Canino

Una familia de clase medio-alta griega vive a las afueras de la ciudad en un inmenso chalet. En patriarca trabaja en una fábrica mientras la madre convive en casa con sus 3 hijos. Hasta aquí todo parece normal. Sin embargo existe una peculiaridad importante: los chicos jamás han salido del chalet y estan cerca de cumplir los 40 años. La pareja tomó la decisión de impedir que sus retoños abandonaran el hogar, para protegerlos de toda la maldad que domina la sociedad actual. Por medio de diferentes tretas, han conseguido, que estas personas crean fuera de la casa solo hay un mundo hostil, reservado a las personas que viajan en coche. Sin coche, la muerte es segura. Y el carnet de conducir solo se puede sacar cuando se les haya caído el diente canino y les haya vuelto a salir. De esta manera, el hombre y las dos mujeres que componen el grupo de vástagos, han recibido una educación con un vocabulario inventado por los padres, sin televisión, ni periodicos, ni ninguna influencia del mundo exterior. Solamente una especie de prostituta entra en la mansión para dar placer sexual al componente masculino. Y justamente, es este elemento extraño el que empieza a sembrar las dudas en la primogénita. El padre se entera y decide que lo mejor para no perturbar el equilibrio es que practiquen el incesto. Una locura familiar que provocará unas situaciones de lo más variopintas.

Un poco de cine griego 100% alternativo para sorprender en este blog. Estamos ante un film de reciente producción, alabado por la crítica y con un desarrollo muy polémico. A semejanza de como actuamos con los animales domésticos, una familia decide cortar la libertad de sus hijos por su propio bien. De manera absolutamente creíble, el director nos propone un universo imposible, que nos parecerá de lo más cotidiano al final de la historia. Lo abrumador y original de este relato surrealista, esta por encima del resto de apartados artísticos, con unas interpretaciones simplistas, unos decorados minimalistas (una casa y poco más) y un tempo quizás demasiado pausado. Por supuesto, el final, desquiciante como el resto del film. Recomendable para muy iniciados.

Nota: 7,3

Para Recordar: La conversación sobre el 'teclado'.
Para Olvidar: Lo poco trabajado que esta el desenlace.


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JCVD

Jean-Claude Van Damme, es un actor de peliculas de acción, totalmente encasillado. Su fama hace tiempo que llegó a su límite y ahora le toca lidiar con la cruda realidad. Deudas, divorcios, proyectos cinematográficos de dudosa categoría... Decide volver a su país natal, Bélgica, porque necesita dinero para pagar al abogado que le gestiona el tema de la custodia de su hija. Bruselas es un sitio peligroso para él, pues tiene un contencioso por evasión de impuestos y su nombre esta en la categoria de busca y captura. Pero las deudas son muchas y sus picapleitos se lleva un buen montante económico. Medio de incógnito (todo lo que una superestrella como él puede ir), se mete en la oficina postal en busca del giro. Pero se lleva una desagradable sorpresa. Una panda de atracadores quiere robar la sucursal. Sin saber muy bien como, se ve envuelto en el robo y la policia le señala como el máximo responsable. Con todo perdido, JCVD, se sincera con los rehenes para revelarles su lado más humano. El Jean-Claude más vulnerable, intentará salir ileso de cuerpo e imagén de tan rocambolesca situación ¿lo conseguirá?

Curioso biopic contado en primera persona, que ha lavado la imagén de mal actor que ha arrastrado Jean-Claude Van Damme a lo largo de su carrera. Protagonizando la historia de su propia vida, Van Damme, se mete en una ficción dramática que se convierte en cómica cuando el espectador imagina que el propio actor esta metido en semejante embrollo. Mezcla de realidad e invención, JCVD, nos narrará la nada fácil existencia de un mito; sus bajezas y sus grandezas; grandezas humanas totalmente alejadas del héroe que siempre encarna este actor de lucha. Con un gran trabajo de realización, el director francés Mabrouk El Mechri, consigue arrancar una obra de peso pesado, al malogrado protagonista belga. Buena elección de cine independiente, que ha sorprendido gratamente a la crítica que tenía más que desahuciado a este veterano interprete.

Nota: 8

Para Recordar: Van Damme llorando.
Para Olvidar: La lentitud de algunos pasajes.

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Mouchette

Producción francesa del año 1967 dirigida por Robert Bresson a partir de la novela Georges Bernanos y premiada como mejor película en el festival de Venecia del mismo año. Nuestra protagonista 'Mouchette' es apenas una niña adolescente de unos 13-14 años que tiene una vida poco más que miserable, un padre que constantemente la humilla y le pega, una madre enferma que no se puede hacer cargo del bebé que ha tenido y un hermano que no tiene relación apenas con él, únicamente se emborracha junto al padre. Mouchette se hace cargo de la casa, del bebé y va a la escuela, allí es una niña resentida que no tiene amigas y que durante los recreos se dedica a esconderse y tirarles barro y piedras a los demás. Una tarde llueve mucho y se refugia en el bosque perdiéndose, esa fatídica tarde el guardabosques y un vecino del pueblo tienen una discusión de faldas con fatales consecuencias para Mouchette.

Relato existencialista del francés Bresson donde hay una gran carga dramática para desmitificar la dulzura de la infancia y el encanto de las zonas rurales de la campiña francesa. Mouchette encarna todas las desgracias que le pueden pasar a un ser humano, en la película solamente hay dos momentos de felicidad de la muchacha, cuando puede montar en la feria del pueblo a los coches de choque donde enseguida su padre se acerca a abofetearla y el gran momento dramático del film donde el vecino se convierte en el amante de la muchacha durante la tarde de lluvia, al principio se resiste pero luego acaba por abrazarlo presa de que al menos en el acto hay algún momento de cariño. La película deja muchos aspectos abiertos a la libre interpretación ya que ante nosotros pasan imágenes donde no hay explicación por parte de los personajes y no hay voz en off. Estoy seguro que en algún momento David Lynch tuvo que visionar este film antes de que se hiciera director y que fue un aliciente para dedicarse a esto llamado cine. Una recomendación para el intelecto y estados de ánimo tristes.

Para Recordar: Los momentos puntuales de gran carga dramática que te dejan impresionado, además de que después del visionado te quedas reflexionando. Buena banda sonora también, muy acertada para la ambientación.

Para Olvidar: Lo peñazo que es el cine francés con el ritmo de las películas, porque tiene que durar una película 87 minutos cuando se puede contar la historia en apenas 30.



