Science des rêves, La (La ciencia del sueño)

Producción francesa dirigida en el año 2006 por Michel Gondry, realizador de múltiples videoclips y autor de la premiada ¡Olvidate de mi! Stephane es un chaval que vuelve de México a Francia convencido por su madre que le promete un trabajo en París. Al creer que es un trabajo creativo como artista que es vuelve a Francia lleno de ilusión pero la realidad será bien distinta ya que es un trabajo en una oficina para maquetar calendarios. Para Stephane el mundo de los sueños es casi tan real como el mundo cotidiano y empieza a agobiarse con la vida que lleva en la ciudad. Lo único que lo mantiene es el haber conocido a su vecina Stephanie y a su amiga Zoe, que al principio lo confunden con un empleado de mudanzas y él no les saca del error debido a su timidez. La relación entre Stephane y Stephanie se irá profundizando pero no culminará.

Gondry ante la ausencia de su guionista Charlie Kauffman construye un relato de imaginación y sueños donde Gael García Bernal hace lo que puede para levantar una historia inconexa, infantil y muy de estética de video clip que es lo que en realidad Gondry es un maestro. La representación de Gael como la de Charlotte Gainsbourg es correcta y mantienen durante toda la película una relación creíble y en hasta momentos bonita pero llega el genio de Gondry y empieza a meter animaciones, artilugios imposibles (menuda chorrada la máquina del tiempo que se retrasa un segundo o el papel celofán presente en varios pasajes) y sueños donde todo es muy rápido e impactante viendo lo bueno que es el director en maquetar cosas pero que no aportan nada. Para mí un intento fallido donde una gran idea apoyada en un buen guión podría haber dado una gran obra cinematográfica que se ha quedado en una película donde adolescentes se quedan embelesadas viendo lo guapo que es Gael y suspirando en la utopía del amor que nada tiene que ver con la realidad.



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Летят журавли (Cuando pasan las cigueñas)

Producción soviética del año 1957 dirigida por Mikhail Kalatozov ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes en el año 58, es considerada como una pieza maestra dentro del cine soviético. Veronika y Boris son dos jóvenes moscovitas que están enamorados y planean su vida en común, pero sucede que estalla la II Guerra Mundial y Boris como buen ruso se alista en el ejército para ayudar a su país dejando a Veronika en Moscú. Mientras Boris cumple con sus ideales comunistas Veronika lo espera pacientemente y colabora en tareas de ayuda al ejército, hasta que un día un amigo de Boris le declara su amor, Veronika se casa con él pero al descubrir una carta que Boris le había dejado vuelve el amor de Veronika por el muchacho, al terminar la contienda bélica los soldados regresan a sus casas y de nuevo puedes observar bajo el cielo de Moscú que pasan las cigueñas.

La ciguenña es un símbolo de paz y por eso Mikhail lo utiliza para esta preciosa metáfora de los dos amantes rusos. Tal y como se concibe el cine de la época comunista por encima del individuo estaba el colectivo y ambos protagonistas entienden su separación en post de un futuro mejor. La cámara del director se mueve de forma extraña y tiene unos encuadres nunca vistos en el cine occidental, con eso, con la bonita historia que nos cuenta y con la belleza de la protagonista tenemos un bonito relato que cautivó a Cannes. Se puede destacar también la dureza y crudeza de las escenas bélicas filmadas, nada edulcoradas como estamos acostumbrados en Occidente, mucho podrían aprender Oliver Stone, Coppola o Scorsese para la filmación de escenas en pleno combate con unos medios del año 57 y en blanco y negro. Una joya del cine díficil de encontrar pero que merece la pena la búsqueda y el visionado de ella.



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20 años no es nada

Producción española dirigida en el año 2004 por el maestro del documental Joaquín Jordá. A finales de los años setenta en plena transición española una fábrica barcelonesa llamada Numax es abandonada por problemas económicos por los dueños de la empresa, los empleados toman el control de la fábrica para evitar el cierre de esta y se produce una de las primeras experiencias de autogestión de una empresa del sector industrial por los propios trabajadores. Numax encarga en el 79 a Jordá que grabe un documental acerca de la situación y de la utopía que persiguen estas personas. 20 años después Jordá vuelve a entrevistarse con los protagonistas de esta autogestión y vemos que ahora son taxistas, vendedores, dueños de bares o campesinos. Algunos de ellos llevaron su radicalismo hasta tal punto que se dedicaron al robo de entidades bancarias tras el definitivo cierre de la fábrica y recuerda como en una tentativa de robo fallida uno de los empleados de Numax casi se carga al delegado de interior de Cataluña cuando su petición era que se personase el entonces ministro de interior, José Barrionuevo.

En boga están cada aniversario los homenajes y retrospectivas acerca de una época fundamental en nuestro país que fue la Transición Española, pero Jordá no nos iba a ofrecer el retrato amable y políticamente correcto al que estamos acostumbrados. Jordá nos ofrece la visión de las personas, de las que se juegan el tipo todos los días, de los héroes anónimos que a lo mejor ocupan un día los encabezamientos de los informativos por hacer una barbaridad pero que no se sabe la historia que llevan detrás. También muestra el desencanto que fue para gran parte de la clase trabajadora de este país que el izquierdismo predicado por sectores socialistas luego quedara en vano. Una de las mujeres del documental resume muy bien la situación, con la dictadura no tenías derecho a la pataleta, con la democracía sí, pero los cambios necesarios nunca se alcazarán. Todo una patada en la boca a la clase política y desinterés de la gente a alcanzar la justicia social.



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Chasing Amy (Persiguiendo a Amy)

Holden y Banky (Ben Affleck y Jason Lee), grandes amigos y socios dibujantes de cómic, conocen a Alyssa (Joey Lauren Adams), también dibujante, en un congreso. Holden se va enamorando de Amy a pesar de un pequeño defecto: ella es lesbiana. Mientras Banky, homófobo, trata de convencer a su amigo de que no tiene nada que hacer, los tres van entrando en una espiral que les llevará a una situación insostenible, que al final se comienza a desatascar con la siempre sabia prosopopeya del genial Bob el Silencioso.

