacientes, que a pesar de haberlo pasado tan mal, dan un mensaje de optimismo.

Para Olvidar: Las luchas políticas para sacar rédito de una pandemia y la pijez revolucionaria en contra de las medidas sanitarias.


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Brigada Criminal

Spain (1950)

En la España de los años cincuenta, los ciudadanos de la dictadura estaban orgullosos de las fuerzas de la ley. Fuerzas como la llamada 'Brigada Criminal', un grupo de investigación de la policía nacional que se encargaba de los casos más complicados y violentos. Con fama de íntegros y aguerridos, los miembros de esta Brigada son seleccionados entre los cadetes más brillantes. Este es el caso de Fernando Olmos: un agente muy valiente que viene (como no) recomendado y que es del agrado del inspector jefe. Fernando viene dispuesto a servir al Cuerpo, pero no es de los que acatan ordenes. En un alarde de valor, decide infiltrarse en una banda de delincuentes de la peor calaña. Gente sin escrúpulos que esta atemorizando al Madrid de la época. Sin más apoyo que sus cualidades personales, Fernando se verá atrapado en un callejón sin salida del que solo la suerte y la inquebrantable brigada policial española, pueden sacarle.

En plena dictadura española, los cineastas sufren las mismas restricciones culturales que el resto de de ciudadanos. Con pocos medios y multitud de inconvenientes, realizadores como Ignacio F. Inquino, se atrevían con cine policiaco de calidad que bien podría competir con los clásicos americanos de la época. Con un ritmo trepidante, dosis de suspense y algo de acción, Brigada Criminal es una gran aportación a la historia del género en España. Obviamente, viendo la pieza hoy en día, nos dará las sensación que tiene un ¨tufillo” excesivamente patriota; esto no tiene que estar directamente relacionado con el regimen político, pues los films de Hollywood adolecían del mismo problema. Sin embargo, un hecho objetivo es que el protagonista era falangista y llego a combatir al lado de la división azul. En fin, salvando estos aspectos (que probablemente vinieron impuestos por la producción), la obra del prolífico Inquino (87 películas dirigidas) merece una mención especial en nuestro blog, como homenaje a los pioneros del cine de ficción en nuestro país.

Nota: 6.9

Para recordar: La trama, mezcla de cine negro y acción policial.
Para olvidar: La simpleza de los exteriores.


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Abracadabra

España (2017)

 Carmen esta casado con un tipo de lo más insulso. Carlos, que así se llama el individuo, es el típico machista que solo piensa en el fútbol y las cervezas. En la boda de un familiar, este elemento la vuelve a montar con Pepe su primo político, que le intenta hipnotizar sin éxito (aparentemente). El caso es que al día siguiente, Carlos parece un hombre diferente: es cariñoso, colabora en casa, ayuda a su hija con las tareas... Esto hace a su mujer sospechar que algo raro pasó el día de la hipnosis. Muy preocupada acuden al maestro de Pepe para corroborar que un espíritu ha poseído a albañil. La manera de neutralizarlo es complicada y pasa por saber lo que le ocurrió a la persona que esta en el cuerpo de Carlos. Todo se tuerce aún más al conocerse la identidad del fallecido, un peligroso asesino que protagonizó una masacre en los años 80. Ya si que no hay más solución que extirpar el mal. Una serie de aventuras culminarán con un curioso 'exorcismo' del que solamente Carmen saldrá bien parada.

Segunda película del BFI 2017 y otra buena elección. Si bien es cierto que quedé más marcado con Have a Nice Day, la nueva obra de Pablo Berger me divirtió y me hizo pasar una grata experiencia cinéfila. Tuve la suerte de visionar la película con él y parte del equipo, pues en Londres proyectaban el estreno internacional de la cinta. Tras una breve introducción, para remarcar que la idea del guión surgió entre Torremolinos 73 y Blanca Nieves, pudimos ver en primicia la esperada vuelta del cineasta a la gran pantalla. Muy exigido tras el exitazo de Blanca Nieves, el nuevo film nos presenta un mundo muy diferente al de la anterior fábula. Desde el punto de vista del realizador, que ha vivido en Madrid durante 15 años, nos veremos inmersos en los barrios más casposos de la capital donde se nos presentara a unos protagonistas de lo más hortera. La culminación de la película, para mi, llega a principio cuando todo lo rancio de mezcla de manera sublime, para alcanzar el éxtasis en la boda cutre al que todo español medio aspira. Tras unos 20 minutos soberbios, la trama cambia al más puro 'La maldición del escorpión de Jade', para perderse en una amalgama de hechos paranormales y situaciones divertidas, que van complicándose hasta perder el control conforme se acerca el desenlace. Un desenlace ambicioso, que pretende ser filosófico y abierto y que no esta alineado con las expectativas que prometía el largo al principio. Con un sabor de boca agridulce, debo decir que es una pieza para echarse unas risas, con grande momentos de humor, pero que se trunca al final debido a la ambición del director al intentar crear un film con mensaje (algo imposible con el planteamiento inicial y con las interpretaciones de unos actores que han tenido momentos mejores)

Preguntas y Respuestas de director: Tras la proyección, Pablo Berger, respondió a varias preguntas de los organizadores del festival. Básicamente comentó que con esta obra quería reinventarse a si mismo y recalcó que intenta acercarse un poco al universo Almodovariano, al que agradeció una y otra vez sus ayudas con Torremolinos 73 y Blanca Nieves. También reconoció que el guión lo adapto a la protagonista, Maribel Verdu, a la que quiso moldear como una mujer optimista en contra posición a las mujeres de Almodovar, como Carmen Maura. La pregunta final fue de un servidor, referente a lo que el propio director esperaría de la protagonista, Carmen, tras el suceso final. Pablo habló de un final abierto en el que esperaba que Carmen cambiara de vida y empezara de cero con esperanza y fuerzas renovadas. Con esta respuesta se despidió agradeciendo nuestra presencia.