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The Atomic Cafe

Producción documental del año 1982 dirigida por Jayne Loader, Kevin Rafferty y Pierce Rafferty a partir de la idea de Pierce Rafferty, que encontró en la librería de San Francisco un catálogo titulado "3433 U.S. Government Films" acerca de la propaganda pro-nuclear del gobierno americano en los años de la Guerra Fría. Desde 1945 que los EEUU utilizó la bomba atómica para resolver el conflicto del Pacífico de la II Guerra Mundial contra Japón, los americanos basaron su defensa militar en la tenencia de la bomba atómica para garantizar la paz en el mundo y seguir como primera potencia mundial. El plan les fue muy bien al aplastar Hiroshima y Nagasaki de un plumazo y posteriormente demostraban su fuerza en los atolones del Pacífico con las pruebas que hacían (por ejemplo en el atolón de Bikini donde echaron a los nativos de allí). Pero el plan se tuerce al comprobar a mediados de la década de los '50 que los rusos también poseen esta poderosa arma. La paranoia se instala en los ciudadanos americanos y surge un nuevo gran negocio, la construcción de refugios anti-nucleares para salvaguardar las vidas de las familias yankees.

Gran documental desconocido hasta la fecha por mí que descubrí por una casualidad, resulta que en Munich hay un club de música rock que tiene el nombre de esta película y al investigar sobre él, me encontré esta producción que tiene un gran valor. El absurdo de la política armamentística de las potencias occidentales y como sus habitantes aborregados siguen sus dictámenes con una fe ciega. Conmovedores los relatos de los pilotos del Enola Gay cuando hicieron su misión de dejar caer las bombas sobre Hiroshima y Nagasaki, para ellos era otra misión más de rutina y no sabían los efectos devastadores que iban a provocar, una vez lanzadas las bombas se dieron cuenta de la atrocidad que habían cometido contra el pueblo japonés. También es absurdo e incluso surrealista la propaganda del gobierno de EEUU en la década de los '50 para alertar del posible uso de este arma en la guerra de Corea contra el ejército chino y como una vez que descubren que la URSS posee la bomba, los consejos a la población en caso de alarma nuclear con el simpático dibujo animado de la tortuga Burt. Todo se reduce a agacharse y refugiarse en cualquier sitio cercano, como si eso fuera de mucha utilidad en caso de explosión de una bomba de 20 megatones. Como ya he dicho antes este documental tiene un gran valor histórico que invita a reflexionar sobre el orden mundial y plantearnos que mundo le estamos entregando a los más pequeños.

Para Recordar: Los relatos de los pilotos del Enola Gay, los diferentes anuncios de propaganda pro-nuclear y a los pobres nativos del atolón que los echan de su tierra y encima se van tan contentos.
Para Olvidar: La mala calidad de imagen que tiene el film



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Calle Mayor

Producción española del año 1956 dirigida por Juan Antonio Bardem, premio de la crítica FRIPESCI en el Festival de Venecia. Juan es un empleado de banca en una capital de provincias, cualquier ciudad pequeña de nuestro país en esos años. La vida allí es bastante monótona, pasear por la Calle Mayor, ir al teatro, a la catedral, al casino y salir de juerga por el barrio viejo de la ciudad. Juan proviene de Madrid y en la pequeña ciudad tiene grandes expectativas, ascender en su trabajo y encontrar una mujer rica con la que emparentarse, mientras tanto pasa el rato con los amigos que ha hecho en el pueblo, principalmente señoritos de casino que queda por las tardes con ellos en el Círculo para jugar al billar y gastar bromas a la gente ingenua del pueblo. En una de ellas Juan tiene que conquistar a la solterona de la ciudad, Isabel, una mujer de 35 años que ya había olvidado su condición de casarse con algún hombre en la ciudad y se dedica a rezar y estar con su madre viuda. La espiral en la conquista hace que Isabel se enamore perdidamente de Juan y ahora nuestro protagonista no sabe como salir airoso de la situación y contarle la verdad a Isabel. Ni con la ayuda de su amigo escritor de Madrid puede Juan resolver el entuerto.

Este relato basado libremente en la novela de Carlos Arniches 'La señorita de Trévelez' examina la mediocridad de la vida en una pequeña ciudad de provincias. Bardem comenzó a rodarla en Palencia pero posteriormente fue detenido y estuvo en la cárcel 15 días, tras ser liberado rodó en Cuenca y Logroño. Es una de las mejores películas rodadas en España y elegida entre las 50 mejores películas europeas del siglo XX. Muestra perfectamente la España sombría y siniestra de la dictadura donde en los pueblos las mujeres aspiraban únicamente a casarse con un buen mozo del pueblo, siempre se pasea por la Calle Mayor y los domingos toca ir a misa a la catedral y después ir a comprar pasteles para todo el mundo refugiarse en sus casas y dejar la ciudad completamente en silencio, solo unos pocos solteros adinerados acaban con las camareras del café moderno. También muestra esa España picaresca, costumbrista y religiosa donde todo se mezcla y que es de difícil entendimiento para cualquier ciudadano de otro país. Una gran obra del tío de nuestro oscarizado Javier Bardem donde te mantiene en tensión durante toda la película y que a ratos te asoma una sonrisa en tu boca para ver lo detestable y cínica que era la vida en España a finales de los años 50 en cualquier pueblo de España, la situación no es que haya cambiado mucho en estos días pero al menos no es tan extremo como en esos tiempos.

Para Recordar: La buena interpretación de Betsy Blair como Isabel y la ambientación que realiza Bardem de la pequeña ciudad, cuida hasta el más mínimo detalle. Algunos diálogos son buenísimos e hilarantes.

Para Olvidar: Lo cabrones que eran los amigos de Juan, lo hacen tan bien esos secundarios que los odias en el fondo.



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Il sorpasso (La escapada)

Producción italiana del año 1962 dirigida por Dino Risi, ganadora en la categoría a mejor director en el Festival de Mar de Plata. Bruno Cortona (interpretado por Vittorio Gassman) es un hombre en edad madura que es un juerguista romano que en verano coge su destartalado descapotable y huye del calor de la capital italiana ya que la ciudad se queda desierta y busca aventuras por la costa genovesa a contemplar hermosas muchachas jóvenes bañándose en el Mediterráneo. En su camino hacia la costa para en casa de Roberto Mariani, un joven estudiante de derecho que pasa sus días de verano entre libros para preparar los exámenes de Septiembre, necesita un teléfono y el muchacho al tratarlo tan bien en su casa le dice que lo acompañe en su viaje que necesita desconectar de los libros. A partir de ahí se originan dos días donde Bruno y Roberto se conocerán y ambos visitarán a sus familias respectivas, se bañaran en Portofino, comerán sopa de pescado y sobre todo Roberto se dará cuenta de la farsa que lleva de vida y querrá por fin dar el paso y conocer a su amor platónico, la vecina del ventanal de enfrente de su casa, Valeria.

