In this world (En este mundo)

Producción británica del año 2003 dirigida por Michael Winterbottom, ganadora del León de Oro del festival de Berlín. Enayat y Jamal son dos chavales afganos refugiados en el campo de Peshawar, uno de los mayores campos de refugiados que hay por el mundo. Su sueño es llegar a Londres porque allí tienen contactos y en Afganistán sólo lo que les rodea es miseria. En su primera tentativa se quedan antes de llegar a Teherán y son devueltos a su país, en la segunda tentativa su periplo va desde Afganistán, Irán, Turquía, Italia, Francia y finalmente Reino Unido. Durante el trayecto tanto Enayat como Jamal sufrirán el miedo a ser descubiertos y al abuso por parte de las mafias que trafican con personas. Hasta Londres solo llegará Jamal ya que Enayat pasará al otro mundo cuando el barco llega al puerto de Trieste (Italia).

Duro documental de Winterbotton acerca de como un occidental cogiendo un simple avión en unas horas puede estar en cualquier sitio del mundo y como otras personas no pueden circular por ningún sitio y su destino es la tragedia y la miseria. Winterbotton para ello cuenta una historia sin artificios y sin opiniones, sobra todo eso cuando ves a seres humanos hacinados en una camara de un barco o que un chaval afgano se juega la vida debajo de un camión para pasar a Reino Unido. Un film muy bien contado donde no hay buenos o malos, hay injusticias y el mundo occidental tiene una gran deuda en lo que al trato humano se refiere. El único de los protagonistas que llegó a Londres (Jamal) al año siguiente lo expulsarán de Reino Unido porque su permiso de residencia ha sido denegado. De nuevo este chaval se verá obligado si es finalmente repatriado a realizar un viaje que ningún ser humano merece. Este documental además de estar bien rodado tiene una gran capacidad pedagógica que debería ser tenida en cuenta.



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Posutoman burusu (Postman Blues)

Producción japonesa del año 97 dirigida por Hiroyuki Tanaka, mundialmente conocido por Sabu (bueno, más bien conocido por los culturetas). Sawaki es un cartero de la ciudad de Tokio, su vida se resume a ir con la bicicleta todos los días por su distrito repartiendo la correspondencia y volver a su casa a beber cerveza hasta emborracharse. Un día entregando las cartas se cruza en la casa de Noguchi, antiguo compañero suyo del instituto que ahora es un yakuza perseguido por la policia local de Tokio. Una serie de casualidades mediante las cartas que reparte Sawaki acaba en un hospital conociendo a un mercenario y a una chica que le ha impresionado mucho la carta que abrió en su casa, toda la policia de Tokio va detrás de Sawaki al creer que es una especie de psicópata terrorista.

En esta producción de Oriente no vamos a adolecer del principal defecto del cine que se produce allá, ya que, no hay nada de lentitud en el ritmo del relato, perdemos algo de metaforismo o poesía pero el relato está bastante bien equilibrado y Sabu construye una tela de casualidades en forma de historia muy interesante. Una trabajada música, unos retazos de cine fantástico y sobre todo un guión sin flecos hacen que pases casi 2 horas entretenido en una producción que además te hace reflexionar sobre temas tan interesantes como la psicología, el amor, la soledad y admiras lo bonita que es la ciudad de Tokio, otro de los alicientes de esta recomendación para vacaciones de Navidad.



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El dulce porvenir (The Sweet Hereafter)

Producción canadiense dirigida en el año 1997 por Atom Egoyan, nominada al Óscar en las categorías de mejor director y guión adaptado (novela de Russell Banks) el año 98. En un pequeño pueblo de Canadá sucede una terrible tragedia, un autobús escolar se despeña por un camino y fallecen varios de los alumnos, la gente del pueblo queda convulsionada y muy afectada, en escena entra el abogado de las víctimas y remueve todo el pasado de unas personas que en vez de olvidar la emprenden con otro tipo de problemas personales y llegan a una sin razón que les angustiará. Mientras tanto el abogado también tiene otra historia paralela con una hija politoxicómana a la que no puede hacer frente la ayuda que necesita.

Estremecedor relato de Egoyan acerca del porvenir de las personas, como de un suceso de un día cualquiera puede cambiar nuestras vidas para siempre, el director escribe un guión magistral donde vemos varias personalidades enfrentadas de muy distinto signo que es lo que más me atrajo de la película, desde los vecinos políticamente correctos a la pareja hippy viviendo en un paraje lejano, la ayudante del colegio que en un esfuerzo de salud mental quiere olvidar la tragedia, la conductora del autobús de la tragedia que se ha quedado profundamente entristecida y depresiva tras el accidente o el conductor que iba detrás del autobús porque así todos los días iba viendo a sus hijos yendo a la escuela desde la ventanilla de atrás del bus. Una dura historia que está muy bien tratada y que en vez de entristecerte te hace reflexionar sobre el sin sentido que muchas veces vivimos y que no controlamos.



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La silla de Fernando

Producción española del año 2006 dirigida por David Trueba y Luis Alegre donde durante hora y 20 minutos estos dos directores conversan con el actor nacido en Lima, Fernando Fernán Gómez, según David Trueba conversar con Fernán Gómez ha sido uno de los placeres que ha tenido en su vida y quería compartirlo con los espectadores para que no sólo unos pocos pudieran disfrutar de ese placer. Además esta película sirve como homenaje póstumo a este genio de la dirección e interpretación que ha tenido este país, desde nuestro blog también con esta película nos sumamos a este sentido homenaje tras el fallecimiento del actor este año 2007.