La película cierra la llamada "Trilogía de Nueva Jersey", junto con Clerks y Mallrats, y es la única de ellas que no aborda el tema de las relaciones personales en clave de comedia. Clerks y Chasing Amy quizá formen las dos películas mejor construidas de Kevin Smith, escritor y director de ambas. Si a la primera hay que reconocer la calidad de la historia con el bajo presupuesto, en esta se observa una gran calidad en la definición de los personajes y diálogos, comenzando por la enorme interpretación de Lee como secundario de lujo, y acabando por una muy buena actuación de Affleck en el papel protagonista, por la que sus muchos detractores poco tendrían que criticar en esta ocasión. Por último, reseñar que a pesar de ser un drama, no deja de tener pinceladas cómicas geniales al enlazar la historia con las otras dos partes de la trilogía, algún que otro comentario de humor ácido de Banky, y la siempre refrescante presencia de dos antihéroes como Jay y Bob el Silencioso.

Nota: 8,5

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GrindHouse

Planet Terror.
Estamos en una pequeña ciudad de Estados Unidos. Un extraño comando de mercenarios negocia para comprar una especie de gas mortal. La cosa se tuerce y el gas se esparce por todo el poblado. Los efectos son devastadores. Los que lo inhalan, se convierten de inmediato en terribles zombies sedientos de sangre. Un grupo de valientes será el encargado de erradicar esta horrible plaga.

Death Proof.
Un grupo de chicas amantes de la fiesta, se reunen en el bar de siempre a tomar unas copas. Un curioso tipo con un coche negro, les sigue hasta el local. Al presentarse, comenta que su coche esta fabricado a prueba de muerte; nunca le pasará nada. El hombre resulta ser un psicopata que disfruta asesinando con el coche. La historia de este hombre se narrará despues; será entonces cuando descubriremos el origen de semejante personaje.

Experimento fallido de la antaño original factoría Tarantino-Rodriguez. Despues de las gloriosas Four Rooms o Abierto hasta el Amanecer, el público estaba espectante ante esta nueva obra. Tarantino&Rodriguez, menospreciando a este público, han confundido el ser freak con el gusto por el cine, creando un film inconexo, sin hilo argumental y con un guión más que pobre. Solo podemos destacar, los largos dialogos a veces brillantes de la parte de Tarantino (Death Proof) y los guiños a las salas de cine de los años 60, con trailers de peliculas casposas (Machete), rollos que se quemaban, etc.

Nota: 5,8



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Я - Куба (Soy Cuba)

Producción soviética del año 1964 dirigida por Mikhail Kalatozov en el periodo de esplendor del cine de la URSS. A través de cuatro relatos en la isla caribeña el director nos refuerza en el ideario cubano de vencer el capitalismo a través de la revolución comunista. Al principio se nos muestra una Cuba desolada gobernada por el dictador Batista, en la primera historia se nos cuenta como una muchacha cubana se ve obligada a ejercer la prostitución con los turistas para sobrevivir y el pobre frutero se queda sin el amor de ella, en la segunda, un campesino es expropiado de sus tierras por un terrateniente y prefiere morir quemando la tierra que la tenga el nuevo dueño. La tercera historia se desarrolla en La Habana y como jóvenes estudiantes de la universidad se juegan el pellejo por la Revolución. Finalmente volvemos al mundo rural en Sierra Madre donde Castro se esconde con sus hombres, un campesino de la zona predica la no violencia pero ve que que tiene que empuñar un fusil para proteger a su familia y su pequeña extensión. Al final la Revolución triunfará.

'Soy Cuba' es de las películas más políticas y raras que he visionado en mi existencia, no hay nada parecido al cine occidental en esta película, el manejo de la cámara de este hombre es sencillamente lo más raro que me he encontrado en el cine, su visión no tiene fronteras y si tiene una escena en una azotea de un hotel en la Habana no duda en meter el objetivo donde haga falta, los elementos no son fronteras y si hay una piscina pues también explora dentro del agua. Por lo demás el film no deja de ser un panfleto post comunista que es muy actual y que convendría que más de un dirigente del partido comunista cubano lo visionará ahora para saber la esencia y la raíz de la revolución que se pretendía instalar en esta isla, muy alejada a lo que es ahora la realidad cubana. 'Ya Kuba' es una de esas joyas del cine que solo tiene sentido en el momento histórico que se filmó pero que perdura a través de los años como algo que siempre será muy vigente.



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La strada

Este clásico nos cuenta la historia de Gelsomina, una joven vendida por su madre a Zampanò, un gitano forzudo que va de pueblo en pueblo con su espectáculo. Zampanò enseña a Gelsomina a ser su ayudante, tratándola como si fuese su esclava. Sin embargo, la bondad e inocencia de Gelsomina, necesitada de cariño, verá un mundo abierto tras conocer a Il Matto, un funambulista que conocen en un circo. Zampanò, rudo, egoísta y maleducado, se da cuenta demasiado tarde del cambio que la joven produjo en él.

Federico Fellini rodó este lacrimógeno drama en 1954, basándose en un mujeriego castrador de cerdos que conoció en su juventud para crear el personaje de Zampanò. La historia fue escrita en conjunción con Tulio Pinelli, quien, tras realizar un viaje Roma-Turín, sin existir aún las autovías, se cruzó con diversos trotamundos, y decidió contar la dura vida circense de aquellos que se la ganaban en la carretera. Ambos mezclaron sus ideas y surgió esta obra maestra del cine italiano.

Nota: 8

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G.O.R.A.

Comedia turca del año 2004, en la que se nos cuenta cómo Arif, un vendedor de alfombras, y que trata de sacarse un sobresueldo vendiendo falsificaciones de fotos de ovnis, es abducido por unos alienígenas, que quieren impedir ser descubiertos. Mientras se encuentra prisionero en la nave de los alienígenas, alguien cree que es el elegido para salvar su civilización, comenzando así una aventura que nos provocará risas fáciles.