Nota: 7.2

Para Recordar: 

El cura blasfemando tras comprobar que el Madrid había perdido el clásico.

Para Olvidar: 

La perdida de conexión con el espectador al acercarse un desenlace para el que nadie estábamos preparados.

 

 


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Los Casados y la menor

España (1975)

Alicia es la típica secretaria 'mona' que triunfa en la oficina del rico empresario en el Madrid de los 70. Un Madrid que es la bandera de la 'evolución' ibérica. Una evolución que se ve reflejada en gente como sin escrúpulos como Jaime, un empresario que no duda en engañar una y otra vez a su esposa con la joven oficinista. En 1975, la mayoría de edad se alcanzaba a los 21 años y Alicia aún no había llegado a ese mágico momento, por lo que el gigolo castizo se estaba acostando con una menor. Un cúmulo de desatinos que desde luego no pasan inadvertidos para la secretaria que resultará ser más inteligente de lo que parece cuando se queda en cinta a raíz de las relaciones extra-matrimoniales con Jaime. Es entonces cuando ejecuta su astuto plan, sabiendo el daño que haría a la imagen del hombre la publicidad del hijo bastardo engendrado con una menor. Por eso ella decide chantajearle y pedirle una pensión vitalicia para cuidar del retoño, lejos de la capital. Un gran 'movimiento' que desgraciadamente será fatal para ella cuando un cruel personaje la asesina en su casa. Todo apunta al futuro padre; sin embargo la 'inocente' muchacha parece esconder un terrible secreto: el chantaje al millonario no es un hecho puntual; Alicia ha fingido embarazos con hombres casados por toda España. De esta manera les extorsionaba un dinero mensual, para mantener al supuesto niño que nunca nació. Fotos trucadas y cartas mentirosas, eran la única evidencia que recibían los asustados padres, que eran capaces de creer cualquier pantomima con tal de no reconocer su vergonzosa aventura. Pero ahora todo sale a la luz y cuanto más se aclara el pasado de la fallecida, más difícil parece encontrar a su asesino.

Debo reconocer que, a pesar de haber leído buenas críticas del film, elegí este largo porque el título me llamo mucho la atención. Esperando la típica película del destape y casi perdiendo la paciencia con la copia que llego a mis manos (puro VHS con sus interferencias y su imagen difusa), me quedé enganchado a este rotundo thriller made in Spain, que desde luego ha sido una de las sorpresas agradables del año. Partiendo de un argumento típico, el ricachón que se aprovecha de la guapa tonta, se crea una compleja trama que mezcla a la perfección crimen y suspense. Por un lado es muy interesante ver como la sociedad española había evolucionado de manera muy dispar en la capital y en los pueblos. Mientras los oficinistas llevaban una vida liberal y libertina, en 1975 en España, la mayoría de la gente era católica, apostólica y romana. De hecho aunque el 'Don Juan' de turno se atreva a echar una cana al aire, el hecho de tener un hijo bastardo es tan terrible que, todos los amantes de la mujer, acceden a pagar un importante chantaje a cambio de que el escándalo no salte. Algo que hoy en día no parece tener mucho sentido, con gente divorciándose constantemente. Por otro la misteriosa doble vida de Alicia que engendra una historia que mantendrá en vilo al espectador hasta el desenlace final. En definitiva, un gran descubrimiento del cine nacional que recomiendo a los amantes del thriller ibérico.

Nota: 8.1

Para Recordar: 

Las conversaciones del inspector con su hijo. Brillante filosofía policial y social

Para Olvidar:

Que sea muy difícil encontrar una copia decente de esta gran película.

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El Crack

Spain (1981)

El castizo detective Germán Arteta, sobrevive en una profesión que no es nada agradecida: detective privado. Detrás del romanticismo desprendido por la literatura y el cine, el oficio de investigador no tiene ningún glamour, es duro y esta muy mal pagado. Sobretodo en España. Eso lo sabe el bueno de Germán, que a pesar de los inconvenientes, se siente cómodo haciendo su trabajo sin tener que rendirle cuentas a nadie. Aunque a veces los casos le vienen grandes, como ocurre con el de una chica desaparecida hace años y que ahora es buscada por su enfermo padre. A priori el típico asunto de hija que se va de casa a vivir la vida. Algo fácil, sencillo y con el éxito asegurado. Sin embargo parece que hay alguien al que estan incomodando las pesquisas de Arteta. Alguien poderoso que intenta coaccionar al rudo detective. Pero esa persona se ha equivocado de enemigo y, aunque Germán Arteta sea el paradigma de español bajito, calvo y con bigote, su integridad y profesionalidad le harán llegar hasta el fondo de un más que oscuro caso.