Nos encontramos ante uno de los mejores exponentes de la comedia italiana donde hace un papelazo brutal el protagonista Bruno Cortona, uno de los mejores papeles en la vida de Vittorio Gassman, la película gira toda alrededor de él y su arrolladora personalidad que va pasado de todo en la vida y descubre a los demás que el mundo es para la gente con iniciativa y con ganas de pasárselo bien, Roberto con su débil personalidad se ve arrastrado y fascinado por la vida de este hombre que por aquí lo llamamos el auténtico gambitero sinvergüenza que triunfa con las mujeres por la noche pero que luego lleva una vida vacía y que subsiste básicamente en engañar al prójimo. A destacar el buen guión que Risi construye a la medida que es este gran actor, la ambientación en la costa genovesa, me encantan los planos de Portofino, un sitio espectacular prácticamente desconocido para los que no son italianos y por último la música que corre a cargo del gran Peppino di Capri. Esa escena de la mesa de ping pong jugando Bruno y su futuro yerno mientras suenan los acordes de 'St Tropez Twist' ya hace que merezca la pena la visión del film, incluso el final es redondo por la desgracia que pasa, así es como veo que deberían ser la comedias, alegres en su ambientación y con ese toque triste al final que hace ver la amargura real de nuestras propias vidas.

Para Recordar: Vittorio Gassman, Portofino, la música de Peppino di Capri.

Para Olvidar: El sonido del claxón del coche de Cortona y los horribles subtítulos que han hecho en castellano para la película.



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El Último Caballo

Producción del año 1950 dirigida por Edgar Neville, uno de los títulos clásicos del cine castizo madrileño. Fernando está ante su último día en el servicio militar que lo ha hecho en el servicio de caballería, le informan que todos los caballos van a ser sustituidos por motocicletas y que mañana pasará el contratista para llevárselos, el destino de los equinos será para que los monten picadores en las corridas de toros en la Plaza de las Ventas y Fernando aprecia mucho a su caballo Bucéfalo. Deja todos sus ahorros para su boda con Elvirita y compra el animal para llevárselo a Madrid pero con el cambio a la vida moderna ya no hay caballerizas en la capital y es prácticamente imposible tener un caballo en la ciudad. Ahora todo son coches, prisas y ganar un mísero sueldo como oficinista en el centro de la ciudad. Fernando no ceja en su empeño para que el animal no sea vendido al contratista y busca la manera para que Bucéfalo pueda tener cobijo y darle otra misión que la de morir sacrificado en la plaza, para ello contará con la ayuda de su compañero en la milicia Simón el bombero y de una florista llamada Isabel.

Es la primera vez que me acerco al cine de Edgar Neville, apodado el Frank Capra español ya que realiza producciones muy al estilo familiar del norteamericano pero casi todas localizadas en la capital de España, de ahí mi interés en su filmografía ya que me gusta ver la ciudad donde yo vivo como era anteriormente. Con 'El Último Caballo' me he llevado una agradable sorpresa, la interpretación de Fernando Fernán Gómez como protagonista es excelente y la ambientación de Madrid es encantadora con esa Gran Vía ya en pleno cosmopolismo, el barrio de Guindalera que era un pueblo, la plaza de las Ventas, la estación de bomberos de Santa Engracia donde trabaja un magnífico y pillo Simón interpretado por José Luis Ozores y esas corralas madrileñas llenas de familias donde se hacía una vida en comunidad. Un film de apenas 84 minutos que te hace pasar un buen rato, que inculca amor por los animales y perfecto para una calurosa tarde de verano, seguiré visionando otros relatos de este desconocido director que en círculos más académicos es muy valorado.

Para Recordar: Los planos de Madrid, la interpretaciones de Fernando Fernán Gómez y de José Luis Ozores.
Para Olvidar: El edulcorado final al estilo Frank Capra donde la buena gente acaba siendo feliz, nunca me ha convencido ese tipo de finales felices, supongo que Neville lo filmó así para contentar a la censura de la época.



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Daybreakers

Estamos en un futuro cercano en el que un extraño virus ha infectado la humanidad. Y la infección no es otra que el germen del vampirismo. Poco a poco, todo el mundo bebe sangre para subsistir y duerme por el día; el mundo tal y como lo conocemos ha dejado de existir. Los que aún no han sido contagiados, sirven de alimento al resto. Granjas humanas prosperan, mientras los investigadores, intentan buscar un sustituto de la sangre, pues esta es cada vez más escasa. La situación es cada vez más dramática; la caza indiscriminada de humanos no consigue abastecer al pueblo vampiro. El reducto de hombres forma una resistencia para poder sobrevivir en la condición que nacieron. La inmortalidad no es la solución para todo el mundo. La lucha es encarnizada y el calor de la vida parece que dará lugar a la eternidad más fría. Solo queda una esperanza fruto de la casualidad más absoluta para evitar que los vampiros arrasen la tierra ¿será suficiente?

Película fantástica de reciente producción, encuadrada en el de tan de moda género de vampiros reconvertidos. Sería una más del montón, sino fuera por el curioso planteamiento de partida: ¿Qué pasaría si los que se tienen que esconder son los humanos? Con este prólogo, los hermanos Spierig nos propondrán un universo de lo más original. Todo esta adaptado a la vida vampírica: coches con cristales tintados y cámaras exteriores, la calles vacías por el día, laboratorios de investigación en busca de sangre artificial… Una sociedad perfectamente recreada que hace las delicias de los que disfrutamos imaginando mundos alternativos. Visualmente impecable, el apartado artístico se completa con una historia, dejémosla en, decente. Sin grandes alardes, el guión nos propone una trama de misterio que poco a poco va bajando de intensidad hasta el punto de llegar a la trivialidad más absoluta. Una trivialidad que flirtea con los tópicos del cine de serie B, pero que se redime en cierta manera conforme se acerca el apocalíptico final. En conjunto estamos ante una obra original (cosa dificultosa de encontrar dentro del género y que le da derecho a entrar en este bloque de Pinículas) y con muy buenos aciertos en lo que se refiere a la realización visual; realización que me recuerda en muchos momentos al estilo que utilizó Alex Proyas en mi venerada Dark City o El cuervo.

Nota: 7

Para Recordar: El comienzo de todo.
Para Olvidar: La poco imaginativa formula para lograr el antídoto.


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Mallrats

Shannon, el amigo guaperas de un grupo de perdedores, ha perdido al amor de su vida. En una discusión han mandado toda la relación al traste. Para curar sus penas queda con el resto de colegas y van al centro comercial a pasar el rato de la manera más anodina posible. Shannon esta muy triste, y sus compinches deciden ayudarle a recuperar a su chica. Lo enrolan en un concurso de parejas del que su ex es presentadora e idean un loco plan para que se vuelvan a enamorar. Todo es posible cuando Cupido hace acto de presencia, y con la fuerza de la amistad, las drogas, los superhéroes de comics y hasta de la orden Jedi, Shannon tendrá todas las armas para vencer al despecho.