Sorprendente producción de un cine que nos tiene acostumbrados a películas más dramáticas o sebre temáticas más sociales. Con constantes guiños a películas como Matrix, El quinto elemento, o La guerra de las galaxias, pocos esperan que el cine anatolio pueda dar a luz una película del estilo de La loca historia de las galaxias o Scary Movie, con unos efectos especiales más que remarcables. Merece la pena incluirla en nuestro blog por ser una gota de aire fresco para un país, Turquía, poco habituado a producciones nacionales del estilo.

Nota: 7'5

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Soñadores

Producción anglo-italo-francesa del año 2003, dirigida por Bernardo Bertolucci, nos presenta la extraña relación de amor / amistad de un joven estadounidense estudiante en París, Matthew, con una pareja de gemelos franceses, Isabelle y Theo. Los tres se conocen gracias a su cinefilia, y la película muestra cómo la inocencia de Matthew se transforma con el extraño liberalismo de los hermanos. Sin embargo, según avanza la película, podemos ver que los hermanos son más inocentes si cabe que Matthew, mostrándonos a éste en ocasiones como una especie de tutor de ambos.

Con el trasfondo de la revolución de mayo del 68, Bertolucci nos va mostrando discusiones y juegos de cine, incluyendo flashes de escenas de películas antiguas, a menudo recreadas por los propios personajes. La película nos compara el estereotipo de conservadurismo americano con el típico liberalismo europeo. Sin embargo, esta idea queda oculta al hacer demasiado compleja la relación amorosa del trío. Asímismo, Bertolucci nos da una lección de cómo manejar una cámara, regalándonos encuadres inverosímiles dignos de ser aprendidos en una escuela de cine.

Nota: 6

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Direktøren for det hele (El jefe de todo esto)

Película danesa bajo el sello de cine Dogma, escrita y dirigida por Lars von Trier, que aborda un género poco habitual en este tipo de películas: la comedia. El director nos muestra cómo el responsable de una empresa, Ravn, falto de valor para asumir decisiones impopulares, se inventa un director ficticio al que ningún empleado conoce, y al que poder responsabilizar de todas estas decisiones. Cuando Ravn se dispone a vender la empresa, se encuentra con que el comprador desea negociar con el director, lo que le obliga a contratar a un mediocre actor teatral muy metódico que interprete dicho papel improvisando. Por error, el "director" se presenta a la plantilla, provocando así que tenga que relacionarse con los empleados.

Magnífica construcción de los personajes y de la trama argumental. Sin embargo, lo mejor de la película es ver cómo el personaje del director se va formando poco a poco desde la nada, al principio creado por el personaje de Ravn, más tarde creciendo con las opiniones del propio actor, Kristoffer, según avanza la película. Esto hace que se vayan creando situaciones más hilarantes y hace que la película roce el género de comedia de enredo. Sin embargo, al final la película se pierde al fagocitar el personaje del director el argumento, provocando un desenlace un tanto forzado y poco pulido.

Nota: 7

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Gargandi snilld (Screaming Masterpiece)

Producción islandesa del año 2005 dirigida por Ari Alexander Ergis Magnússon. A través de un recorrido por la isla volcánica mas meriodinal de Europa el escritor hace un repaso por toda la música de su país natal. Los datos son escalofriantes en la cultura islandesa respecto a su música, en una población de apenas 300000 habitantes existen 90 escuelas de música, 400 orquestas y 6000 personas que pertenecen a algún coro, podríamos decir que en Islandia la cultura musical es muy arraigada. Además este es un ejemplo único en todo el mundo porque es una mezcla entre la cultura europea y americana, existen diversos estilos musicales que se entremezclan en la población, desde rap, pasando por metal, música tradicional islandesa, electrónica y el pop.

Magnussón graba a los grupos más importantes del país en la propia Islandia o en países donde también triunfan, ante nuestros ojos tenemos a Múm, Sigur Ros tocando en Nueva York junto a Bjork, Minus, Quarashi tocando en Tokio y el grupo Nilfisk procedente de un pueblo de 426 habitantes siendo los teloneros nada menos que de los Foo Figthers. También el director hace referencia al documental que en los años 80 filmó Friðrik Þór Friðriksson que se llama 'Rokk í Reykjavík' donde aparecen los grupos punk que surgieron en Islandia y germen de Bjork como su primer grupo Tappi Tikarass o el grupo Purkur Pilnikk, un momento memorable también del film es cuando Magnussón graba el 'Odin's Raven Magic' donde una gran orquesta junto a un xilófono hecho de piedra islandesa interpretan esta bella pieza. Documental recomendado para amantes de la buena música donde es una pena que no se encuentren subtítulos (ni siquiera en inglés) que lo hubiese hecho más entendible.



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Zodiac

San Francisco, años 60. Una pareja es brutalmente atacada por un violento asesino. La chica muere; el hombre se salva milagrosamente. Meses despues un crimen similar es perpetrado en un bosque cercano. El modo de actuación es similar en ambos casos. Una carta anónima es enviada a los periodicos; un hombre que se hace llamar Zodiac adjunta un jeroglífico donde comenta cual será su próximo golpe. Cunde el pánico en la sociedad Yankie, mientras el morbo despertado por la noticia crece exponencialmente. Una nueva muerte, es atribuida a Zodiac. Otras cartas encriptadas y más publicidad para el supuesto asesino. Si bien los crimenes no forman parte de un profesional, la casualidad se alia para que el rastro sea demasiado débil como para dar con el culpable; añadiendo más dificultad, el hombre que sobrevivió al primer asalto, desaparece temeroso de las represalias que el asesino pueda tomar contra él. La leyenda de Zodiac es alimentada por la muchedumbre; se le 'corona' como el paradigma del asesino en serie. Mucho otros le imitan y separar las acciones del verdadero asesino se convierte en algo imposible. Pasan los años y se deja de hablar del tema; Zodiac sigue en la calle, pero ya no es portada de ningún medio. Sin embargo hay un periodista que necesita saber la verdad; quiere que la justicia cumpla su cometido. Tras una laboriosa investigación, llega a una conclusión con el peso necesario para encerrar a un sospechoso. De nuevo la fortuna y el sistema judicial americano, son el úncio impedimento. Solo quedará esperar a que algún cabo quede suelto y se pueda atrapar a este singular criminal.