Tenemos hoy en el blog una obra esencial en la filmoteca española. Un joven y ambicioso José Luis Garci decide demostrar al mundo que el séptimo arte en nuestro país estaba resucitando. El crack podría considerarse el arma que aniquila de un plumazo el casposo cine franquista y post franquista. Germán Arteta, de la mano de un memorable Alfredo Landa, hace ver a la sociedad que el cine español puede competir con las mejores piezas internacionales y que la basura creada por el destape, Marisol y demás amiguetes, eran cosa del pasado. En cuanto a la película estamos ante un denso thriller policíaco ambientado en el Madrid de principio de los 80. Como parte de ruptura con el ciclo cinematográfico anterior, el protagonista, Alfredo Landa, encasillado en el papel de bobalicón graciosete, encarna a un duro detective que nunca sonríe. Cuidadosamente se va creando una trama oscura que repentinamente se tiñe en drama y el taimado protagonista se convierte en un justiciero improvisado. Multitud de matices en el que un Garci pletórico va colocando los cimientos de una de sus mejores obras y un referente para el futuro cine de ficción patrio. El crack fue la antesala de su título más emblemático, el oscarizado 'Volver a empezar' y de la conclusión de las andanzas de Germán Arteta en la segunda parte de 'El Crack', para mi, los 3 mejores títulos del director.

Nota: 9.2

Para recordar: Los métodos poco ortodoxos del detective.
Para olvidar: Los innecesarios 'tributos' al cine yankie.


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Hermosa juventud

España (2014)

Producción dirigida por Jaime Rosales, mención especial del jurado del Festival de Cannes en la sección 'A Certain Regain', la actriz protagonista, Ingrid García Jonsson, fue nominada al Goya a mejor actriz. Natalia y Carlos son una pareja de adolescentes que viven en el extrarradio de Madrid, los dos no han estudiado, se encuentran en paro y no encuentran ningún trabajo para poder independizarse, ambos viven en casa de sus madres, la de Natalia separada y con muchos problemas económicos y la de Carlos enferma. Para ganar algún dinerillo, que al menos cubra sus gastos, ambos piensan que pueden dedicarse al porno casero, Torbe les ofrece 600 euros por una hora. Entre botellones y dar vueltas por el parque entre semana, transcurre esta historia de amor con muy pocas perspectivas de futuro para avanzar hacia la edad adulta. Esta desesperante rutina se rompe por el hecho de que Natalia se queda embarazada, de pronto ya no valen los juegos de niños y las fiestas de fin de semana, ahora nuestros protagonistas tienen que tomar una decisión sobre qué hacer. Natalia, a pesar de la opinión de su madre, decide tenerlo y sus vidas cambian por completo, hay que cuidar de un nuevo ser humano, pero la perspectiva de trabajo sigue siendo nula y los problemas se acumulan. Carlos a pesar de la mala situación no se quiere mover de Madrid pero Natalia, harta de este poco esperanzador futuro, cree que la solución está en emigrar. Quizás en Hamburgo podrían tener una vida digna.

El director de la 'La Soledad' hace una muy realista y sincera radiografía de una gran parte de la juventud española actual. Chicos y chicas sin trabajo, sin recursos y lo peor de todo, sin perspectivas de que la situación vaya a cambiar. El trabajo de los actores, sobre todo por parte de Ingrid García Jonsson, destila autenticidad, te crees perfectamente lo que te están contando en este crudo y realista relato con unos grandes diálogos. No hay nada de impostura y sin duda esta película le encantaría a todos esos directores italianos del neorrealismo como Rosellini. La historia no es solo la de nuestra pareja protagonista, también los secundarios son muy importantes con sus pequeñas/grandes tragedias, una madre separada que tiene que cuidar a dos adolescentes y el padre no pasa la pensión, otra madre enferma que no puede valerse por sí misma y que el Estado no la va a ayudar y unos amigos de Natalia y Carlos, que se encuentran en parecida situación, donde su mejor rato es tomarse unas copas en algún polígono industrial y bailar música electrónica hasta el amanecer. Rosales para dar más actualidad a su obra utiliza diferentes medios de comunicación digitales, conversaciones de whatsapp, videoconferencia por Skype, etc... Un detalle muy tonto pero apenas utilizado en una sociedad hiperconectada. Recomiendo esta hora y media de buen cine social que muestra una realidad muy triste de España, seguro que tiene muy pocos espectadores, a ver si alguien más se anima a verla.

Para Recordar: la magnífica interpretación de Ingrid García Jonsson como Natalia, la protagonista absoluta del relato. La naturalidad y lo creíble que es la película, nada es impostado ni gratuito. Podría ser una situación que estuviese ocurriendo a día de hoy, muy real.

Para Olvidar: lo triste que es el futuro para esta generación de jóvenes españoles, tanto con formación como sin ella. Un relato bastante duro de la realidad social de este país.



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Diamantes negros

España (2013)

Producción española dirigida por Miguel Alcantud, premio del público en el Festival de Málaga del 2013. En la ciudad de maliense de Bamako viven dos jóvenes futbolistas que son Amadou y Moussa, juegan al fútbol en un pequeño club entrenado por un antiguo jugador maliense que incluso jugó en clubes europeos. Amadou es un jugador de potencia, mayor que sus compañeros y tiene problemas en su casa porque su madre está enferma y tiene que cuidar de sus hermanos y trabajar. Moussa es más creativo y su padre le anima a convertirse en un gran jugador para llegar algún día a jugar en el Real Madrid o Barcelona. En uno de los partidos que ambos juegan son observados por Alfonso, un ojeador para clubs españoles de divisiones inferiores, se los quiere llevar a Europa para que hagan pruebas a ver si los contratan, previo pago de 2500 euros por los gastos de gestión y con varias argucias ilegales porque son menores de edad. Ambos aceptan la propuesta de Alfonso y viajan hasta Madrid. Lo que empieza a ser un sueño para estos dos chavales se convierte en una estafa y pesadilla, Moussa es muy individualista y es rechazado por estos clubes de regional y Amadou es captado por Ramón, un representante de jugadores que tiene contactos en clubes de Primera División, se lleva a Amadou a Faro (Portugal) para hacer las pruebas con el Farense pero allí lesionan de la rodilla al chaval. Tanto Amadou como Moussa son abandonados a su suerte, uno en Madrid y el otro en Lisboa. Ambos tendrán que tomar decisiones muy duras para continuar, Amadou robando dinero volverá a su país y verá lo que ha cambiado su familia y Moussa después de ser detenido vendiendo droga, finalmente es destinado a un pequeño club de Tallin (Estonia) para ser apoyo de la nueva estrella de Malí que ha fichado el filial del Real Madrid y que allí se fogueará.