Durante la conversación Fernando recuerda sus tiempos de infancia acompañando a su madre en el teatro, los duros tiempos de la Guerra Civil en Madrid y como siendo un adolescente pues para él la guerra era como un cese en sus actividades con las muchachas. Recuerda como en la posguerra lo pasó francamente junto a su mujer María Dolores Pradera para sacar adelante a sus pequeños y como luego pasó a la noche madrileña en Pasapoga, en casa de los Flores y sus continuos trabajos que no eran elecciones sino lo único que sabía hacer. Anécdotas de un gran personaje que reflexiona como por ejemplo el mejor director del mundo para él que era Luis Buñuel no pudo realizar su trabajo en su propio país debido a la idiosincrasia de este territorio que nos ha tocado vivir. Lo cierto es que Trueba tenía razón porque con el gran sentido de la ironía de este hombre, la experiencia de toda una vida y la inteligencia de este monstruo de las pantallas hace que pases una de las mejores horas de tu vida y todo esto aderezado con la música de Enrique Morente, jamás fue tan fácil rodar una película si tienes un genio de la palabra (Fernán Gómez ha sido el único actor que ha pertenecido a la Academia de la Lengua) junto a un genio del flamenco.



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Moebius

Buenos Aires; finales del 90. En la vetusta red de metro bonaerense acaba de ocurrir un hecho inexplicable: un tren completo,ha desaparecido. No esta ni en las cocheras, ni circulando, ni entre los tuneles... Los vagones junto con los ocupantes parecen haberse volatilizado. De menera urgente se convoca a los ingenieros responsables del diseño del entramado férreo. Nadie encuentra una solución coherente a tal misterio. Mas cuando los planos originales han sido extraidos del registro civil. El último que trabajó con ellos, fue un arquitecto, ahora en paradero desconocido. El ingeniero jefe, tras una breve investigación, consigue analizar el diseño real del subterraneo argentino. Un diseño ultra-complejo, hiper-dimensionado, con una estructura geométrica demasiado evolucionada... quizás ahi esté la clave de la desaparición de loa vagones; quizás no han desaparecido sino que aún siguen viajando de una forma que jamás ha imaginado ningún ser humano.

Volviendo a la esencia más destilada de nuestro blog, hoy comentamos una película alternativa dentro de un país donde el cinde, ya de por sí, es alternativo. El argentino Gustavo Mosquera, se atreve a dirigir un largometraje sobre inquietudes y paradojas descritas desde un punto de vista muy personal. Bien es cierto que se trata de una obra inmadura, aunque tremendamente fresca, donde la simplicidad de los dialogos choca con la complejidad de la historia. Más alla de las debilidades obvias de un film de bajo presupuesto, tenemos que resaltar la excelente fotografía que consigue reflejar a la perfección el aspecto más longevo de la capital andia. Una capital en la que la evolución se ha detenido 15 años atrás: una colosal red de metro, con una infraestructura del siglo pasado; profesionales letrados, controlados por políticos ineptos; ciudad cosmopolita regida por un caos urbanístico. En definitiva, una atrevida apuesta, interesante para los amantes del nuevo cine, en la que se pueden sacar conclusiones más profundas y alejadas de la irreverente implementación de la cinta de Moebius.

Nota: 7

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Ruang rak noi nid mahasan (Vidas truncadas)

Producción tailandesa del año 2003 dirigida por Pen-Ek Ratanaruang, una película multipremiada en su país de origen. Kenji es un japonés procedente de Osaka que vive en Bangkok y es un librero obsesionado con la limpieza y que busca constantemente el suicidio en la capital tailandesa, un día al intentar tirarse por un puente una chica se le queda mirando y es atropellada. Kenji establece una amistad con la hemana de la víctima y como huye de su hermano se va a vivir con Noi (hermana de la víctima). Ella es muy desordenada y no para de fumar hierba, dos conceptos de vida totalmente diferentes enfrentados donde la comprensión y el amor que se tienen ambos protagonistas derrotan las barreras de la dura convivencia que tienen los dos. Ambos tienen un viaje solo de ida porque Kenji acabo en Bangkok siendo de Osaka y Noi quiere acabar en Osaka siendo ella de Bangkok.

Bonito relato de cine asiático el que encontramos en este film, con una fotografía a cargo de Christopher Doyle (también presente en las producciones de Wong Kar Wai) y unos retazos de realismo mágico el director mezcla varios géneros cinematográficos como el drama, el thriller o la comedia. En la producción demuestra su admiración con el cine japonés con la aparición final de Miike Takashi haciendo de sicario. Como casi toda película dramática procedente de Oriente adolece de algo que muchos occidentales no pueden tolerar y es su ritmo lento y pausado que hace que ese tipo de cine haya que afrontarlo desde otra perspectiva. Para algunos un tostón intelectualoide, para otros en los que me incluyo una historia de detalles que en su conjunto reflexionando te da lecciones de tu propia vida cotidiana.



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REC

Camara en mano, una pareja de reporteros graban una noche en la vida de los bomberos de Barcelona. Como trabajan, como comen, como duermen... La rutina cotidiana de estos guardianes de la ciudad. De vez en cuando, algún suceso anodino requiere su actuación. Un pequeño incendio, un anciano con problemas, un menor en peligro... Hoy son requeridos en un bloque de pisos donde un mujer mayor esta gritando dentro de su casa. El equipo de la televisión local, podrá grabar en directo el despliegue real de este 'ejercito' civil. Una actuación rápida, una misión más que fácil y otro éxito para los bomberos. Sin embargo algo raro sucede cuando llegan a la comunidad de vecinos. La policía municipal parece preocupada. Unos gemidos infrahumanos salen del habitaculo de la señora. A golpe de ariete, los bomberos tiran la puerta abajo. Todo esta oscuro; nadie responde. Una arapienta sombra se vislumbra en el interior. Poco a poco se acercan en busca de una respuesta. En efecto, la dueña del piso esta de pie inmóvil y mirando a los 'intrusos'. Sin tiempo de reacción salta sobre un policia y le arranca un pedazo de cuello. Todo sucede muy rápido. Hay que poner al hombre a salvo y salir de aquel lugar en busca de refuerzos. Pero eso no es tan fácil. El ejercito ha precintado el bloque. Nadie entiende nada. La angustia se apodera de los vecinos. El miedo y la ira se mezclan lenta y letalmente. Todo apunta hacia un secreto más atroz de lo que nunca imaginamos. Todo apunta hacia un mal destilado eternamente.