Segunda película de la triología original de Clerks. Kevin Smith, embriagado por el éxito de crítica y público underground que cosechó su primer film, se lanza en busca de otra obra de culto y se estrella en frikismo comercial más absoluto; en busca de la originalidad, Smith no logra apartarse del tópico alternativo. Que si comics, que si Star Wars, que si temas escatológicos, que si chistes verdes... Un compendio de situaciones, sin ninguna fluidez, que aleja este largometraje a años luz de su predecesora. Afortunadamente, el director aprendió de sus errores y termino la saga de manera brillante con Persiguiendo a Amy. Capítulo totalmente prescindible en la filmografía del genial realizador.

Nota: 5,8

Para Recordar: La escena con la pitonisa. Desternillante.
Para Olvidar: El planteamiento tan simple.


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El diario de Noa

Un anciano octogenario, convive en una residencia con una mujer de la misma edad. El hombre, totalmente lúcido, gusta mucho de leer historias a la entrañable abuela, que no es tan afortunada y parece que tiene algún problema de memoria. La novela preferida de ambos es una en la que un joven campesino se enamora perdidamente de una rica mujer; un amor de verano cuando no habían llegado a la mayoría de edad. Los chicos, se separan y la guerra se entromete. Cuando parece que su idilio había sido matado por la distancia y el olvido, se reencuentran y la chispa vuelve a brotar. La vieja mujer se emociona mucho escuchando la narración; le parece tan bonita y tan romántica que no puede evitar llorar cada vez que se la cuentan. Pero cada vez tarda menos en olvidarla y su familia esta muy preocupada por ella. Su familia y su acompañante en la residencia. Pero no importa, él le volverá a narrar el cuento las veces que sean necesarias…

Drama romántico dirigido por el hijo del conocido director y actor, John Cassavetes, Nick. Buena aportación al séptimo arte, en lo que se considera un film de culto para el género. Al más estilo de La princesa prometida, este ejercicio de historia dentro de historia, no dejará lágrima dentro de ojo. Persiguiendo enternecer y transmitir un mensaje directo, consigue su objetivo sin ir más allá. Me explico: tiene su moraleja y el final es emotivo, pero la historia se reduce a una pareja que se enamora, se separa y luego se vuelve a encontrar, sin más complicación. No apta para los adictos a las comeduras de cabeza y muy recomendable para los que quieran ver una de esas pelis que se denominan “bonitas”.

Nota: 7,6


Para Recordar: El final, aunque un poco previsible es muy bonito.
Para Olvidar: La simpleza de la historia secundaria.


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Primera Nevada

Un curtido y amroal comercial, intenta una y otra vez, realizar la venta de su vida, para retirarse con su chica de ese momento, a correse juergas nocturnas en las que abunde el alcohol. Con esa mentalidad tan simple, pasa los días en la carretera intentando 'colocar' mercancia de lo más variopinto. En la actualidad esta trabajando con Gramolas de bar. Tan "original" artefacto, solo puede ser adquirido en los más "pintorescos" garitos. En uno de ellos, el típico bar de autopista, nuestro protagonista, Jimmy Starks, conocerá a un vidente de la zona. Totalmente escéptico con estos temas, Jimmy, se gasta unos dólares en conocer su futuro. Pregunta por el resultado del basket, por su futuro profesional, en fin este tipo de cosas tan "transcendentales". Sin embargo, a parte de lo requerido, el futurólogo ve algo muy oscuro que no revela al vendedor. Le pide que se marche y le devuelve el dinero. Starks, se aleja riendose de aquel hombre y todo parece terminar allí. Pero claro, el problema aparece cuando todo lo que le contó el vidente se cumple. Es entonces cuando Jimmy se incomoda y decide hacerle otra visita, esta vez con la firme intención de hacer "cantar". Y lo que le cuenta no le animará mucho: perderá la vida cuando nieve en invierno. Esta confesión, hace que Jimmy vea peligro en cada lugar. Se vuelve paranoico, mientras vamos conociendo cosas de su truculento pasado. Las temperaturas van bajando y el protagonista se va acercando cada vez más al desfiladero. Cuando la primera nevada esta a punto de caer, conocermeos al verdadero J. Starks... aunque quizás sea demasiado tarde...

Película revelación en el festival de Sitges en 2006. Con un Gay Pearce inspirado, el director Mark Fergus, nos propone una historia de suspense sobria, que pasó mucho mas desapercibida que la siguiente obra que guionizó, Hijos de Hombres. Sin embargo, este film, no debe ser para nada menospreciado; cuenta una historia singular, en la que el protagonista lucha con su pasado para alcanzar un futuro. Un futuro que le lleva a una muerte anunciada. Con este objetivo, lo narrado en el largometraje es exacto y preciso. Más cerca de una historia dramática que de un relato de intríga, Primera Nevada nos guía por el fantástico mundo de las personas cotidianas que juegan con la ambición; y nos guía con un argumento realista, un desarrollo sorprendente y un final aplastante.

Nota: 8

Para Recordar: Lo macarra que es Guy Pearce.
Para Olvidar: El principio.


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Uno de los nuestros

Nueva York años 50. La vida en la vieja capital no es fácil. Los trabajos son duros y las jornadas largas. El sueldo es bajo y las casas pequeñas. Todo es complicado... si eres honrado. Esto mismo piensa Henry Hill; cansado de estudiar y de ver como su padre pierde la salud en el trabajo, admira a los matones que viven en frente de su casa. Todos les respetan, hacen lo que quieren, se les ve contentos... Cuando un día reclaman su presencia para un 'trabajito' el no se lo puede creer. Lo dará todo para conseguir agradar a sus jefes. Poco a poco se va ganando un prestigio. Junto con Tommy DeVito y Jimmy Conway, formarán una sociedad muy lucrativa, robando 'pacificamente' camiones de mercancias. Lo que hacen no se ve como un delito grave y la policia hace la vista gorda. Para Henry la vida del crimen organizado es ideal. Lo único malo es que el oficio de mafioso no es una profesión; mafioso sé es las 24 horas del día...

Clásicos entre los clásicos, este film de Scorsese ha sabido envejecer como pocos. Antes de verla, me resultaba complicado sorprenderme con un género del que no soy muy devoto. Sin embargo, esta historia me convenció de principio a fin. Es como si hoy en día, Tarantino realizara un largo de la Cosa Nostra: rodaría algo irónico, mordaz, salvaje... Pues Martin Scorsese se adelantó hace 20 años, narrando la vida de unos mafiosos cotidianos, orgullosos de su trabajo; con gestos muy humanos y con los problemas que cualquier persona tiene. Tan divertida como precisa, Uno de los Nuestros sigue siendo un film imprescindible para los que gustan de disfrutar con las grandes obras del cine.