Esta historia está inspirada en el personaje de Moussa que fue un chico de Malí que también fue engañado y destinado a París, para al final acabar jugando en el Canillas F.C. de Madrid y vivir legalmente en Europa. Miguel Alcantud recrudece en su relato una práctica que está bastante extendida en el fútbol europeo, donde los diferentes clubes tienen ojeadores sin escrúpulos que hacen negocio de la miseria y los sueños de estos chicos, se estima que en Europa hay unos 20000 jóvenes africanos que pululan por el territorio europeo abandonados por estos ojeadores o representantes cuando ya ven que no pueden hacer negocios con ellos, en el caso de que tuvieran suerte y fueran contratados, estos representantes se aseguran un 60% de las ganancias de estos chicos. Aquí no hablamos de inmigrantes que intentan pasar a Europa ilegalmente y que son extorsionados por las mafias, son menores que son engañados a firmar contratos que ni siquiera saben leer y que van en avión a Europa para realizar un sueño casi imposible. Una nueva manera de estafa que nunca había sido retratada en el séptimo de arte, por eso lo interesante de este film. La interpretación de los actores es muy buena, hacen un gran papel, Hamidou Samake como Moussa le pone más sentimiento que Setigui Diallo como Amadou que es un papel más plano y menos brillante, también las interpretaciones de Willy Toledo y Carlos Bardem como despiadados ojeadores y representantes están muy logradas, quizás Bardem esté por encima de Toledo porque su personaje es más tranquilo pero a la vez más cruel. Los grandes clubes españoles no quisieron participar en la película y únicamente el Atlético de Madrid dejó que se rodaran unas cuantas escenas en el Vicente Calderón. Una película que recomiendo ver por su interés en un problema que apenas aparece en los medios de comunicación y que está correctamente filmada.

Para Recordar: Que en el fútbol no todo es fama, dinero y flashes, existen por Europa 20000 chicos que han sido engañados por los ojeadores que se han quedado tirados por la calle debido a estas personas sin escrúpulos como este relato de Amadou y Moussa.

Para Olvidar: El racismo, la xenofobia y la falta de oportunidades a estos chicos. Hay que ser miserable para intentar hacer negocio con personas que no tienen apenas nada.



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Ilusión

España (2013)

Producción dirigida y protagonizada por Daniel Castro. Ganadora de la Biznaga de Plata y mención especial del jurado del Festival de Málaga. Daniel es un guionista de cine que ha dejado su trabajo en televisión, donde realizaba los guiones de una serie de dibujos animados, porque quiere dedicarse a su gran idea-proyecto. El guión ya lo tiene escrito y trata de un musical sobre los pactos de La Moncloa en el periodo de la Transición española, su idea va más allá y en un alarde de artista en todas las disciplinas, tiene ya compuestas las canciones para poder poner en marcha el proyecto, incluso él mismo lo protagonizaría. En estos casos la única pieza que falta para poder llevar a cabo este tipo de proyectos es la financiación, Daniel va llamando a las puertas de las distintas productoras para que financien su surrealista idea. En la productora de Beltrán recibe la enésima patada por parte del hijo del propietario y sus padres y novia están un poco cansados de ir pagando la vida de Daniel, la novia tiene la carga del alquiler y estabilizar un poco su vida en pareja con él, y los padres están hasta el gorro de prestarle dinero para proyectos que no se llevan a cabo. Poco a poco la vida de Daniel se va desmoronando, la novia lo echa de casa y sus padres le cortan el grifo de los gastos, una pequeña luz al final del túnel ve Daniel cuando Beltrán padre quiere financiar este musical de los Pactos de La Moncloa. Con lo que no cuenta Daniel es con la sorpresa de que este hombre ha perdido la cabeza y Beltrán hijo para la firma del contrato a tiempo. ¿Podrá seguir Daniel persiguiendo su sueño o tendrá que claudicar para tener una vida adulta y en pareja?

'Ilusión' ha sido una de las sorpresas más gratas del cine español en estos últimos tiempos junto a la anteriormente película comentada Stockholm. El presupuesto para financiar esta idea fue de apenas 20000 euros y Daniel Castro dirige y protagoniza una comedia con un tono amargo de como un artista frustrado se va haciendo mayor y ve que sus proyectos no salen hacia delante. En muchos momentos del relato hay un humor ácido que lo convierte en una comedia casi de culto, esa fobia del protagonista por las películas de Haneke, esos emails que intercambia con su padre reprochándose mutuamente el uno al otro lo mal hijo y lo malos padres que son al no comprender su ilusión.  Para redondear la comedia en lo absurdo tenemos esas canciones sobre la Transición donde saldrían Suárez y Carrillo cantando sobre lo que supuso esa etapa de la historia para los españoles. En algunos aspectos me recuerda al surrealismo de la brillante comedia de José Luis Cuerda 'Amanece que no es poco', pero salvando las diferencias porque esta producción simplemente se queda en la anécdota y con algún trazo brillante. Lo más importante es que este director promete bastante y supongo que para su siguiente película contará con más presupuesto y habrá que seguirle la pista en el futuro. Premiada en el Festival de Málaga fue una de las producciones olvidadas por los Goyas

Para Recordar: El humor absurdo y surrealista del protagonista, Daniel Castro, un hombre que no quiere crecer y alimenta su ego bajo la absurda premisa de que su guión sobre un musical de los pactos de La Moncloa va a ser una obra de arte.