Una vez más, este nuevo maestro del cine fantástico nos ofrece una obra provocadora y que no deja indiferente a nadie. Para los seguidores del género, las reminiscencias con la floja 'Proyecto de la Bruja de Blair' serán inevitables; aunque los eruditos, pensarán que esta más cercana al estilo de la inclasificable 'Holocausto Canibal'. Lo que es cierto, es que la depurada realización de la pareja Balagueró / Plaza, ha elevado la calidad de esta técnica a limites de dificil superación. Con un juego de luces impresionante, planos angustiosos y giros argumentales milimétricos, se ha logrado que la película cumpla al 100% con su cometido: el terror. Por si esto fuera poco, los que idolatramos las historias de Balagueró, llenamos el hueco que deja la buena (pero comercial) trama, con el genuino desenlace final made in Jaume. En definitiva un film que se adapta a la perfección al cine contemporáneo y que logra unir la más dificil mezcla que existe en el mundo del séptimo arte: entretenimiento + calidad.

Nota: 8,8


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Exotica

Producción canadiense del año 94 dirigida por Atom Egoyan, premio internacional de la crítica en el Festival de Cannes y Espiga de Oro en Valladolid. Hasta el club Exotica en las afueras de Toronto va un inspector de Hacienda todas las noches para ver como Christina se contonea al son de la canción de Leonard Cohen 'Everybody Knows', luego contrata a la chica para que le acompañe a su mesa, el ex novio de Christina es el disc jockey del local (Eric) que le hace la vida imposible a este inspector y hace que le expulsen del club. Niñeras, vendedores de animales traficando y una variada gama de personajes entretejen una historia donde los recuerdos tendrán mucho que decidir.

'Exotica' es mi primera experiencia con este director canadiense de culto entre los seguidores del cine independiente, en un hermoso relato Egoyan construye un puzzle a la manera de Iñarritu o Medem pero con su propio universo y personalidad donde Mia Kirshner hace un estupendo papel de Lolita sensual y Elias Koteas se sale en el papel de disc jockey del local. Una gran banda sonora y una peculiaridad que espero siga siendo habitual en el cine de Egoyan, sin apenas decir nada hay tantas cosas que ver que el espectador sin el uso de la palabra está recibiendo constantemente información. El cine canadiense puede presumir de dos de los mejores directores del mundo en este momento, Atom Egoyan y David Cronenberg, dos genios en sus mejores momentos.



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El Sueño Eterno

El famoso detective Philip Marlowe, es contratado por un rico magnate, el viejo General Sternwood, para un trabajo de poco pelo. Resulta que una de sus hijas, muy 'alegre' y fiestera, esta siendo sometida a chantaje. Marlowe, haciendo caso a su peculiar intuición 'criminal', aceptará este trabajo. Y lo aceptará, porque el entorno que rodea a la familia Sternwood esta repleto de 'peculiaridades': La hija pequeña es una bebedora empedernida que malgasta la fortuna de su padre jugando en el casino; la hija mayor, misteriosa y fría, tiene encandilado a Marlowe, debido a su fuerte carácter. La oscura desaparición del detective que anteriormente llevaba los asuntos de los Sternwood, añade un punto más de intriga al asunto del chantaje. Poco a poco, el investigador privado, se va dando cuenta que, en efecto, una historia truculenta se está cociendo en el seno de esa estirpe. Un cadaver que desaparece, ladrones de poca monta que extorsionan, una esposa celosa, un amor imposible... todo tipo de situaciones van atrapando a Marlowe, que, sin embargo, no cesará en su empeño de encontrar la verdad en el fondo de un pozo repleto de ambición y soberbia.

Corría el año 1946, cuando el genial Howard Hawks firmaba este clásico del cine negro. En plena lucidez creativa, el director coordina de forma maestra el pesado guión de Faulkner y compañía con las carismáticas personalidades de Bogart y Bacall. El resultado es una obra de cabecera dentro del género, tan cuidada como interesante, que te atrapa desde el primer minuto de su largo metraje. Todo un reto unir a semejante elenco de actores durante los 114 minutos que dura el film. Reto más que superado, dónde el producto final es una película sobría, intrigante, creíble y con unos planos memorables.

Nota: 9,2


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Trust

Producción americana del año 91 dirigida por Hal Hartley. En un barrio americano de clase media se nos presenta a María, una estudiante de instituto que se queda embarazada de uno de los integrantes del equipo de fútbol del instituto, el chico pasa completamente de ella y al anunciar en su casa que se ha quedado embarazada a su padre le da un infarto y muere. Matthew es otro chaval especialista en electrónica sometido a un duro padre y que todos los trabajos en electrónica le duran apenas por desavenencias con sus superiores. Su madre murió al nacer. El destino de estas dos personas se cruza y ambos ven un gran potencial el uno del otro para convertirse en pareja, pero las cosas no serán tan sencillas y la confianza del uno en el otro será fundamental para que esta relación tan complicada salga adelante.