Nota: 8,9

Para Recordar: Todo Joe Pesci.
Para Olvidar: El inevitable 'estancamiento' final, tras una brutal ascensión de intensidad durante las tres cuartas partes de la película.

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Los locos del Cannonball

El Cannonball es una carrera ilegal que cruza Estados Unidos. Un premio millonario será entregado al ganador. Jugoso aliciente para los más locos pilotos americanos. Un falso conductor de ambulancia, un japonés con un coche del futuro, un motorista disfrazado, un Lamborghini pilotado por dos bellezas o hasta el propio James Bond se darán cita en la competición. Y como no podría ser de otra manera, las argucias y las locuras estarán presentes durante todo el camino. La única regla es correr y el único impedimento será la policia ¿quién será el vencedor?

Película de culto dentro de los fanáticos del cine gamberro de los 80. Al más puro estilo "Autos Locos" esta comdeia americana aparece sin más pretensión que la de llenar las arcas del productor. Sin mucho guión y con algunos momentos francamente graciosos, este film de la "saga" Cannonball solo puede destacarse por su "impresionante" reparto: Roger Moore, Jackie Chan, Peter Fonda, Dean Martin, Sammy Davis Jr. y hasta Bianca Jagger, tienen cabida en esta, llamemosle revisión, de la clásica "Carrera del Siglo". Inlcuyo este largo como curiosidad cinematográfica, que, por otro lado, hará las delicias de los seguidores más "freak" de piniculas.

Nota: 6,1

Para Recordar: El capitán caos: el origen de Cálico.
Para Olvidar: En general, el nivel dramático.

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Mein Führer

Alemania, finales de la Segunda Guerra Mundial. Berlín esta asolada por las bombas y la rendición nazi solo es cuestión de tiempo. Adolf Hitler esta muy deprimido. No quiere ver la realidad de su pueblo y sus ministros intentan mantenerlo al margen. Lo que ocurre es que debe dar un discurso para subir la moral de la gente y este Führer no está en condiciones morales de lograrlo. Algo hay que hacer. Hay que buscar una solución. Y por qué no una orginial. Himmler, decide sacar de presidio a uno de los mejores directores de escena de Alemania, judío y condendo junto a su familia. Mediante promesas y amenazas, el profesor Grünbaum, tendrá la ardua tarea de conseguir que el dicatdor "interprete" el guión del discurso para que suene tan glorioso como motivador. No será una misión fácil; habrá que practicar terapias de choque, para desbloquear el subconsciente del Führer. Traumas y miserias, harán enternecernos con tan deplorable personaje. Un entramado de situaciones para que nada falle ante el gran público. Pero cuando todo esta preparado, un imprevisto cambiará el rumbo de la historia...

Original película del suizo Dani Levy que fue muy aclamada por la crítica germana. Levy da un giro a la historia de la WWII, en la que el gran Adolf Hitler, es un ser humano frágil. Con un brillante planteamiento, la inonía con la que se introduce le historia, se va sobrecargando hasta llegar a situaciones imposibles o de dificil credibilidad dentro del contexto. El humor sutil, se transforma en payasada y la acción se vuelve muy pesada. La película toca fondo en el preludio del final y se levanta para ofrecernos una conclusión quizás demasiado al estilo "El Gran Dicatdor", pero muy efectiva y emotiva. Buena opción para los que gusten de estas historias de la guerra con realidades alternativas.

Nota: 6,9

Para Recordar: La escena del barbero y Hitler. El discurso final.
Para Olvidar: Las situaciones donde Hitler parece un Bufón.



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The Searchers (Centauros del desierto)

Producción americana del año 1956 dirigida por John Ford. Tres años después de la guerra de Secesión Ethan Edwards vuelve al hogar de su hermano en el rancho de Texas después de haber estado luchando en el ejército confederado. Justo con la llegada de Ethan los indios comanches ponen una serie de trampas robando rebaños de vacas para alejar a los hombres de los ranchos y así poder asaltar las casas. En una de las escaramuzas de los comanches queman la casa del hermano de Ethan, matan a casi toda la familia y secuestran a la sobrina pequeña para convertirla en india. Ethan junto a su sobrino de ascendencia cherokee van en busca de la niña y no descansarán hasta que la encuentren. Para Ethan no tiene sentido tener un hogar mientras esa niña pertenezca a la tribu comanche y vagará por toda Texas para que vuelva con los suyos.

En el estreno de 'Centauros del desierto' se le metió mucha caña tanto a John Ford como a John Wayne de haber realizado un mediocre western 'crepuscular' que claramente anunciaba el final de sus carreras. Luego con el tiempo el film ha envejecido muy bien y se ve que es uno de los mejores guiones e interpretación por parte de Ford y Wayne, ese racismo del que hace gala John Wayne contra los comanches, la de un hombre sólo y amargado que vuelve a su hogar 3 años después sin desvelar la razón de esa injustificada ausencia. Esos planos-secuencia muy largos a través de Texas donde se cabalga con el calor insoportable del verano y la nieve fría y dura del invierno. La caracterización de Wayne es perfecta, hombre rudo y poco cariñoso que luego a la hora de la verdad se comporta como todo un hombre e incluso cede en sus más puras convicciones por el beneficio de los suyos y la felicidad del grupo, aunque sabe que siempre su destino será el mismo como ese grandioso final donde se queda sólo mientras se cierra la puerta del rancho donde se quedan sus familiares. Una obra imprescindible, amena y divertida incluso a los que no son aficionados al western como me ocurre a mí. Clint Eastwood en su buena película de 'Sin Perdón' debe mucho a John Ford con esta producción de 'Centauros del desierto'.

Para Recordar: El memorable final y la caracterización de John Wayne, ya no se hacen papeles de ese estilo, incluso serían políticamente incorrectos.
Para Olvidar: El vestuario que le ponen a los indios comanches, totalmente lamentable.



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Radio en cubierta

Estamos en los años 60, cuando la radio en el reino unido alcanzaba todo su esplendor. Las emisoras ponían música a todas horas y la gente la escuchaba en cualquier lugar. Pop, clásica, disco... todos los estilos estaban presentes ¿todos? Todos no; la música Rock era considerada tabú. A pesar de los intentos de los pioneros de R&R de retransmitir este tipo de música, las leyes inglesas impedían que las emisoras de este tipo pudieran retransmitir desde el territorio británico. Y este era el quiz de la cuestión. Una panda de luchadores, decidieron transmitir desde el único sitio donde el gobierno de su majestad no pudiera echarles el guante: aguas internacionales. Con un barco lo suficientemente grande y una antena lo suficientemente potente, 8 gurús del Rock and Roll emiten 24 horas de pura música. La audiencia es brutal y lo mejor de todo, nadie puede pararlos. Las autoridades no pueden permitir esta desfachatez e idearan la manera de poder acabar con esta radio encubierta...