De nuevo el genial David Fincher se atreve con el género del thriller policiaco. Tras la magistral Seven, este reciente film se esperaba con especial interés. Y no decepcionó. Por lo menos para la crítica que lo acogió, en general, con comentarios positivos. Esta vez el impacto visual y los iconos que mostraba Seven, dan paso a las imagenes cotidianas de esta historia basada en hechos reales. Más que centrarse en Zodiac como "rey de los asesinos en serie", se le muestra como parte de la histeria colectiva que se desata en EEUU ante atrocidades como las cometidas en San Francisco. El asesino no es nadie especial; es una persona enferma que gracias a los medios de comunicación, logra una popularidad de dimensiones desproporcionadas. Más cerca de la australiana Chopper o la "OliverStoniana", Asesinos Natos, esta historia se aleja de del superrealismo enfermizo de 'El club de la lucha' para contarnos un drama real que desgraciadamente es muy común en el país del dolar. En definitiva, buena apuesta del director que deja reflexivo al espectador, a la vez que decepcionado por ver que el mundo no funciona bien.

Nota: 8


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Sommaren med Monika (Un verano con Monica)

Producción sueca dirigida en el año 52 por el maestro Ingmar Bergman, obra donde el sueco aplica el neorrealismo italiano en su obra. Monika es una alegre muchacha de 19 años que trabaja vendiendo verdura en el mercado, en una cafetería conoce a Harry, un joven empleado en un taller que también mal vive de su empleo. Ambos van al cine y se enamoran. Las ansias de libertad de Monika hace que Harry le invite a pasar la noche en la barca que su padre tiene tras marcharse Monika de su casa. Al día siguiente Harry es despedido de su empleo y ambos deciden irse con la barca a terrenos no habitados y disfrutar de su amor, tienen todo un verano por delante juntos y sin las ataduras de la ciudad, pronto el verano se convertirá en un infierno, la comida empieza a escasear y no les queda otra que robar para subsistir, todo se agrava cuando Monika se da cuenta de que está embarazada.

Todo obra de Bergman tiene un toque mágico y en esta también aparece a pesar de ser su película más alejada de su estilo, al comienzo de la película Bergman filma los patios de vecinos, los niños jugando, cosas nada usuales en él. Filma con una luz tenue de la grisácea ciudad, luego pasa al campo donde Monika está esplendorosa y hace un homenaje al cuerpo femenino, son escenas luminosas, llenas de vida para finalmente volver a la ciudad y volver a la oscuridad. Un film muy intrigante, con una estupenda fotografía y que nos enseña la versión de dos tipos de personas que nos encontraremos por donde vayamos, las personas idealistas que son frías y egoístas y las personas realistas, que son perdedoras y sacrificadas. Una metáfora del maestro que hace ver como los hombres podemos perder la cabeza detrás de las mujeres.



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Mifune

Producción danesa del año 99 dirigida por Soren Kragh-Jacobsen, Oso del Plata del festival de Berlín y mención especial del jurado, el film tiene la homologación de Dogma al cumplir los prefectos que ese movimiento dicta. Kresten es un joven de Copenhague que tiene varios negocios en la ciudad, se casa con una aristócrata de allí y su vida funciona bastante bien. Hasta que el día después de su boda recibe una llamada informándole de la muerte de su padre. En Copenhague nadie sabe nada acerca de la vida familiar de Kresten en el campo. Al morir su padre nuestro protagonista se tiene que desplazar al campo para encargarse del funeral y de su hermano, un deficiente mental. Kresten se desplaza solo porque no quiere involucrar a su nueva esposa en su vida anterior y porque se averguenza de su pasado, el cúmulo de mentiras es tan grande que Kresten será descubierto y entonces tendrá que decidir que hacer de nuevo con su vida.

Más que una película 'Mifune' es como una obra de teatro avanzada, al cumplir las normas Dogma pues se queda sin efectos y el trabajo viene por la gran labor de los actores y la dirección. Soren Kragh-Jacobsen refleja la hipocresía cosmopolita acerca del mundo rural y de como un ciudadano como Kresten es incomprendido acerca de un pasado que el mismo trata de tapar pero que no puede ya que sus raíces son de allí. Hay muchos detalles en la película que me encantaron, por ejemplo la violencia que ejerce un vecino sobre otro en el ámbito de un pueblo, el machismo, la incomprensión tanto por parte los urbanitas como de los provincianos, todo es como una gran patada en nuestro trasero de como nadie debe de dar lecciones a los otros mientras no reconozca sus propios errores. 'Mifune' es una metáfora al gran actor japonés Toshiro Mifune, actor fetiche del gran Akira Kurosawa. Es una película que por desgracia no tendrá muchos espectadores y que alguna vez la veremos programada por La 2 a las 3:30 de la madrugada o un dia entre semana a las 22:30 y pondremos cualquier serie de médicos bordes o investigadores seductores.



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Desmembrados

Un grupo de trabajadores de una empresa armamentística, se embarca en una excursión que tiene como finalidad la unión del equipo. El lugar elegido es una cabaña perdida en un bosque del este de Europa. Un lugar siniestro en el que las leyendas criminales están mas de moda que nunca. Sin embargo nada hay que temer. La casa elegida es tétrica, pero los cuentos son solo eso, cuentos. Cada suceso tiene una explicación. Solo un niño crería en brutales asesinatos cometidos por exmilitares desenfrenados. Todo está tranquilo; todo es aplacible... aunque a veces las historias de terror se mezclan con la realidad. Y bien es sabido que la realidad supera la ficción; una realidad que los protagonistas de este viaje jamás fueron capaces de imaginar...