Ingeniosa comedia americana de comienzo de los 90's que nada más estrenarla se convirtió en una de las películas independientes de mayor culto. Hartley destroza el tan manido sueño americano y te dibuja una sonrisa en la boca por la buena caracterización de los personajes. Crítica ácida hacia la televisión y una buena mezcla de cinismo, diálogos brillantes y una buena banda sonora original compone una película que hace que la primera experiencia con este director haya sido satisfactoria y consiga engacharme a ver otros títulos que espero que mantengan la misma calidad que esta producción. Nada de sensiblería y de contenido hueco al que por desgracia tanto estamos acostumbrados.



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Black Snake Moan

Estamos en el sur de Estados Unidos. Un tranquilo pueblo, que solamente se perturba por los influjos desprendidos de la escoria metropolitana. Allí el blues es la ley y las historias de sus habitantes, el mejor entretenimiento. Dos personajes, aparentemente sin nada en común, estan viviendo una vivencia paralela: Lazarus, un exguitarrista católico, es abandonado por su esposa; el amante, nada mas y nada menos que su propio hermano; Rae, por otro lado, es una delicada chica sumida en una depresión a causa de su pareja. Su peor vicio las drogas; es que más adicción le produce, el sexo. El destino quire que Lazarus encuentre a Rae medio muerta en la cuneta de una carretera. Conmovido por la situación decide ayudarle. La chica tiene alucinaciones y delirios, por lo que el bueno de Lazarus no tiene mejor idea que atarla a un radiador. Como si se tratara de una bestia salvaje, Rae lucha por escapar, mientras Lazarus sólo piensa en volver a convertirla en persona. Finalmente, el blues será el intermediario en esta historia que muestra las bajezas a las que puede llegar el ser humano.

Pelicula aclamada por la crítica, realizada en el presente año. Una historia simple y cercana, contada desde el punto de vista de la música y las pasiones mas viscerales. Soberbia Christina Ricci en el papel protagonista, quitándonos una espinita a los que queriamos ver algo mas de desacaro en la recatada Layla de Buffalo 66. Quizás demasiado centrado en la sensualidad de Christina, el director peca de superficialidad en determinados momentos del film. Recomendada a los amantes de las historias minimalistas y a los que (como yo) esten ciegamente encandilados con la dulzura de Ricci.

Nota: 7


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Professione: reporter (El Reportero)

Producción italiana del año 75 dirigida por Michelangelo Antonioni. David Locke es un periodista que trabaja en el extranjero en diferentes conflictos internacionales, ahora se encuentra en el desierto en medio de una guerra dictatorial. Cuando llega a un hotel perdido de la mano de dios se encuentra en la habitación de al lado a un hombre muerto, es Martin Knight. Locke se apropia del pasaporte de Knight y emprende una huida hacia delante, ahora todo el mundo cree que quien ha muerto es el prestigioso periodista internacional en vez de el traficante de armas que es Martin Knight. Locke acude a todas las citas que tenía en la agenda Martin y encuentra a una chica que también quiere huir con el por el continente europeo, sobre todo por España.

Extraña producción del maestro italiano donde todo está rodeado de un halo de misterio. La interpretación de Jack Nicholson y Maria Schneider son muy buenas y el silencio es uno de los elementos mas interesantes de la película, creyéndote que te vas a encontrar la típica road movie de aventuras tienes una reflexión sobre lo que todos queremos huir de esta vida pero que siempre nos persigue y nunca nos deshacemos de nuestro pasado. Genial el último plano de la película (muy de gafapastero) donde Nicholson descansa sobre una cama y Antonioni mueve la cámara hacia la ventana que da a la calle del pueblo sevillano de Osuna y nos muestra lo que nos rodea, una bella metáfora. Como curiosidad friki os podeís encontrar en el film a un joven Joan Gaspart interpretando un pequeño papel como recepcionista de un hotel en Barcelona. Como todo lo que hace Antonioni una buena película, un gran maestro no puede decepcionar.



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Perdicion

Todo empieza cuando un siniestro agente de seguros se encierra en su despacho para narrar una historia que le ocurrio recientemente cuando fue a cobrar la poliza de un coche. Fue en Los Ángeles y el titular no estaba. Su bella mujer lo recibió y este quedo prendado de su hermosura. Poco a poco la relación entre ambos va estrechandose, hasta tal punto que deciden terminar con la vida del marido. Aprovechando la profesión del protagonista, contratan un seguro de vida que les hará millonarios. Sin embargo no cuentan con el infalible olfato (estómago) del jefe de seguros, que sorprenderá a todos con una investigación digna del mejor detective privado.

Cuando hace algun tiempo escuche por primera vez el nombre de Billy Wilder, no me impacto lo más mínimo. Es decir, había reido como el que más con una legendaria comedia llamada 'Con Faldas y a lo Loco', pero no comprendía como un director de 'comedias' podía ser alguien tan renombrado. Posteriormente, descubría que muchas de mis peliculas de cabecera eran obra suya. Dramáticas, Humorísticas, de Amor... Todas diferentes y todas impecables. En este caso, le toca al cine negro y al suspense. Cuando ves esta cinta por primera vez piensas "esto es cosa de Hitchcock". Pero no. Este genio del cine, nos relata una historia tan humana como misteriosa. Donde los personajes tienen sentimientos encontrados y la astucia domina al amor y al odio. En definitiva, indispensable para cualquier cinéfilo.