Para Olvidar: Bastante ridícula su canción final sobre los etruscos y que nadie espere ver un peliculón, es solamente cine experimental.



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Stockholm

España (2013)

Producción española dirigida por Rodrigo Sorogoyen, premiada en el Festival de Málaga a mejor actriz (Aura Garrido) y mejor director, también ganadora del Goya al mejor actor novel (Javier Pereira). Cae la noche en Madrid un fin de semana y la gente sale a pasarlo bien, en una de las fiestas de la capital, un chaval se fija es una chica pelirroja vestida de blanco. Enseguida se queda prendado de ella y le dice que se ha enamorado, ella no le hace caso, es más, está cansada y quiere volver a su casa. Ante la insistencia de él, le sigue un poco el rollo paseando por las calles de la almendra central de Madrid en una historia muy parecida a la de Julie Delpy y Ethan Hawke por las calles de Viena en 'Antes del amanecer'. Poco a poco él se va ganando la confianza de la chica y charlan en el portal de la casa de él, incluso suben a su piso y le enseña la azotea del edificio. Ella llevaba mucho tiempo sin salir porque no se encontraba bien y esa noche era la primera que salía con sus amigas. Pasa lo inevitable y ella pasa la noche en casa de él. Al día siguiente la actitud del chico es fría y totalmente diferente a la de la noche anterior donde estaba muy enamorado y era muy amable. Ella no lo entiende y no quiere irse de su casa, quiere pasar el día con él y empieza un juego muy peligroso. Ambos han sufrido en su propia persona un síndrome de Estocolmo mutuo, por la noche él ha secuestrado a ella emocionalmente y por el día es ella la que secuestra físicamente al chico en su propio piso.

Nos encontramos ante la película revelación nacional del año pasado, con un escaso presupuesto de 60000 euros, financiada la mayor por parte por crowfunding que son pequeñas aportaciones de la gente como productores asociados, las escenas de la casa del chico están rodadas en la casa del director del film. A pesar de los escasos medios consigue un relato excelente con solo dos actores, unas pocas escenas exteriores y su propia casa. La historia tiene 2 partes muy bien diferenciadas y que se complementan cerrando un círculo un poco macabro, la primera parte transcurre en la noche madrileña donde el chico persigue a la chica que quiere conseguir y mediante su amabilidad y mintiendo consigue su objetivo a pesar de la resistencia de ella. La segunda parte transcurre a la mañana siguiente donde ella no entiende lo que pasa por la frialdad del chico y afecta a su amor propio y dignidad, ella no quiere que la aventura acabe en un rollo de una noche, dice que nunca se ha sentido querida y demuestra que tiene alguna enfermedad de tipo mental, en los dos protagonistas los pequeños detalles hace que te des cuenta que primero él no está siendo sincero y no es trigo limpio, su enfrentamiento verbal con otro chico en el 24 horas, la llamada al móvil de madrugada y que a la chica le sucede algo, esas manchas de sangre en el marco de la puerta, ese cabezazo contra el espejo del baño. El guión está tan bien construido que la música, las calles de Madrid y los colores juegan un papel fundamental, por la noche la tonalidad del film es oscura y hay mucho azul que indica felicidad y por el día todo es completamente blanco, los azulejos del baño, la cocina, la azotea, etc... El blanco es el color de la tragedia, ella va vestida de blanco. Las interpretaciones de los protagonistas son muy destacables y por ello han recibido varios premios. Una película para ver con atención, que te cautiva y que recomiendo, hay mucho futuro dentro del cine español.

Para Recordar: El fantástico guión que firma Rodrigo Sorogoyen, una historia de amor y desamor que transcurre en unas horas con diálogos y detalles muy brillantes. La excelente interpretación del dúo protagonista (Aura Garrido y Javier Pereira) que dan mucha credibilidad a lo que se cuenta.

Para Olvidar: Es una historia donde todo es previsible y anticipas todo el tiempo lo que va a pasar, no por ello deja de ser interesante, es más importante la forma en que transcurren los hechos que los acontecimientos en sí.



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Los ilusos

España (2013)

Producción española dirigida por Jonás Trueba, ganadora en el festival de Buenos Aires del premio al mejor actor interpretado por Francisco Carril. León es un amante del cine que vive en Madrid, también ha dirigido alguna producción pero ahora está en una etapa de su vida que no sabe que hacer con ella, incluso le cuesta ir al cine a ver otras películas. Durante su bloqueo sale de noche, se emborracha con sus amigos, va a librerías y conoce a Sofía, una chica que quiere hacerle una entrevista y acaban cenando en el Sushi Bar para después ir a casa de él por Antón Martín. El universo de León en Madrid es una reflexión sobre el cine, sobre la amistad, las parejas y la propia ciudad, un paseo por los lugares más emblemáticos de la capital de España que están relacionados con el séptimo arte. A través de sus propias vivencias con los amigos, mujeres y el ocio quiere construir futuros recuerdos para una nueva película que le haga salir de esa situación que tanto odia un creador. El espectador que conozca Madrid reconocerá el subterráneo de Plaza de España, el Pequeño Cine Estudio en Chamberí, los cines Verdi y la Plaza Mayor.