Aqui tenemos lo que en principio podría parecer una pelicula mas de serie B actual. Algo así como otro bodrio sin argumento en el que la sangre se mezcla con las estupideces al mas puro estilo de Peter Jackson. Pero cual fue mi sorpresa cuando nada de lo que iba sucediendo se podía preveer. Al contrario. Una serie de encadenados sucesos van sumergiendo al espectador una historia que parece más renovada que nunca. Con imaginacion y grandes dosis de humor negro, la trama gana en intensidad conforme nos acercamos al desenlace. Incluso en este aspecto, el director vulve a innovar al realizar un flashback casi imposible con el comienzo del film. Definitivamente, un gran desubrimiento dentro del mundo del cine de accion/terror/humor independiente.

Nota: 8,3


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The Ice Storm (La tormenta de Hielo)

Producción americana dirigia en el año 1997 por el taiwanes Ang Lee, premio al mejor guión en el festival de Cannes ese mismo año. La familia Hood vive en Connecticut, es una familia acomodada y conservadora en el año 73 pero una nueva ola está llegando procedente de Nueva York que hace caer las convenciones conservadoras. La apacible comunidad de vecinos del barrio son familias monoparentales que se dedican a hacer fiestas para jugar al intercambio de parejas y los hijos de los matrimonios empiezan a explorar su sexualidad entre ellos. Ben Hood quiere acostarse con su atractiva vecina Janey Carver y lo que empieza siendo un juego desembocará en varios sucesos la noche de acción de gracias que hace que los Hood se enfrenten a la realidad que tienen encima.

Me daba una gran curiosidad visionar esta producción porque como puede ser que un director procedente de Taiwan clave un retrato tan fiel de unos años de EEUU donde estaban cambiando muchas cosas y refleje ese cambio en la burguesia acomodada. El elenco de la película es sencillamente espectacular, Kevin Kline, Christina Ricci, Tobey Maguire, Sigourney Weaver, Elijah Wood, Joan Allen, etc... El punto fuerte del relato radica basicamente en el guión porque es una historia muy buena y por eso sus grandes premios en esa faceta, además tiene la narración un ritmo adecuado, sin grandes estridencias que ayudan al espectador a asimilar un producto que le hace reflexionar pasado unos días sobre las consecuencias de nuestros actos. Sencillamente cine adulto dramático.



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Das Leben der Anderen (La vida de los otros)

Producción alemana dirigida en el año 2006 por Florian Henckel-Donnersmarck ganadora del Óscar a la mejor película de habla no inglesa ese mismo año. El capitán Gerd Wiesler es una agente de la Stasi de la antigua República Democrática alemana, es un agente muy metódico que en las misiones a las que ha sido asignado ha tenido un éxito total, un maestro del espionaje. En 1984 (curiosa fecha para los seguidores de Orwell) se le ordena la misión de seguir los pasos del escritor Georg Dreyman y de su pareja Christa-Maria Sieland, popular actriz del régimen, ambos son espiados por sus amistades bohemias y por sospechas de disidencia hacia el régimen comunista. Wiesler va haciendo un trabajo excelente de seguimiento pero un día se da cuenta de su gris y anodina vida y se implica en la vida de esta apasionada pareja, ya nada será igual para los protagonistas, se pagará un alto precio para los tres por la libertad de expresión en la RDA.

Al igual que en el relato donde Dreyman escribe al final 'La sonata de los hombres buenos' la película versa sobre esa idea, de como un tipo de la Stasi tiene una vida tan vacía e impersonal que para seguir viviendo necesita de las emociones de otras personas y por ello necesita encubrirlos para poder seguir con su propia existencia y una aventura que no es la suya. La película está muy bien realizada, el actor Ulrich Mühe como el agente Wiesler es sencillamente genial en la inexpresividad de sus ojos, me impresionó el papel del jefe de Wiesler, un cabronazo redomado que no me quede con su nombre. En Alemania están muy orgullosos con esta película y obtuvo muchos premios, hasta el gobierno alemán ha felicitado a su director por la labor en este film que muestra un trozo de la historia muy reciente del país de como es la manera de ser germánica. Un relato imprescindible que es toda una lección de historia y de sentimientos.



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Rock and Roll High School

Producción americana dirigida en el año 79 por Allan Arkush y protagonizada por el grupo newyorkino The Ramones, los impulsores del punk rock del año 77 en América y posterior inspiración del punk inglés encarnado por Sex Pistols y The Clash. Riff Randell y Kate Rambeau son dos amigas que están en el instituto donde Kate es el prototipo de chica buena que se enamora del capitán del equipo de fútbol americano pero Riff es una chica enamorada de Joey Ramone, componente del grupo The Ramones, Riff se subleva contra la nueva administradora del instituto y necesita la colaboración del grupo para que los alumnos del instituto derroquen a la tirana administradora y les deje ir al concierto de su grupo favorito y no convierta el instituto en un sitio gris donde esté prohibido escuchar rock and roll.

En tono de comedia musical tenemos un relato de una de las deliciosas gamberradas de los Ramones, una película con un básico argumento donde estamos todo el rato escuchando piezas de los Ramones y viendo a dos adolescentes cuya una de ellas idolatra el grupo yendo detrás de ellos y teniendo complejo de Peter Pan, por otro lado están los "adultos" que no quieren que la juventud se corrompa con el rock y hacen pruebas con ratones que al poner la música punk explotan. Una comedia cuyo final no desmerece a la filosofía punk del grupo que la protagoniza. Para pasar una hora y media sin preocupaciones y escuchando algo de la música de finales de los 70's.