Nota: 9


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Science des rêves, La (La ciencia del sueño)

Producción francesa dirigida en el año 2006 por Michel Gondry, realizador de múltiples videoclips y autor de la premiada ¡Olvidate de mi! Stephane es un chaval que vuelve de México a Francia convencido por su madre que le promete un trabajo en París. Al creer que es un trabajo creativo como artista que es vuelve a Francia lleno de ilusión pero la realidad será bien distinta ya que es un trabajo en una oficina para maquetar calendarios. Para Stephane el mundo de los sueños es casi tan real como el mundo cotidiano y empieza a agobiarse con la vida que lleva en la ciudad. Lo único que lo mantiene es el haber conocido a su vecina Stephanie y a su amiga Zoe, que al principio lo confunden con un empleado de mudanzas y él no les saca del error debido a su timidez. La relación entre Stephane y Stephanie se irá profundizando pero no culminará.

Gondry ante la ausencia de su guionista Charlie Kauffman construye un relato de imaginación y sueños donde Gael García Bernal hace lo que puede para levantar una historia inconexa, infantil y muy de estética de video clip que es lo que en realidad Gondry es un maestro. La representación de Gael como la de Charlotte Gainsbourg es correcta y mantienen durante toda la película una relación creíble y en hasta momentos bonita pero llega el genio de Gondry y empieza a meter animaciones, artilugios imposibles (menuda chorrada la máquina del tiempo que se retrasa un segundo o el papel celofán presente en varios pasajes) y sueños donde todo es muy rápido e impactante viendo lo bueno que es el director en maquetar cosas pero que no aportan nada. Para mí un intento fallido donde una gran idea apoyada en un buen guión podría haber dado una gran obra cinematográfica que se ha quedado en una película donde adolescentes se quedan embelesadas viendo lo guapo que es Gael y suspirando en la utopía del amor que nada tiene que ver con la realidad.



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Летят журавли (Cuando pasan las cigueñas)

Producción soviética del año 1957 dirigida por Mikhail Kalatozov ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes en el año 58, es considerada como una pieza maestra dentro del cine soviético. Veronika y Boris son dos jóvenes moscovitas que están enamorados y planean su vida en común, pero sucede que estalla la II Guerra Mundial y Boris como buen ruso se alista en el ejército para ayudar a su país dejando a Veronika en Moscú. Mientras Boris cumple con sus ideales comunistas Veronika lo espera pacientemente y colabora en tareas de ayuda al ejército, hasta que un día un amigo de Boris le declara su amor, Veronika se casa con él pero al descubrir una carta que Boris le había dejado vuelve el amor de Veronika por el muchacho, al terminar la contienda bélica los soldados regresan a sus casas y de nuevo puedes observar bajo el cielo de Moscú que pasan las cigueñas.

La ciguenña es un símbolo de paz y por eso Mikhail lo utiliza para esta preciosa metáfora de los dos amantes rusos. Tal y como se concibe el cine de la época comunista por encima del individuo estaba el colectivo y ambos protagonistas entienden su separación en post de un futuro mejor. La cámara del director se mueve de forma extraña y tiene unos encuadres nunca vistos en el cine occidental, con eso, con la bonita historia que nos cuenta y con la belleza de la protagonista tenemos un bonito relato que cautivó a Cannes. Se puede destacar también la dureza y crudeza de las escenas bélicas filmadas, nada edulcoradas como estamos acostumbrados en Occidente, mucho podrían aprender Oliver Stone, Coppola o Scorsese para la filmación de escenas en pleno combate con unos medios del año 57 y en blanco y negro. Una joya del cine díficil de encontrar pero que merece la pena la búsqueda y el visionado de ella.



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20 años no es nada

Producción española dirigida en el año 2004 por el maestro del documental Joaquín Jordá. A finales de los años setenta en plena transición española una fábrica barcelonesa llamada Numax es abandonada por problemas económicos por los dueños de la empresa, los empleados toman el control de la fábrica para evitar el cierre de esta y se produce una de las primeras experiencias de autogestión de una empresa del sector industrial por los propios trabajadores. Numax encarga en el 79 a Jordá que grabe un documental acerca de la situación y de la utopía que persiguen estas personas. 20 años después Jordá vuelve a entrevistarse con los protagonistas de esta autogestión y vemos que ahora son taxistas, vendedores, dueños de bares o campesinos. Algunos de ellos llevaron su radicalismo hasta tal punto que se dedicaron al robo de entidades bancarias tras el definitivo cierre de la fábrica y recuerda como en una tentativa de robo fallida uno de los empleados de Numax casi se carga al delegado de interior de Cataluña cuando su petición era que se personase el entonces ministro de interior, José Barrionuevo.

En boga están cada aniversario los homenajes y retrospectivas acerca de una época fundamental en nuestro país que fue la Transición Española, pero Jordá no nos iba a ofrecer el retrato amable y políticamente correcto al que estamos acostumbrados. Jordá nos ofrece la visión de las personas, de las que se juegan el tipo todos los días, de los héroes anónimos que a lo mejor ocupan un día los encabezamientos de los informativos por hacer una barbaridad pero que no se sabe la historia que llevan detrás. También muestra el desencanto que fue para gran parte de la clase trabajadora de este país que el izquierdismo predicado por sectores socialistas luego quedara en vano. Una de las mujeres del documental resume muy bien la situación, con la dictadura no tenías derecho a la pataleta, con la democracía sí, pero los cambios necesarios nunca se alcazarán. Todo una patada en la boca a la clase política y desinterés de la gente a alcanzar la justicia social.



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Chasing Amy (Persiguiendo a Amy)

Holden y Banky (Ben Affleck y Jason Lee), grandes amigos y socios dibujantes de cómic, conocen a Alyssa (Joey Lauren Adams), también dibujante, en un congreso. Holden se va enamorando de Amy a pesar de un pequeño defecto: ella es lesbiana. Mientras Banky, homófobo, trata de convencer a su amigo de que no tiene nada que hacer, los tres van entrando en una espiral que les llevará a una situación insostenible, que al final se comienza a desatascar con la siempre sabia prosopopeya del genial Bob el Silencioso.