Interesante comedia musical que nos plantea el director Richard Curtis, famosos por guiones como Love Actually o varios capítulos de la genial serie Mr. Bean. En esta ocasión nos exagerará hechos reales que ocurrieron en la década de los 60 cuando el pop era impuesto en la Gran Bretaña; lo que se relata en la película, nos hace reflexionar de por qué un país con tan buenos grupos de rock (Led Zeppelin, Queen, Rolling Stones, Judas Priest...) se caracteriza por generar bandas de pop pasteloso: La censura. La fuerte censura que imponía un máximo de 2 horas dedicados a la música rock. Eso si, la que no tenga malas palabras en sus letras. Por lo demás, estamos ante un film simpático, con momentos disparatados al más puro estilo Guateque, pero sin otra ambición que la de poner de manifiesto la historia de estas radios pirata. Como no, destacar la impresionante banda sonora, con temas de Hendrix, The Turtles, Cream, Jeff Beck, The Who, David Bowie, Leonard Cohen, Rolling Stones y un laaaaargo etc.

Nota: 7

Para Recordar: Sin dudarlo la banda sonora.
Para Olvidar: Lo simple de la historia.


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Historia completa de mis fracasos Sexuales

Chris Waitt es un director de cine independiente que se esta quedando sin ideas. Su productor le agobia con nuevos proyectos, pero la mente del realizador esta vacia. Pero algo tendrá que hacer. Ni corto ni perezoso, queda con un amigo y empieza a rodar un documental donde el protagonista es ¡él mismo!. Se trata de narrar todos los problemas que ha tenido con las mujeres, para aprender de ellos y conseguir llegar a la relación perfecta. Chris, entrevistará una a una a cada una de sus innumerables novias para preguntarles por qué le abandonaron. Esta pregunta, necesaria para Waitt, resulta obvia al espectador: el chico es vago, sucio, desordenado, egoista y mujeriego. Pero claro, nosotros no podemos interactuar con él. Por eso, el director, no parará en su empresa; va contactando una a una con cada ex-pareja, y una a una pasan completamente de hablar con él. Decide cambiar la táctica y entrevista a la única mujer con la que ha durado más de 2 años: su madre. Por medio de su santísima, consigue cerrar alguna entrevista. Las chicas logran sacar los colores al bueno de Chris, con críticas desgarradoras. Pero él no se rinde y las conclusiones que saca no la convencen de momento. Y asi seguirá investigando hasta que una de las mujeres con las que pernoctó le da un dato revelador: es muy malo en la cama. Este problema si que es importante. Chris, decide tratarlo con un especialista y pone manos a la obra para solucionarlo. Pero este muchacho no tiene punto medio y lo que parecia que iba arreglarlo todo, se convierte en un lio que le complicará su existencia hasta límites insospechados. Pero bueno, hay que mirarlo por el lado positivo: ha conseguido terminar una nueva película. Esta.

Cine independiente en estado puro, para este falso documental inglés dirigido y protagonizado por Chris Waitt. Aferrandose a la oscura pasión del ser humano por las desgracias de los demás, el propio Waitt se esgrime como victima ocasional del género de femenino. Golpe tras golpe, el director nos va introduciendo en primera persona por la vida de un jovén artista sin aspiraciones que no ha sabido orientar su vida sentimental. Con un guión simple, pero ágil, el director logra mantener el interés del público durante toda la película. Hasta los enemigos del morbo gratuito como es el caso de un servidor, no pueden contener la carcajada ante las situaciones que va forzando el actor. Sin ser un referente dentro del género, esta Historia de los fracasos sexuales de Chris Waitt, hará las delicias de los que gusten de comedias frescas, actuales y repletas de imaginación.

Nota: 7

Para Recordar: La entrevista a la novia que no quiere aparecer en pantalla.
Para Olvidar: Los inevitables momentos en los que no pasa absolutamente nada.


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A dos metros bajo tierra (2001-2005)

La familia Fisher, paradigma de la clase media católica americana, regenta orgullosamente una funeraria en Los Ángeles. Ejemplo para el resto de la sociedad, los Fisher jamás han protagonizado un escándalo. Son un modelo a seguir. Y así habría seguido siendo, a no ser porque el patriarca, Nathaniel, fallece en un absurdo accidente de tráfico. Es entonces cuando todo el mundo empieza a plantearse su existencia. El primogénito, Nate, se ve obligado a volver a L.A. para ayudar a su hermano, David. A partir de esta sociedad irán aconteciendo una serie de sucesos que sacarán a la luz la verdadera cara de la familia Fisher: el adulterio del intachable Nathaniel, la homosexualidad de David, las múltiples adicciones de Nate, el desenfreno de la hija menor, Claire, el ambre de sexo de la progenitora, Ruth... Un sinfín de situaciones que giran alrededor de sus protagonistas; protagonistas que nos eneñarán, desde un punto de vista puramente existencialista, lo bonita que puede ser la vida y lo importante que es la muerte para cerrar el ciclo natural de toda la humanidad.

Bueno, que se puede decir de una de las más importantes produciones de la televisión. La creación de Alan Ball ha sido durante 5 temporadas un referente para el resto de series. Con nada más y nada menos que 46 premios y 117 nominaciones, A2MBT ha logrado situarse en el podium más alto de los clásicos. Choca esta cifra por cantidad, pero también por variedad, pues ha tenido galardones dentro de los Globos de Oro (interpretaciones), Emmy (televisión), Grammy (música)... Y es que en efecto, esta es una de las características que hacen que esta serie de un salto cualitativo con todo lo que se ha hecho hasta el momento. Basándose en un impecable guión, mordaz, complejo, surrealista, descarado y realista, las historias cotidianas adquieren la categoría de aventura urbana. La realización tampoco escapa a la excelencia; los directores de los diferentes capítulos han participado tanto en largometrajes muy aclamados por la crítica independiente (como es el caso de L.I.E.) como en otras series de renombre: House, Lost, True Blood, The Office, The Pacific, Dexter,...
Desde el punto de vista puramente artístico, me gustaría destacar el recurso recurrente de representar las inquietudes morales de los personajes con la presencia de alguien muerto. Al más puro estilo de Soliaris, los protagonistas hablan consigo mismos a través de otra persona fallecida. Mantienen dialogos ficticios que en realidad son monólogos interiores. Hay momentos de tal brillantez que te hacen reflexionar durante días. En lo que a la intensidad narrativa se refiere, a lo largo de las 5 temporadas mantiene la línea; si bien es cierto que la tercera temporada marca un mínimo en cuanto a imaginación, con la cuarta entrega comienza la ascensión (temporada a la que tengo especial cariño porque me la regalaron mis amigos en DVD) hacia una nueva dimensión creativa que culminará con un resurgir inesperado que desencadenará un final sorprendente que ratifica al 100% la calidad del resto de la serie.
En definitiva, un clásico de principio a fin, indispensable para entender la evolucion del mundo de los seriales en la televisión. Profunda y metafísica, no apta para los que quieran ver TV para desconectar de todo.