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Seis grados de separacion

Una familia acomodada (los Kittredge) de la ciudad de Nueva York esta apunto de cerrar un importante negocio. Son tratantes de arte y han invitado a casa a un adinerado empresario del mundo de la joyería. Todo transcurre con normalidad, hasta que un extraño irrumpe en el ático los Kittredge. Dice ser amigo de sus hijos, y que ha sido atracado en plena calle. No sabe adonde ir y la familia le ofrece su hospitalidad. Confian en él solo porque ha dado algunos datos referentes a sus vástagos. El chico dice llamarse Paul y les encandila con sus historias. Cuenta que es hijo de Sidney Poitier; que va a rodar una película. La familia Kittredge, encantada, deja que Paul pase la noche en casa. Sorprendentemente, Paul abandona la casa para ir a por un Gigolo y acostarse con él. Sorprendido por la matriarca (Louisa), escapa corriendo por las escaleras. A pesar de no robar nada, ni hacer daño a nadie, es denunciado a la policia. Pero no solo los Kittredge han sido objeto de la "burla" de Paul; otros mas han caido en la trampa. Todos tienen en común la falta de apego con sus hijos y la confianza en los desconocidos. La historia se irá complicando a medida que se van acercando a la verdadera identidad de Paul. El circulo se cerrará cuando lo que empieza como un juego termina en tragedia.

Sorprendente pelicula del desconocido director australiano Fred Schepisi. En tono comedia-dramática, nos presenta las debilidades en las relaciones de confianza entre personas. De una manera magistralmente ágil, la pareja protagonista, va contando la historia central en diferentes entornos. Ya en el plano puramente dramático, la frialdad de las relaciones humanas, toman el control en forma de hijos despechados que culpan a sus padres de todas las desdichas. De trasfondo, la famosa teoría de los seis grados de separación, por la que todas las personas estariamos relacionadas por un máximo de seis relaciones: buscan a Paul mediante la gente que lo conoce. Como punto final, resaltar la originalidad y el atrevimiento del realizador para abordar el tema de la convivencia humana en una gran metropolí como es Nueva York.

Nota: 8,1


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Dolls

Producción japonesa dirigida en el año 2002 por Takeshi Kitano, ganador de la Palma de Oro en Cannes por su producción 'El verano de Kukijiro'. A través del teatro Bunraku de marionetas japonesas el director nos propone tres historias donde los seres humanos padecemos como esa expresivas marionetas que se construyen en el Japón y donde sus manipuladores van vestidos de negro. En el primer relato Sawako y Matsumoto son una joven pareja donde a Matsumoto su familia le hará tomar una difícil decisión que hará mostrar su amor por Sawako. Luego llegamos a Hiro, un anciano yakuza que hace más de treinta años dejó a su amor comiendo los sábados sola para prosperar en la vida y que vuelve a visitar el parque donde se veían y se encuentran de nuevo. Kitano finaliza con la cantante pop Haruna Yamaguchi que tras un accidente de tráfico que ha dejado su cara llena de vendas se ha retirado de la música y mira al mar, su mayor y más fiel seguidor (Nukui) le mostrará hasta donde llega su fidelidad por ella haciendo enormes sacrificios.

Es la película más compleja que he visto de este director porque muestra una hipersensibilidad que puede hacer que saltes del sofa y pares la película porque o crees que te está tomando el pelo o que no quieres estar casi dos horas "sufriendo" rayadas sentimentales de un japonés poco menos que un surrealista chalado. Pero dentro de todas esas historias lentas hay muchas cosas guardadas que merecen la pena ponerse a visionar y que te hacen pensar durante algún tiempo, el comienzo de la película es espectacular con la gran representación de marionetas buranku y luego quizás Kitano se excede en el tratamiento de la pareja atada a un cordón que va andando durante todo el relato pero es hermoso ver como Matsumoto cuida de Sawako, o como la mujer dejada por el yakuza tiene la misma inocencia de hace 30 años. La historia de la cantante pop me parece algo metido con calzador pero no deja de ser un relato del maestro Kitano que tal como dije anteriormente en otra película, o lo amas o lo odias.



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Europa

El espectador se encuentra en estado de hipnosis. Está en Alemania, recien terminada la segunda guerra munidal. Es un americano que ha dejado su 'gloriosa' patria para trabajar en un país donde el paro es alarmante. La empresa elegida es Zentropa y es la encargada de gestionar el transporte por ferrocarril. El protagonista ocupará un puesto de revisor en primera clase. Un lugar reservado a la más alta categoría germana, aunque esto no es mucho decir; los vagones son viejos y la mitad del mobiliario esta roto. La huella de la guerra. Poco a poco, el protagonista americano (aunque de origen teutón), es testigo de la dureza con que viven en aquel país. Una pequeña resistencia nazi, comete atentados con los que colaboran con los aliados; a su vez, los aliados obligan a renegar de los ideales nacionalsocialistas a la población Civil. Todo es un caos que avanza al ritmo que marca el tren. Muerte y costumbres que desembocaran en un terrible y sucio mar europeo.

Curiosa película del irregular Von Tier. Esta vez nos plantea de forma atrevida y original, una visión oscura del viejo continente. A través de una especie de hipnósis, apareceremos en el centro mismo de la postguerra alemana. Una nación elegida como representante fiel de la cultura europea. Estricta y orgullosa, no duda en obligar a cualquier extranjero a cumplir las normas establecidas. Una tierra triste, con personas luchadoras que se ven sometidas por el poder gobernante. Vetusta y mágnifica, avanza inexorablemente cual tren que tiene que cumplir un horario. Repleta de metáforas, esta película, muy seria y elaborada, crítica con bastante dureza la manara de ser de los europeos; capaces de matarse unos a otros con tal de defender absurdos ideales. La figura del revisor, representa la pasión que puede despertar el continente. Viaja desde lejos, donde la paz está establecida, para buscarse la vida en un territorio desolado. En definitiva, compleja y recomendable obra de Von Trier, para los que gusten de meditar con el cine, con toques superrealistas y guión muy denso.