La película cierra la llamada "Trilogía de Nueva Jersey", junto con Clerks y Mallrats, y es la única de ellas que no aborda el tema de las relaciones personales en clave de comedia. Clerks y Chasing Amy quizá formen las dos películas mejor construidas de Kevin Smith, escritor y director de ambas. Si a la primera hay que reconocer la calidad de la historia con el bajo presupuesto, en esta se observa una gran calidad en la definición de los personajes y diálogos, comenzando por la enorme interpretación de Lee como secundario de lujo, y acabando por una muy buena actuación de Affleck en el papel protagonista, por la que sus muchos detractores poco tendrían que criticar en esta ocasión. Por último, reseñar que a pesar de ser un drama, no deja de tener pinceladas cómicas geniales al enlazar la historia con las otras dos partes de la trilogía, algún que otro comentario de humor ácido de Banky, y la siempre refrescante presencia de dos antihéroes como Jay y Bob el Silencioso.

Nota: 8,5

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GrindHouse

Planet Terror.
Estamos en una pequeña ciudad de Estados Unidos. Un extraño comando de mercenarios negocia para comprar una especie de gas mortal. La cosa se tuerce y el gas se esparce por todo el poblado. Los efectos son devastadores. Los que lo inhalan, se convierten de inmediato en terribles zombies sedientos de sangre. Un grupo de valientes será el encargado de erradicar esta horrible plaga.

Death Proof.
Un grupo de chicas amantes de la fiesta, se reunen en el bar de siempre a tomar unas copas. Un curioso tipo con un coche negro, les sigue hasta el local. Al presentarse, comenta que su coche esta fabricado a prueba de muerte; nunca le pasará nada. El hombre resulta ser un psicopata que disfruta asesinando con el coche. La historia de este hombre se narrará despues; será entonces cuando descubriremos el origen de semejante personaje.

Experimento fallido de la antaño original factoría Tarantino-Rodriguez. Despues de las gloriosas Four Rooms o Abierto hasta el Amanecer, el público estaba espectante ante esta nueva obra. Tarantino&Rodriguez, menospreciando a este público, han confundido el ser freak con el gusto por el cine, creando un film inconexo, sin hilo argumental y con un guión más que pobre. Solo podemos destacar, los largos dialogos a veces brillantes de la parte de Tarantino (Death Proof) y los guiños a las salas de cine de los años 60, con trailers de peliculas casposas (Machete), rollos que se quemaban, etc.

Nota: 5,8



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Я - Куба (Soy Cuba)

Producción soviética del año 1964 dirigida por Mikhail Kalatozov en el periodo de esplendor del cine de la URSS. A través de cuatro relatos en la isla caribeña el director nos refuerza en el ideario cubano de vencer el capitalismo a través de la revolución comunista. Al principio se nos muestra una Cuba desolada gobernada por el dictador Batista, en la primera historia se nos cuenta como una muchacha cubana se ve obligada a ejercer la prostitución con los turistas para sobrevivir y el pobre frutero se queda sin el amor de ella, en la segunda, un campesino es expropiado de sus tierras por un terrateniente y prefiere morir quemando la tierra que la tenga el nuevo dueño. La tercera historia se desarrolla en La Habana y como jóvenes estudiantes de la universidad se juegan el pellejo por la Revolución. Finalmente volvemos al mundo rural en Sierra Madre donde Castro se esconde con sus hombres, un campesino de la zona predica la no violencia pero ve que que tiene que empuñar un fusil para proteger a su familia y su pequeña extensión. Al final la Revolución triunfará.

'Soy Cuba' es de las películas más políticas y raras que he visionado en mi existencia, no hay nada parecido al cine occidental en esta película, el manejo de la cámara de este hombre es sencillamente lo más raro que me he encontrado en el cine, su visión no tiene fronteras y si tiene una escena en una azotea de un hotel en la Habana no duda en meter el objetivo donde haga falta, los elementos no son fronteras y si hay una piscina pues también explora dentro del agua. Por lo demás el film no deja de ser un panfleto post comunista que es muy actual y que convendría que más de un dirigente del partido comunista cubano lo visionará ahora para saber la esencia y la raíz de la revolución que se pretendía instalar en esta isla, muy alejada a lo que es ahora la realidad cubana. 'Ya Kuba' es una de esas joyas del cine que solo tiene sentido en el momento histórico que se filmó pero que perdura a través de los años como algo que siempre será muy vigente.



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La strada

Este clásico nos cuenta la historia de Gelsomina, una joven vendida por su madre a Zampanò, un gitano forzudo que va de pueblo en pueblo con su espectáculo. Zampanò enseña a Gelsomina a ser su ayudante, tratándola como si fuese su esclava. Sin embargo, la bondad e inocencia de Gelsomina, necesitada de cariño, verá un mundo abierto tras conocer a Il Matto, un funambulista que conocen en un circo. Zampanò, rudo, egoísta y maleducado, se da cuenta demasiado tarde del cambio que la joven produjo en él.

Federico Fellini rodó este lacrimógeno drama en 1954, basándose en un mujeriego castrador de cerdos que conoció en su juventud para crear el personaje de Zampanò. La historia fue escrita en conjunción con Tulio Pinelli, quien, tras realizar un viaje Roma-Turín, sin existir aún las autovías, se cruzó con diversos trotamundos, y decidió contar la dura vida circense de aquellos que se la ganaban en la carretera. Ambos mezclaron sus ideas y surgió esta obra maestra del cine italiano.

Nota: 8

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G.O.R.A.