Para Recordar: Aunque parezca poco imaginativo, es totalmente cierto: Cada capítulo sin excepción aporta una conclusión moral que nos será dificil obviar.
Para Olvidar: Quizás algún capitulo de la Tercera Temporada.

Nota: 10


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El secreto de sus ojos

Producción argentina del año 2009 dirigida por Juan José Campanella, ganadora de 2 premios Goya y Óscar a la mejor película de habla no inglesa el año pasado. Benjamin Espósito se ha dedicado toda su vida a secretario de un Juzgado de Instrucción de la Ciudad de Buenos Aires, en los años 70's ingresa como su superior Irene Menéndez Hastings, una joven de la aristocracia y por una casualidad les toca resolver el asesinato de Liliana Coloto, para Benjamin un caso que en principio le fastidia tenerlo se convierte en su gran caso al ver a su marido Ricardo Morales el amor que tenía por su fallecida esposa. 30 años después en su retiro el caso vuelve a la mente de nuestro secretario y quiere seguir buscando la verdad del caso y también buscarse a si mismo y resolver sus dudas existenciales a través de una novela. Así podrá honrar la memoria de su compañero en el juzgado, el entrañable borracho Pablo Sandoval y sobre todo descubrir ese amor que nunca fue confesado a Irene.

A pesar de competir con películas como 'La cinta blanca' de Michael Haneke o 'Un profeta' de Jacques Audiard finalmente esta producción se llevo el gato al agua en la ceremonia de los Óscars con el innegable sello del veterano director argentino que se merece un homenaje por toda su carrera, cierto que este relato además es su obra cumbre hasta el momento y por eso tiene un gran merecimiento el galardón. La interpretación por parte de Ricardo Darín y sobre todo de Guillermo Francella (Pablo Sandoval) son magníficas y el film no pierde ritmo en ningún momento aunque siempre está que siendo la película en español te pierdes mucho con el tono argentino. Tiene además algunos momentos cumbres que hace que el espectador no deje de sorprenderse, esa persecución en el estadio de Racing de Avellaneda, las continuas peleas de Sandoval en el bar o como el cabroncete de Romano le hace la vida imposible a Espósito. Un gran film con una banda sonora muy cuidada que permite pasar 2 horas de tensión y sobre todo de una cosa que es muy complicada actualmente, que no deja de sorprenderte por el buen guión que Campanella compone.

Para Recordar: El final poético de Morales con el verdugo de su mujer (Isidoro Gómez), cuanto justicia.
Para Olvidar: Algunos diálogos típicos de pajas mentales de los argentinos.


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To Kill a Mockingbird (Matar a un ruiseñor)

Producción americana del año 1962 dirigida por Robert Mulligan a partir de la novela de Harper Lee, ganadora del premio Pulitzer. La película consiguió 3 Óscars, al mejor actor principal (Gregory Peck), guión adaptado (Horton Foote) y dirección artística. Atticus Finch es un honorable abogado en una población sureña de EEUU, vive junto a sus dos hijos y su criada Calpurnia, sobre Atticus recae la responsabilidad de educar a sus dos hijos ya que su madre murió hace unos años, cuando eran muy pequeños. En la población ha surgido un caso que ningún abogado quiere, una mujer blanca ha acusado a un hombre negro de haberla violado. A pesar de que en el caso se demuestra claramente que el hombre negro es inocente con la buena defensa que Atticus hace sobre su cliente, el jurado (compuesto únicamente por gente blanca) lo condena a cadena perpetua. Atticus pierde muchas amistades en el pueblo pero se gana el respeto y la admiración de sus hijos para siempre.

Nos encontramos ante uno de los mayores clásicos del cine en blanco y negro americano, relato de imprescindible visión sobre todo para la gente más joven. Atticus encarna todos los valores que un hombre bueno puede tener, es valeroso, no se arredra ante nada pero tiene una infinita bondad y aún cree en el sistema. Su respeto hacia los demás hace que sea un hombre admirable aunque como todo en la vida se gane ciertas enemistades y enemigos por su gran sentido de la justicia. De hecho en la parte final del film Atticus cree más en la justicia de los hombres que en la justicia estatal, porque siempre ha habido excepciones. La interpretación por parte de Gregory Peck es magistral, en el papel más contenido y brillante de su filmografía. A destacar el tono narrativo de la película (supongo que muy fiel a la novela) donde la visión de la hija pequeña de Atticus sobre su padre es realmente emocionante, en definitiva, una película que uno tiene que ver en su vida al menos una vez.

Para Recordar: La entrañable interpretación de Gregory Peck (siempre será para mi un referente de comportamiento el señor Finch).
Para Olvidar: El repelente amigo que tienen los hijos de Atticus, que interpretación de empollón más ñoña.


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Hierro

En esa enigmática isla canaria llamada Hierro ocurre un siniestro accidente de coche. Una madre y su hijo salen de la carretera y caen en el mar. Tras el suceso, el chaval no aparece y todos lo dan por muerto. Posteriormente, años más tarde, María, una profesora de ciencias del mar, va a visitar la isla con su retoño. En el ferry, se queda dormida y el chico desparece. Al llegar a tierra, denuncia el caso a la policiía. Semanas después encuentran a un muchacho que se corresponde con la descripción; sin embargo, María no lo identifica como su hijo y decide investigar por su cuenta. Todo el mundo parece actuar de manera sospechosa. Recordando hechos de cuando se perdió el niño, llega a una pista que la lleva a conocer a la mujer del principio. Internada en un manicomio, desquiciada, sigue creyendo que raptaron a su vástago. María la toma en serio y encontrará pistas que le conduciran hacia la verdad. Una verdad que no es la que esperaría encontrar.

Aclamada película dentro del foro de ficción alternativa, que se consagró en el festival de Sitges de 2009. Simplista y visualmente sensacional, Hierro cuenta una historia sencilla, sin más pretensión que la de enganchar al espectador. Su fin lo consigue y además nos va dejando pinceladas de misterio repletas de credibilidad. Una credibilidad que consigue su colofón en el impactante y sorprendente final, que deja con muy buen sabor de boca a los que apostamos por visionar este film.