Nota: 8,2


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Lilja 4-ever

Producción sueca dirigida por Lukas Moodysoon en el año 2002. Lilja es una adolescente de 16 años que vive en algún punto del mapa de lo que fue la antigua Unión Soviética, pronto se irá con su madre a EEUU para huir del empobrecimiento que sufre la zona, pero la sorpresa es que su madre se va sin ella y la deja abandonada. El panorama para Lilja es desolador ya que su tía la echa de casa y solo encuentra consuelo en su pequeño amigo Volodja, un niño que tiene un padre alcohólico y que lo ha echado de casa, los dos esnifan pegamento y cuando a Lilja se le acaban los pocos recursos que le quedan se adentra en el mundo de la prostitución. En una de sus noches de trabajo Lilja conoce en la discoteca al atractivo Andrei, él se porta muy bien con ella y van haciéndose novios poco a poco. Andrei le propone marchar a Suecia para tener una vida mejor.

Duro retrato el que nos propone Moodysson acerca del comercio de niños para el sexo, de hecho la película está dedicada a ellos, cuando crees que a Lilja peor no le puede ir pues resulta que más se adentra en el pozo, el director no da tregua y retrata una historia que perfectamente puede darse en la realidad. A pesar de lo cruento del relato hay momentos para la ternura como cuando en una escena muy bonita Lilja le regala al pequeño Volodja un balón de baloncesto por su cumpleaños para que pueda jugar, los dos fantasean con un mundo mejor donde a ellos les pueda ir bien pero en ciertas zonas de la europa post comunista los niños no juegan y la promesa de un futuro mejor en la europa capitalista es aún peor pesadilla que la que se vive en Rusia. Quiero destacar las interpretaciones de los dos protagonistas de la película, ambos primerizos, Oksana Akinshina como Lilja y Artyom Bogucharsky como Volodja. Moodysson enfoca el relato a modo de elipsis donde el principio de la historia es a su vez el final de la película, todo ello aderezado con un tema de Rammstein para redondear un producto altamente recomendable.



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Caché (Escondido)

Producción austriaca dirigida por Michael Haneke en el año 2005, premio al mejor director en el festival de Cannes ese mismo año. Georges es un feliz padre de familia que tiene una guapa mujer (Anne) y un hijo adolescente (Pierrot), él presenta un programa de televisión acerca de literatura y constituye un arquetipo de la típica familia de centro-europa de clase media-alta que lleva una vida desahogada junto a sus amigos y sus hobbies. Pero todo se tuerce cuando a casa de Georges empiezan a llegar videos donde aparecen que les están grabando sus movimientos, también llegan algunos extraños dibujos que no saben lo que significan. Georges acude a la policía pero ellos no pueden hacer nada ya que no se está cometiendo delito alguno, conforme van llegando videos la información acerca de la vida de Georges en diferentes etapas de su vida es más precisa y esté tiene una sospecha de quien puede ser quién envia los videos.

Como buen maestro del cine Haneke nos ofrece un misterioso relato que ni siquiera se molesta en resolver, lo importante son otro tipo de cosas, el egoísmo de la infancia de Georges hacia el niño inmigrante que acogieron sus padres, la privacidad que tiene cada individuo a no ser grabado por la calle, el adolescente que se apoya en la crisis que están pasando los padres por la situación que están pasando por los videos y hacer lo que le dé la gana. Todo en Caché es un puzzle de muchas piezas que te deja varios días pensando las diferentes situaciones que te ofrece la película. Por supuesto aparece el inconfundible sello del director donde una violencia psicológica con alguna escena bastante fuerte hace que te remuevas de tu cómodo sillón donde estás visionando el film. Relato muy premiado, se llevo 5 de los grandes premios de la academia del cine europeo y donde las interpretaciones de Daniel Auteuil y Juliette Binoche merecen ser destacadas.



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Al rojo vivo

Un peligroso atracador, Cody Jarrett, perpetra junto a su banda un golpe contra un tren de mercancias. Frío como el hielo, tiene preparado un plan para salir indemne con el dinero robado. Sin embargo, un astuto policía descubre el paradero de Cody, quien se siente acorralado y teme por su suerte; si le culpan del delito comedito en el tren , irá a la silla eléctrica. De nuevo el bandido da muestras de su sagacidad y decide inculparse en un delito menor, que le ofrecería una inmejorable cuartada para escapar de las sospechas que le relacionan con lo ocurrido en el ferrocarril. La idea es genial y Cody acaba con sus huesos en la cárcel por no más de un año; bajo precio si lo comparamos con lo que cuesta una vida. Sin embargo la policia lo tiene señalado; espera que cometa un error y pague todos sus crimenes. Un topo profesional se hará pasar por presidiario, para ganarse la confianza de Cody. Pero el delincuente es muy listo y desconfiado, y no suelta prenda de sus fechorias. El problema lo tiene fuera; es un tipo muy odiado y le estan comiendo el terreno. Primero su mujer y luego su madre. No puede aguantar más y decide fugarse. Es entonces cuando la policia puede actuar. No será nada fácil, pero la persecución terminará en un punto de no retorno...

Excepcional film de cine negro, en el que James Cagney da una lección de como hay que interpretar a un malo de verdad. Para mi, uno de los personajes más perversos que he visto en la gran pantalla. Complejo y enfermo; maquiavélico e innoble. Sin detenerse únicamente en el gran guión que sustenta la historia, el realizador maneja el suspense con un ritmo trepidante que se consigue gracias a una puesta en escena muy adelantada a su tiempo. Brillantes persecuciones, detalles técnicos sobresalientes y una hiladísima trama, hacen que lo contado sea más que creíble. Como transfondo, el profundo drama de un desdichado protagonista (Cody Jarrett) convertido en criminal despiadado. Una dura infancia y una enfermedad mental, hacen que la crueldad de Cody alcance el grado de Psicopatía. El amor por al dinero, la falsedad y el crimen organizado, son el resto de ingredientes que podemos saborear en este magnífico largometraje, rodado en 1949, pero que podría rubricarlo cualquier director actual.