Comedia turca del año 2004, en la que se nos cuenta cómo Arif, un vendedor de alfombras, y que trata de sacarse un sobresueldo vendiendo falsificaciones de fotos de ovnis, es abducido por unos alienígenas, que quieren impedir ser descubiertos. Mientras se encuentra prisionero en la nave de los alienígenas, alguien cree que es el elegido para salvar su civilización, comenzando así una aventura que nos provocará risas fáciles.

Sorprendente producción de un cine que nos tiene acostumbrados a películas más dramáticas o sebre temáticas más sociales. Con constantes guiños a películas como Matrix, El quinto elemento, o La guerra de las galaxias, pocos esperan que el cine anatolio pueda dar a luz una película del estilo de La loca historia de las galaxias o Scary Movie, con unos efectos especiales más que remarcables. Merece la pena incluirla en nuestro blog por ser una gota de aire fresco para un país, Turquía, poco habituado a producciones nacionales del estilo.

Nota: 7'5

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Soñadores

Producción anglo-italo-francesa del año 2003, dirigida por Bernardo Bertolucci, nos presenta la extraña relación de amor / amistad de un joven estadounidense estudiante en París, Matthew, con una pareja de gemelos franceses, Isabelle y Theo. Los tres se conocen gracias a su cinefilia, y la película muestra cómo la inocencia de Matthew se transforma con el extraño liberalismo de los hermanos. Sin embargo, según avanza la película, podemos ver que los hermanos son más inocentes si cabe que Matthew, mostrándonos a éste en ocasiones como una especie de tutor de ambos.

Con el trasfondo de la revolución de mayo del 68, Bertolucci nos va mostrando discusiones y juegos de cine, incluyendo flashes de escenas de películas antiguas, a menudo recreadas por los propios personajes. La película nos compara el estereotipo de conservadurismo americano con el típico liberalismo europeo. Sin embargo, esta idea queda oculta al hacer demasiado compleja la relación amorosa del trío. Asímismo, Bertolucci nos da una lección de cómo manejar una cámara, regalándonos encuadres inverosímiles dignos de ser aprendidos en una escuela de cine.

Nota: 6

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Direktøren for det hele (El jefe de todo esto)

Película danesa bajo el sello de cine Dogma, escrita y dirigida por Lars von Trier, que aborda un género poco habitual en este tipo de películas: la comedia. El director nos muestra cómo el responsable de una empresa, Ravn, falto de valor para asumir decisiones impopulares, se inventa un director ficticio al que ningún empleado conoce, y al que poder responsabilizar de todas estas decisiones. Cuando Ravn se dispone a vender la empresa, se encuentra con que el comprador desea negociar con el director, lo que le obliga a contratar a un mediocre actor teatral muy metódico que interprete dicho papel improvisando. Por error, el "director" se presenta a la plantilla, provocando así que tenga que relacionarse con los empleados.

Magnífica construcción de los personajes y de la trama argumental. Sin embargo, lo mejor de la película es ver cómo el personaje del director se va formando poco a poco desde la nada, al principio creado por el personaje de Ravn, más tarde creciendo con las opiniones del propio actor, Kristoffer, según avanza la película. Esto hace que se vayan creando situaciones más hilarantes y hace que la película roce el género de comedia de enredo. Sin embargo, al final la película se pierde al fagocitar el personaje del director el argumento, provocando un desenlace un tanto forzado y poco pulido.

Nota: 7

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Gargandi snilld (Screaming Masterpiece)

Producción islandesa del año 2005 dirigida por Ari Alexander Ergis Magnússon. A través de un recorrido por la isla volcánica mas meriodinal de Europa el escritor hace un repaso por toda la música de su país natal. Los datos son escalofriantes en la cultura islandesa respecto a su música, en una población de apenas 300000 habitantes existen 90 escuelas de música, 400 orquestas y 6000 personas que pertenecen a algún coro, podríamos decir que en Islandia la cultura musical es muy arraigada. Además este es un ejemplo único en todo el mundo porque es una mezcla entre la cultura europea y americana, existen diversos estilos musicales que se entremezclan en la población, desde rap, pasando por metal, música tradicional islandesa, electrónica y el pop.

Magnussón graba a los grupos más importantes del país en la propia Islandia o en países donde también triunfan, ante nuestros ojos tenemos a Múm, Sigur Ros tocando en Nueva York junto a Bjork, Minus, Quarashi tocando en Tokio y el grupo Nilfisk procedente de un pueblo de 426 habitantes siendo los teloneros nada menos que de los Foo Figthers. También el director hace referencia al documental que en los años 80 filmó Friðrik Þór Friðriksson que se llama 'Rokk í Reykjavík' donde aparecen los grupos punk que surgieron en Islandia y germen de Bjork como su primer grupo Tappi Tikarass o el grupo Purkur Pilnikk, un momento memorable también del film es cuando Magnussón graba el 'Odin's Raven Magic' donde una gran orquesta junto a un xilófono hecho de piedra islandesa interpretan esta bella pieza. Documental recomendado para amantes de la buena música donde es una pena que no se encuentren subtítulos (ni siquiera en inglés) que lo hubiese hecho más entendible.