Nota: 7,8

Para Recordar: La impresionante calidad visual, digna de un director que
proviene de trabajar como animador en films de culto como El día de la Bestia o
Perdita Durango.
Para Olvidar: La sobreactuación que nos regala en determinados momentos, la ahora diva Elena Anaya


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The Good Heart (Un buen corazón)

Producción islandesa-americana del año 2009 dirigida por Dagur Kári. Nuestro protagonista Lucas vive en la indigencia debajo de puente de Brooklyn en Nueva York, es un joven bueno y generoso que intenta suicidarse en vano porque es ingresado en el hospital antes del fatal desenlace, una vez allí coincide con Jacques, un viejo cascarrabias dueño de un bar en Manhattan que va por su quinto infarto. Jacques ve en este joven la manera de continuar el negocio de su bar 'La casa de las ostras' y lo toma bajo su tutela, le da nuevas ropas, un techo arriba del bar donde cobijarse y le va enseñando su propio credo para llevar el negocio, ser amable con los clientes pero nunca siendo demasiado amistoso, nada de nuevos clientes y por supuesto nada de mujeres en el negocio. Hasta que un día aparece April, una joven rubia que pide ayuda a Lucas y este insiste a Jacques en que tienen que ayudarla. Al principio Jacques se torna intrasigente con la perspectiva de Lucas pero tras su sexto infarto y diversos acontecimientos Jacques se da cuenta de que Lucas se está volviendo frío y amargado como lo es él. Eso no le gusta pero para estar detrás de una barra de un sórdido bar en Nueva York hay que ser de una pasta especial.

Relato maravillosamente bien escrito a cargo de Dagur Kári que con el elenco de actores Paul Dano (Lucas) y Brian Cox (Jacques) participantes de la también muy buena película 'LIE (Long Island Expressway)' logra una sensación de comedia con tono nórdico en un Manhattan con ambientación de los buenos thillers de los 70's como 'Una tarde de perros'. En ningún momento del film decae esa tensión de que van a pasar muchas cosas que no sabemos si van a ser buenas y malas y que reflejan el interés creciente que hay por los buenos escritores de Escandinavia ya que logran dar giros inesperados de guión muy acertados y guardan un humor entre muy tierno y siniestro. Una gran sorpresa de este desconocido islandés donde no te deja de parar de sorprendente hasta en ese final agridulce que no voy a desvelar ya que recomiendo la visión de esta relación de maestro a discípulo que tan bien realizan los mencionados Paul Dano y Brian Cox.

Para Recordar: El guión, los actores, Nueva York, la banda sonora, etc...
Para Olvidar: Pensar lo efímera que puede ser la vida.

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El Escritor

El expresidente Británico ha pedido a su asesor de confianza que sea "Su negro" para escribir una autobiografía. Con el texto muy avanzado, el escritor fallece ahogado, al parecer tras caer borracho de su yate. Con el fin de concluir su trabajo, el gabinete del político contrata un nuevo narrador, experto en este tipo de libros. Este escritor fantasma (que es como llaman a esto literatos en los paises anglosajones), se muda a la lujosa mansión en la costa, donde vive el expresidente. Allí comienza un minucioso estudio de la vida del mandatario Inglés. Una vida plagada de escándalos que nunca han sido 100% demostrados. Ahora, el fantasma, esta viendo estos escándalos en primera persona. Va reuniendo información y descubre un truculento secreto que ha perseguido al exjefe del estado desde la juventud. Poco a poco, el escritor va montando en su cabeza una rocambolesca historia que intentará demostrar a toda costa.

El maestro Polanski nos deleita de nuevo con una gran obra de cine en estado puro. Sin más pretensión que la de contar una historia, El Escritor resulta un gratificante relato de misterio cotidiano, que mantiene al espectador en tensión hasta los minutos finales. Perfecto equilibrio entre una trama de novela negra, una obra de Hitchcock y un drama político del siglo XXI. Arriesgado cocktail que da como resultado un film robusto, interesante y entretenido. Misterio creíble para un cine de autor en toda su expresión.

Nota: 8,8

Para Recordar: La impresionante fotografía y los exteriores/Interiores en la Isla.
Para Olvidar: El mezclar el amor maduro.



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12 hombres sin piedad

Acaba de concluir un juicio por homicidio. El jurado se retira a deliberar. Doce personas con la labor de tomar una decisión por unanimidad: pena de muerte o libertad. La cosa parece estar clara para un grupo de ellos; el resto se deja arrastrar por la mayoría. Once votos a favor y es el turno del “número 8”. Este cree que hay tiempo para mandar a esta persona a la silla eléctrica y como no tiene claro que sea culpable decide dar un voto de inocencia. Simplemente para dialogar sobre el tema. Tachado de transgresor por el resto de componentes del jurado, no queda más remedio que escuchar su discurso. Un discurso obvio y de escaso contenido. Sin embargo, parece que no todo esta tan claro. Alguno de los que votaron culpable cambian de opinión. El debate se va intensificando y las claras pruebas incriminatorias, se tornan difusas por momentos. La personalidad de cada componente del jurado, había influido en las decisiones. La realidad es que hay demasiadas razones para dudar de la culpabilidad del reo. Los argumentos de los más inconformistas, logran cambiar los votos poco a poco. Los más radicales se niegan a dar su brazo a torcer; todo apunta a que no habrá unanimidad y el juicio saldrá nulo ¿se pondrá estos 12 hombres de acuerdo ante un hecho tan grave como es la pena capital?

Oso de oro en 1957 y consagración cinematográfica de Sidney Lumet. Estamos ante una de las mejores películas de la historia. Mucho se ha escrito sobre este film tan simple en su desarrollo como complejo en las conclusiones que se sacan de él. La historia transcurre en un caluroso salón en la que 12 hombres debaten si mandar a un hombre a la muerte o no. A priori podría pensarse que es complicado que ante tal planteamiento se consiga una tensión reseñable; pues contra todo pronóstico, la historia adquiere un suspense sublime, digno de las mejores películas de los maestros. Como transfondo, la personalidad claramente definida del cada uno de los componentes del jurado; una personalidad que se deja arrastrar por la mayoría; que condiciona la objetividad de las opiniones. Demasiado cercana al mundo real, dónde la minoría es castigada con el sambenito de la subversión. Los personajes, anónimos y mundanos (cada uno es nombrado con un número), encarnan diferentes aspectos de la condición humana: el miedo, la desilusión, el desengaño, el rencor, la sabiduría, la impotencia, el valor… Cada uno de los espectadores podrá buscar su “gemelo” en este grupo de individuos que quieren “matar” a un hombre. Empezaremos queriendo a unos y terminaremos odiándolos a todos. Imprescindible.

Nota:9,8

Para Recordar: El brillante ejercicio de cine en un simple salón.
Para Olvidar: Por decir algo, el excesivo protagonismo de Henry Fonda.



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