Más que una película, 'Los Ilusos' me parece un proyecto fin de carrera de un estudiante de Comunicación Audiovisual, realizada en blanco y negro le da un matiz y un cierto aroma a clásico. Además, el sobrino de Fernando Trueba, se nota que ha visto mucho cine y se apoya en los creadores de la nouvelle vague para hacer una especie de plagio homenaje a esas películas francesas de los años 50 en versión madrileña del siglo XXI, aquí los personajes son todos muy modernos, comen comida asiática, barbas perfectamente cuidadas, salen de noche para reflexionar en tabernas castizas mientras ligan con mujeres también muy modernas y estilistas. No todo es negativo en esta producción, quitando las "moderneces", hay ciertas reflexiones sobre el cine y una banda sonora bastante digna. No es una película al uso porque habla de la ilusión por hacer cine y ese tema no interesa al gran público en general pero en mi caso personal sí me parece una idea bastante brillante para hablar sobre ella. Lo que te da el cine es mucho a cambio de muy poco y como dice León, con el cine hace que vivas tres veces más cosas de lo que tendrías en tu vida normal. Quizás este relato filmado en 2013 donde muestran algunos de lo mejores cines de Madrid en su almendra central sea testimonio e historia para el futuro porque muchos de ellos en el futuro me temo que ya no existirán. Una pena y por eso hay cada vez menos ilusos.

Para Recordar: El bonito tema que interpreta el grupo madrileño 'El Hijo' liderado por Abel Hernández y alguna reflexión sobre el cine. Me gusta mucho el pensamiento de que con el cine hace que vivas tres veces más de lo que puedas vivir sin él.

Para Olvidar: El postureo hipster que se traen en la película, todo es impostura moderna, comen sushi, van al Pequeño Cine Estudio y tienen rollos de una noche.



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Tema 'Cabalgar' del grupo 'El Hijo' en la película




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El desencanto

España (1976)

Documental dirigido por Jaime Chávarri que se convirtió en una de las películas de culto dentro del cine nacional, con los años la película va ganando adeptos porque es fresca y muy actual, muy adelantada a su tiempo. Se cuenta la historia de la familia Panero, su patriarca, Leopoldo María Panero fue un poeta falangista muy importante que a su muerte le dedicaron incluso un monumento en su honor en el pueblo donde se crió, Astorga. Panero se casó con Felicidad Blanc, un niña bien como ella se define que le dio tres hijos descendientes, Juan Manuel, Leopoldo y Michi. Durante la hora y media de documental la madre junto a sus tres hijos reflexionan sobre la familia, sus relaciones, el recuerdo de la muerte de su padre y la literatura. Dentro de esa familia tan especial hay ciertos piques, como que Juan Manuel ni puede ver a Leopoldo debido a su rivalidad dentro de la poesía o que Leopoldo hijo, que sale a mitad del relato, le reprocha delante de su madre que poco más que es un desgraciado porque lo ingresó en diversos sanatorios. Michi es el personaje más anárquico que pasa de todo y su enganche a las drogas es evidente. Los tres hermanos sufren alguna enfermedad mental, la esquizofrenia o la paranoia. Pero dentro de sus delirios hay mucha lucidez y realizan un retrato de una España que va a entrar en la transición que es rancia y vasta y que están por encima de ella, aunque luego sean unos jetas que no pegan ni golpe y que tengan que vender el patrimonio de su padre para sobrevivir, incluida la madre, aunque ella se corta un poco más.

A través de los tres hermanos Paneros nos sumergimos en el mundo de la poesía del delirio que provoca esta familia y que ha sido varias veces homenajeada, cantantes como Bunbury o Nacho Vegas les han dedicado canciones. El más impactante es Leopoldo hijo sin duda alguna, tiene algo especial que la cámara atrapa y deja grandes frases para el recuerdo, a mi me impactó una que estoy totalmente de acuerdo, en la infancia se vive y luego todo lo demás es sobrevivir. Técnicamente el documental está muy mal hecho, el sonido un horror que a ratos apenas se puede escuchar, la imagen muy deficiente y constantemente solo se visualiza a alguno de los cuatros personajes conversando y además en blanco y negro. Por ese lado se convierte en película donde los gafapastas te dirán que es una obra del séptimo arte y te la ensalzarán pero que requiere un conocimiento previo de esa familia y mucha atención para aprovechar la obra, no es el tipo de documental para cualquier espectador. Aún así lo recomiendo, para mentes inquietas y que demuestra que hay películas españolas especiales que homenajean a poetas, por eso está película nunca sería comercial.

Para Recordar: La brillante lucidez dentro de la locura mental de la familia Panero, sobre todo por parte de su hermano Leopoldo, un poeta que está para sanatorio pero dice verdades como puños, el enfrentamiento con su madre es una de las escenas que te deja perplejo y a la vez fascinado.

Para Olvidar: El sonido de la película es deficiente, muy malo, incluso cutre que te hace a veces no saber que están diciendo, la dicción de Leopoldo es horrible, el documental se hizo con escasos medios.