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Zodiac

San Francisco, años 60. Una pareja es brutalmente atacada por un violento asesino. La chica muere; el hombre se salva milagrosamente. Meses despues un crimen similar es perpetrado en un bosque cercano. El modo de actuación es similar en ambos casos. Una carta anónima es enviada a los periodicos; un hombre que se hace llamar Zodiac adjunta un jeroglífico donde comenta cual será su próximo golpe. Cunde el pánico en la sociedad Yankie, mientras el morbo despertado por la noticia crece exponencialmente. Una nueva muerte, es atribuida a Zodiac. Otras cartas encriptadas y más publicidad para el supuesto asesino. Si bien los crimenes no forman parte de un profesional, la casualidad se alia para que el rastro sea demasiado débil como para dar con el culpable; añadiendo más dificultad, el hombre que sobrevivió al primer asalto, desaparece temeroso de las represalias que el asesino pueda tomar contra él. La leyenda de Zodiac es alimentada por la muchedumbre; se le 'corona' como el paradigma del asesino en serie. Mucho otros le imitan y separar las acciones del verdadero asesino se convierte en algo imposible. Pasan los años y se deja de hablar del tema; Zodiac sigue en la calle, pero ya no es portada de ningún medio. Sin embargo hay un periodista que necesita saber la verdad; quiere que la justicia cumpla su cometido. Tras una laboriosa investigación, llega a una conclusión con el peso necesario para encerrar a un sospechoso. De nuevo la fortuna y el sistema judicial americano, son el úncio impedimento. Solo quedará esperar a que algún cabo quede suelto y se pueda atrapar a este singular criminal.

De nuevo el genial David Fincher se atreve con el género del thriller policiaco. Tras la magistral Seven, este reciente film se esperaba con especial interés. Y no decepcionó. Por lo menos para la crítica que lo acogió, en general, con comentarios positivos. Esta vez el impacto visual y los iconos que mostraba Seven, dan paso a las imagenes cotidianas de esta historia basada en hechos reales. Más que centrarse en Zodiac como "rey de los asesinos en serie", se le muestra como parte de la histeria colectiva que se desata en EEUU ante atrocidades como las cometidas en San Francisco. El asesino no es nadie especial; es una persona enferma que gracias a los medios de comunicación, logra una popularidad de dimensiones desproporcionadas. Más cerca de la australiana Chopper o la "OliverStoniana", Asesinos Natos, esta historia se aleja de del superrealismo enfermizo de 'El club de la lucha' para contarnos un drama real que desgraciadamente es muy común en el país del dolar. En definitiva, buena apuesta del director que deja reflexivo al espectador, a la vez que decepcionado por ver que el mundo no funciona bien.

Nota: 8


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Sommaren med Monika (Un verano con Monica)

Producción sueca dirigida en el año 52 por el maestro Ingmar Bergman, obra donde el sueco aplica el neorrealismo italiano en su obra. Monika es una alegre muchacha de 19 años que trabaja vendiendo verdura en el mercado, en una cafetería conoce a Harry, un joven empleado en un taller que también mal vive de su empleo. Ambos van al cine y se enamoran. Las ansias de libertad de Monika hace que Harry le invite a pasar la noche en la barca que su padre tiene tras marcharse Monika de su casa. Al día siguiente Harry es despedido de su empleo y ambos deciden irse con la barca a terrenos no habitados y disfrutar de su amor, tienen todo un verano por delante juntos y sin las ataduras de la ciudad, pronto el verano se convertirá en un infierno, la comida empieza a escasear y no les queda otra que robar para subsistir, todo se agrava cuando Monika se da cuenta de que está embarazada.

Todo obra de Bergman tiene un toque mágico y en esta también aparece a pesar de ser su película más alejada de su estilo, al comienzo de la película Bergman filma los patios de vecinos, los niños jugando, cosas nada usuales en él. Filma con una luz tenue de la grisácea ciudad, luego pasa al campo donde Monika está esplendorosa y hace un homenaje al cuerpo femenino, son escenas luminosas, llenas de vida para finalmente volver a la ciudad y volver a la oscuridad. Un film muy intrigante, con una estupenda fotografía y que nos enseña la versión de dos tipos de personas que nos encontraremos por donde vayamos, las personas idealistas que son frías y egoístas y las personas realistas, que son perdedoras y sacrificadas. Una metáfora del maestro que hace ver como los hombres podemos perder la cabeza detrás de las mujeres.



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Mifune

Producción danesa del año 99 dirigida por Soren Kragh-Jacobsen, Oso del Plata del festival de Berlín y mención especial del jurado, el film tiene la homologación de Dogma al cumplir los prefectos que ese movimiento dicta. Kresten es un joven de Copenhague que tiene varios negocios en la ciudad, se casa con una aristócrata de allí y su vida funciona bastante bien. Hasta que el día después de su boda recibe una llamada informándole de la muerte de su padre. En Copenhague nadie sabe nada acerca de la vida familiar de Kresten en el campo. Al morir su padre nuestro protagonista se tiene que desplazar al campo para encargarse del funeral y de su hermano, un deficiente mental. Kresten se desplaza solo porque no quiere involucrar a su nueva esposa en su vida anterior y porque se averguenza de su pasado, el cúmulo de mentiras es tan grande que Kresten será descubierto y entonces tendrá que decidir que hacer de nuevo con su vida.

Más que una película 'Mifune' es como una obra de teatro avanzada, al cumplir las normas Dogma pues se queda sin efectos y el trabajo viene por la gran labor de los actores y la dirección. Soren Kragh-Jacobsen refleja la hipocresía cosmopolita acerca del mundo rural y de como un ciudadano como Kresten es incomprendido acerca de un pasado que el mismo trata de tapar pero que no puede ya que sus raíces son de allí. Hay muchos detalles en la película que me encantaron, por ejemplo la violencia que ejerce un vecino sobre otro en el ámbito de un pueblo, el machismo, la incomprensión tanto por parte los urbanitas como de los provincianos, todo es como una gran patada en nuestro trasero de como nadie debe de dar lecciones a los otros mientras no reconozca sus propios errores. 'Mifune' es una metáfora al gran actor japonés Toshiro Mifune, actor fetiche del gran Akira Kurosawa. Es una película que por desgracia no tendrá muchos espectadores y que alguna vez la veremos programada por La 2 a las 3:30 de la madrugada o un dia entre semana a las 22:30 y pondremos cualquier serie de médicos bordes o investigadores seductores.



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