Nota: 9,1



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La leyenda del tiempo

Producción española dirigida en el año 2006 por Isaki Lacuesta, título homenaje al gran disco homónimo de Camarón de la Isla. En San Fernando (Cádiz) vive una familia gitana donde el menor de los hijos (Isra) tiene una prodigiosa voz y desenvoltura para el cante flamenco pero tras la muerte de su padre y tras guardar rigurosamente el luto ya no le apetece cantar debido a la tristeza por la pérdida de un ser tan querido, Isra mientras mantendrá los litigios con su hermano mayor y descubrirá el amor que siente por Saray. En Tochigi Makiko es una enfermera muy devota al flamenco y se desplaza hasta San Fernando para cumplir su sueño de conocer los rincones donde Camarón vivió y quiere ser cantaora flamenca, se topará con la realidad de que el cante flamenco no lo enseña un profesor, que es algo que se lleva dentro y tras conocer también el fallecimiento de su padre tampoco le apetece cantar.

A modo de documental que es la especialidad de Isaki nos cuentan dos historias de sentimientos universales que son la música y la familia. La primera parte (La voz de Isra) nos parece una historia más cercana donde observamos la sensibilidad y el egoísmo de un niño que su única salida de la isla podría ser el cantar flamenco, el sueña con salir al extranjero como a Marbella o Barcelona pero el flamenco requiere de un estado de ánimo que ahora mismo no tiene a pesar de su gran talento. En la segunda parte (La voz de Makiko) se nos muestra una historia de la intención de los adultos de alcanzar nuestros sueños dejando muchas cosas por el camino a las que debemos renunciar. El nexo de unión entre estas dos voces es un pescador japonés que lleva mucho tiempo en San Fernando, un personaje solitario que ya renunció hace mucho a su familia por llevar un estilo de vida al lado del mar. Es una película muy bonita, con una gran banda sonora de cantaores flamencos y que me hace pensar y resistir mi idea de que en el cine español hay verdaderos oasis de calidad.



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No Direction Home

Producción americana dirigida en el año 2005 por Martin Scorsese, es la gran obra del maestro Scorsese rindiendo un homenaje a la voz de una generación del rock, Bob Dylan. En la primera parte Martin combina los comienzos del músico de Duluth (como Robert Zimmerman se convierte en Dylan por el poeta Dylan Thomas) cuando descubre a Woody Guthrie y se traslada a Nueva York para ir tocando en las cafeterías del Greenwich Village con los abucheos que los seguidores del folk de Dylan le compensan cuando esté cambia por una vertiente musical mucho mas pop-rock. En el Village Dylan conoce a todo tipo de gente que le servirá de inspiración, como su amor Joan Baez, el poeta beatnick Allen Ginsberg o el músico Bob Neuwirth. El halo de la fama de Dylan sigue creciendo y se convierte en la voz de los desheredados hasta el festival de folk de Newport donde viene la inflexión y el caracter indomable de este genio del siglo XX. En plena actuación saca a toda su banda y su estilo folk se convierte en poesía rock sonora, los gurús del folk como Pete Seeger quisieron incluso sabotear su ruidosa actuación pero Dylan durante toda la gira desde Newport aguantó estocaimente y nunca se posicionó en algún bando, tras terminar en Europa el continuo abucheo y rumores de prensa sensacionalista no volvió actuar en 8 años y sufrió un accidente de moto que también le cambió para siempre.

Impresionante relato de Scorsese sobre el próximo Premio Príncipe de Asturias de Literatura, el documental que se divide en dos partes dura casi 3 horas y media pero en ningún momento decae el ritmo y te ves envuelto en una espiral a la que crees pertenecer y que habla de la historia de un país y de una gente que simplemente querian ser artistas y representaron una vanguardia que cambió radicalmente el panorama musical. Quiero destacar el hincapié que hace el documental de que Bob Dylan estaba por encima de filiaciones políticas, grupos musicales y tendencias. Para los artistas no existen esos términos, Dylan era triste y feliz a la vez con su máquina de escribir de donde sacó algunas de las más brillantes frases que se han hecho en la historia musical. Scorsese nos regala con esta película uno de los sueños que cualquier seguidor de Bob podría imaginar, por eso como decía Dylan y Washington a Scorsese perfectamente le dejaría estar en mis sueños porque él ya me ha dejado estar en uno de sus sueños que era realizar este film. Todo un despliegue donde amigos ya sabemos que la respuesta está en el viento.



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Lisboa Story

Producción germano-portuguesa dirigida por Win Wenders en el año 94. Phil es un ingeniero de sonido alemán que recibe un misterioso mensaje de su amigo cineasta Fritz que está rodando una película en Lisboa, en el mensaje Fritz le pide ayuda a su amigo Phil y le convoca que vaya hasta allá. Sin dudarlo Phil coge su coche y dirige sus pasos hacia la vieja ciudad europea donde desemboca el Tajo. Una vez allí Phil no encuentra nunca a su amigo Fritz pero descubre todo un mundo de sonidos y sensaciones que son con las que trabajará luego en la película que está supuestamente rodando Fritz y por ello la ausencia de este durante el relato.

Wenders en este caso nos propone otro juego diferente al cine convencional que tanto abunda y a través de los ojos y oídos de Phil nos descubre el maravilloso mundo del barrio de la Alfama de Lisboa y el encantador sonido del fado portugués. De hecho la banda sonora de esta película (como no podía ser de otra manera tratándose de Wenders) está muy trabajada y la compone el grupo Madredeus cuya cantante Teresa Salguerio tiene un papel secundario en el film haciendo de ella misma. No esperen de Lisboa Story piruetas argumentales o historias enrevesadas, simplemente se nos muestran sensaciones visuales y sonoras que de eso al fin y al cabo se trata el cine. Sin duda recomiendo este relato para enamorados de la ciudad de Pessoa.



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