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Mejores fragmentos del documental



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La noche que no acaba

España (2010)

Producción española dirigida por Isaki Lacuesta, ganadora en el Festival de Málaga en la sección oficial en los largometrajes fuera de concurso. En el documental nos cuenta la etapa española de la bella actriz americana Ava Gardner, uno de los animales más bellos del séptimo arte, sus comienzos como actriz en Metro Goldwin Mayer y su disciplina para triunfar dentro del mundo del cine. Una vez encumbrada llegó a nuestro país para hacer películas aquí y era la primera vez que salía de América. Su periplo comenzó por Tossa de Mar, localidad de la Costa Brava donde se rodó 'Pandora', una de sus películas menos conocidas pero que más le cambió la vida porque se transformó en otra persona, de hecho en Tossa están muy agradecidos a Ava porque le dio un gran impulso a esta localidad y hay un busto de ella allí. Ava comenzó una nueva vida, más relajada en interminables noches junto a toreros como Manolo Cabré en Cataluña y con Luis Miguel Dominguín en Madrid, ese tipo de vida no le impedía hacer su trabajo y se instaló en España junto a amigos como Hemingway, su base de operaciones era Madrid donde en Chicote y en los tablaos flamencos hicieron muchas amistades, corrió el alcohol en grandes cantidades y se acostaba con quien quería. Pero no sólo podemos quedarnos con el aspecto frívolo de la Gardner, como mujer fue muy avanzada en su época y nos dejó unas grandes películas que ella ni quería ver porque ella no se veía en la pantalla.

Documental dirigido a grandes aficionados al cine y seguidores de la gran actriz Ava Gardner, no es una película al uso porque su original forma de contarla y narrarla por parte de Charo López (Ava más madura) y Ariadna Gil (Ava más joven) le da un cariz de película de culto y muy entretenida, estás atento a la pantalla para no perderte ni un detalle en los 80 minutos que dura la película, se cuentan muchas anécdotas, algunas muy divertidas y además hace un retrato de la España en pleno apogeo franquista, donde se permitían los deslices pecaminosos de las estrellas de Hollywood a cambió de tener una apertura hacia el mundo, mientras la gente mendigaba por un trozo de pan, muy a la manera de la fascinante producción de Luis García Berlanga de 'Bienvenido Mr Marshall', de hecho la idea partiría a partir del viaje de Ava Gardner a Tossa de Mar para rodar su primera película en España, un pueblo catalán muy alejado de las tradiciones del flamenco que enseguida transformaron su identidad por el dinero americano que allí se iba a invertir. A destacar la bonita música que aparece en ciertos fragmentos del film y la radiografía que se hace de una España muy atrasada en su desarrollo que luchaba por salir de la miseria al lado del star system americano. Muy recomendable para conocernos un poco más a si mismos y como somos, cual es nuestra identidad, gran trabajo de Isaki Lacuesta como director y el montaje. Ya sólo de por sí el título te engancha para ver este film, 'La noche que nunca acaba' sólo puede sugerir algo bueno.

Para Recordar: La fascinante belleza de la estrella que fue Ava Gardner y como España le cambió sus planteamientos en la vida, se sentía más española que americana.

Para Olvidar: Por aquel entonces España era una dictadura y a través del cine, este país más bien era un gran decorado donde los figurantes eran gentes humildes que buscaban cualquier cosa con tal de llevarse algo a la boca.



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Los Muertos no se tocan, nene

Spain (2011)

Estamos en el Madrid de la posguerra. Una familia de clase media que aspira a codearse con la elite, esta a punto de perder al más viejo de sus familiares. El abuelo esta en cama y según el médico de familia debe morir en unos días. Este hecho, más que una tragedia, es un contratiempo. Deben preparar la casa para las visitas, el funeral, el velatorio... Vamos que lo menos importante es que se muera el viejo. Con el hombre aún vivo, todos hablan del entierro y de las personas que deben invitar al sepelio; personas importantes por supuesto. El alcalde, altos mandos militares, amigos ricos... Todo por aparentar y subir en la escala social. Typical Spanish! Sin embargo nada sale según lo previsto y lo que debería ser un evento para mejorar la reputación se convierte en un galimatías de titánicas dimensiones. ¡Incluyendo fantasmas!

Películas costumbrista española que pretende ser un homenaje a los clásicos de Berlanga, pero que se queda en una aburrida película que desperdicia el enorme talento de los actores que la interpretan. Tras una buena idea, como es representar la mentalidad capitalina española cuando alguien fallece, el director retrata una serie de situaciones tremendamente estáticas e inconexas. Gracias a gente como Alex Angulo o Carlos Iglesias, el film logra una serie de momentos muy divertidos e intensos. Es una pena que con una idea inicial tan interesante se consiga un resultado tan pobre. Podemos salvar la representación de algunas de las actitudes típicas españolas de aquella época, como la de reutilizar la habitación del difunto, la compra de la primera televisión, el intento de aparentar a cualquier costa o el rechazo al que esta en pareja sin una cristiana unión. Con este tipo de largos, valoramos aún más a genios como Berlanga: no es fácil hacer una buena película solo retratando situaciones cotidianas.

Nota: 6.2

Para Recordar: El pasaje de Alex Angulo cuando tiene que ir al baño porque ha descomido en sus pantalones
Para Olvidar: La manera estática de tratar el interesante guión de Rafael Azcona


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 New Feature - Try now!!!!



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Lope

España (2010)

El genial dramaturgo español del siglo XVI, Lope de Vega, vuelve de la guerra a la capital del Imperio. En aquel momento solamente era conocido por su habilidad para la poesía. Sin embargo a Lope lo que realmente le interesaba era el teatro. El artista intentará por todos los medios que algún mecenas madrileño se interese por su obra, cosa que consigue tras adaptar una obra del genio Cervantes. Sin embargo no se contenta solo con el triunfo profesional; sus lios de faldas le traerán más de un quebradero de cabeza. La cosa irá a peor hasta el punto de que tendrá que someterse a un juicio en el que estará en juego nada más y nada menos que su vida.

Reciente producción del cine español, que expresa de forma muy clara la razón de que haya bajado de manera tan drástica la afluencia de espéctadores en los films nacionales. Como es posible que con un presupuesto millonario y un elenco de actores tan selecto (Luis Tosar, Antonio de la Torre, Juan Diego...), se narre una historia tan simple y tan insulsa. Con una estructura desaliñada (hay saltos narrativos que no los entiende ni el biografo de Lope de Vega), la trama se centra en un minusculo suceso de la interesantísima vida de este escritor, que no olvidemos murió a los 76 años (o sea que cosas para contar hay). Un suceso relacionado con una de sus primeras relaciones sentimentales. En definitiva, que el director brasileño Andrucha Waddington, piensa que comentar (en una película dedicada a uno de los más grandes dramaturgos españoles con cerca de mil obras escritas), únicamente su adaptación de un relato de Cervantes, es más que suficiente en su biopic. Esto me hace pensar que no debo visionar más una producción en la que intervenga la Corporación Intereconomía.

Nota: 4,5

Para Recordar: La ambientación del Madrid del siglo XVI.
Para Olvidar: ¿ah, pero se ha contado algo para olvidar? Me quedo con la frase lapidaria del final, en la que para referirse a Miguel de Cervantes, se le denomina "el escritor del Quijote". ¿Que pasa que en Brasil no se reconoce el nombre de Cervantes?



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La cabina

España (1973)

Producción dirigida por Antonio Mercero para la televisión pública, recibió en el año 73 el premio Emmy, el primero que lograba un programa español. En un barrio al norte de Madrid instalan en un parque una nueva cabina de teléfonos para dar más servicio en una época que recordemos no había teléfonos móviles. La mañana es tranquila y sin ninguna incidencia hasta que nuestro protagonista tras dejar en el autobús escolar a su hijo entra en la cabina para realizar una llamada, la puerta se cierra y ahora no puede salir, al principio lo intentan sacar los vecinos y no hay manera, llega la policía, los bomberos y tampoco, es imposible sacar al hombre del pequeño cubículo. Al final llegan los instaladores de la cabina y se llevan la cabina entera con el hombre dentro de una furgoneta, lo que comienza siendo un pequeño problema para nuestro protagonista se convierte en una profunda desesperación.

Con un guión escrito por el director junto a José Luis Garci tenemos esta pequeña joya de la televisión española que uno siempre escucha desde pequeño oír de ella pero que nunca había podido visionar. Una historia sencilla, tétrica de la España que se adentra prácticamente en la Transición y que tiene unos buenos secundarios y un magnífico José Luis López Vázquez que da una lección de interpretación en un papel que todo es gestualidad porque no hay apenas diálogo en esta pieza. El final es muy impactante y sorprendente, lo que hace reconocer que la fama de este metraje sea completamente merecida y que en apenas 40 minutos y con poco presupuesto se puede hacer una gran obra y que lo disfruten todos los espectadores de un país. Ese tendría que ser el concepto de la TV pública en cualquier país del mundo. Hubo muchas interpretaciones filosóficas, políticas y existencialistas acerca de este metraje que ya son interpretaciones alejadas de su sencillez.

Para Recordar: La gestualidad de José Luis López Vázquez y y el cachondeo que se provoca alrededor del pobre hombre atrapado en la cabina.

Para Olvidar: Se pasan un poco de guays en el final del relato con helicóptero incluido, me sobra ese elemento.



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El Último Caballo

Producción del año 1950 dirigida por Edgar Neville, uno de los títulos clásicos del cine castizo madrileño. Fernando está ante su último día en el servicio militar que lo ha hecho en el servicio de caballería, le informan que todos los caballos van a ser sustituidos por motocicletas y que mañana pasará el contratista para llevárselos, el destino de los equinos será para que los monten picadores en las corridas de toros en la Plaza de las Ventas y Fernando aprecia mucho a su caballo Bucéfalo. Deja todos sus ahorros para su boda con Elvirita y compra el animal para llevárselo a Madrid pero con el cambio a la vida moderna ya no hay caballerizas en la capital y es prácticamente imposible tener un caballo en la ciudad. Ahora todo son coches, prisas y ganar un mísero sueldo como oficinista en el centro de la ciudad. Fernando no ceja en su empeño para que el animal no sea vendido al contratista y busca la manera para que Bucéfalo pueda tener cobijo y darle otra misión que la de morir sacrificado en la plaza, para ello contará con la ayuda de su compañero en la milicia Simón el bombero y de una florista llamada Isabel.

Es la primera vez que me acerco al cine de Edgar Neville, apodado el Frank Capra español ya que realiza producciones muy al estilo familiar del norteamericano pero casi todas localizadas en la capital de España, de ahí mi interés en su filmografía ya que me gusta ver la ciudad donde yo vivo como era anteriormente. Con 'El Último Caballo' me he llevado una agradable sorpresa, la interpretación de Fernando Fernán Gómez como protagonista es excelente y la ambientación de Madrid es encantadora con esa Gran Vía ya en pleno cosmopolismo, el barrio de Guindalera que era un pueblo, la plaza de las Ventas, la estación de bomberos de Santa Engracia donde trabaja un magnífico y pillo Simón interpretado por José Luis Ozores y esas corralas madrileñas llenas de familias donde se hacía una vida en comunidad. Un film de apenas 84 minutos que te hace pasar un buen rato, que inculca amor por los animales y perfecto para una calurosa tarde de verano, seguiré visionando otros relatos de este desconocido director que en círculos más académicos es muy valorado.

Para Recordar: Los planos de Madrid, la interpretaciones de Fernando Fernán Gómez y de José Luis Ozores.
Para Olvidar: El edulcorado final al estilo Frank Capra donde la buena gente acaba siendo feliz, nunca me ha convencido ese tipo de finales felices, supongo que Neville lo filmó así para contentar a la censura de la época.



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