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miércoles, abril 19, 2017

El halcón maltés

USA (1931)

Sam Spade comparte una agencia de detectives con su socio, Miles Archer. Pero esto no es lo único que comparten, pues Sam, díscolo y arrogante, tiene una 'aventura' con la esposa de su compañero. Este hecho le pondrá entre a espada y la pared cuando Miles sea asesinado mientras trabajaba en un simple caso de acoso. La victima es una bella e inocente jovencita que quería proteger a su hermana de un malhechor que la seguía desde hace un tiempo. El presunto delincuente también acabará muerto y esto hace pensar a Sam que la chica no ha sido sincera con él. Mientras intenta averiguar la verdad entre las sabanas de su cama, el detective es atacado por una especie de banda que busca un curioso objeto de incalculable valor histórico y material: el halcón maltés. Parece ser que detrás de esta pieza de arte, también esta la muchacha que miente sistemáticamente a Sam para conseguir su objetivo. Un Sam que parece tener todo perdido tras ser acusado por la policía del crimen de su socio. Aparentemente el sabueso está en un callejón sin salida. Pero este sabueso es perro viejo y nadie sabe que tiene un as en la manga de lo más impactante.


Me enorgullezco de traer hoy a piniculas una rareza que hará las delicias de los amantes del cine negro. Se trata de la versión original de una de las mejores películas del género, protagonizada por el legendario Humphrey Bogart. En efecto, aquella obra mítica, referente del cine policíaco, es en realidad un remake del largometraje original estrenado en 1931 guionizado por el escritor de la historia, Dashiell Hammety y dirigido por el prolífico Roy Del Ruth. Este realizador con 118 obras en su filmografía, llego a completar hasta 6 piezas en un año. Anécdotas a parte, la película es otra autentica delicia, que debe ser visionada por los seguidores de la versión de Bogart. En este caso, el protagonista (Ricardo Cortez) tiene un carácter antagónico al del genio Angelino. Ricardo (Sam Spades) es un tipo ambicioso y algo 'canalla' al que le gusta manipular a la gente para lograr sus objetivos. En este caso, chocará frontalmente con la protagonista femenina, que es experta en jugar con los hombres para enriquecerse. La diferencia es que Sam no es un hombre corriente y que él tiene límites (morales) que nunca quebrantaría y menos por una cara bonita. Impecable historia que rebosa suspense, acción y diálogos inteligentes. Imprescindible.


Nota: 9.1

Para recordar: '¿La guerra santa? Eso suena a un negocio sucio...'
Para olvidar: Un giro de guión para concluir le hubiera dado un toque más sofisticado.


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viernes, abril 07, 2017

Animales Nocturnos

USA (2016)
Susan Morrow tiene una vida perfecta repleta de éxito y lujos. Esta casada con un apuesto empresario y su galería de arte recibe las mejores críticas. No puede pedirle más a la vida... aparentemente. El pasado de Susan llama a la puerta cuando su ex-marido le manda el borrador de su última novela. Nadie sabía que la mujer había estado casada antes y que una vez fue una idealista vulnerable. Todos los antiguos recuerdos vuelven cuando empieza a leer el libro de su ex-pareja y se da cuenta que esta ante una obra maestra. Una historia de crimen sin compasión llamada Animales Nocturnos. Susan, debido principalmente a sus problemas de insomnio, se sentirá absolutamente involucrada con la historia y sus personajes principales, que le evocarán a ella misma y a su anterior marido. Una sucia historia donde el crimen, los principios morales y los más bajos instintos, se entremezclan para crear una situación en la que nadie puede quedar al margen. Sobretodo una persona como la protagonista que se siente parte fundamental de esa trama de ficción. E inconscientemente (o no) el escritor consigue despertar en Susan viejos sentimientos que la empujan a querer ver de nuevo al que fue el amor de su vida. Entre la rudeza de la ficción, los fantasmas de pasado, los verdugos del presente y la historia de amor que se truncó por la ambición , el libro que llegó a sus manos será la esperanza y la perdición de una mujer que creía haber alcanzado la perfección.


El diseñador (entre otras muchas cosas) Tom Ford dirige, produce y escenifica este impecable film que tan bien ha sido acogido por la crítica. Ford, profesional de la moda para marcas tan importantes como Gucci e Yves Saint Laurent, despliega todo su gusto exquisito en los planos de este largometraje encontrando el equilibrio entre el color, el paisaje, las emociones y la música. Me atrevería a decir que el proyecto del director en sus Animales Nocturnos, esta salpicado de guiños a Almodovar y Lynch, con un toque personal, que, siendo algo duros, es lo que le falla a la película para ser una auténtica obra maestra. Si bien su punto fuerte desde el principio es la coherencia y la coordinación de las 3 tramas principales, la conversión final de los hilos argumentales dejará insatisfecho al espectador que este entusiasmado con el relato de la novela. Para mi este es el punto fuerte, la escenificación del libro al más puro estilo 'La princesa prometida' pero con una historia que bien podría ser una temporada de 'True Detective'. Pero como decía, no quiero restar importancia al valiente ejercicio de Ford filmando un cine negro para nada 'al uso' con grandes alardes de puesta en escena y música. En cuanto a los actores, no pasarían de 'correctos' a no ser por Michael Shannon, nominado al Oscar y espectacular en su papel de Sheriff maldito. Huyendo de los tópicos, actúa como un 'poli' malo pero siempre dentro de la legalidad (o casi). Este chico lo borda y le da un matiz más a esta pieza repleta de detalles que recomiendo a todo el mundo que guste te los thrillers de alta calidad.
 
Nota: 9.2

Para recordar: Entre los muchos pasajes memorables, nos podemos quedar con la conversación de Bobby con Ray mientras defeca en un WC ubicado en la puerta de su casa.
Para olvidar: El desenlace que bien podría ser un (mal) epílogo.


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lunes, abril 03, 2017

La chica satélite y el chico vaca

Corea del Sur (2014)

Película de animación dirigida por Jang Hyung-yun. Yun es un chico que le ha dejado su novia y al partirle el corazón por la ruptura se convierte en vaca lechera. Al mismo tiempo en la atmósfera gira el satélite Ilo que va a llegar a la tierra en forma de chica. La chica conoce a Yun y quiere ayudarle para que de nuevo se convierta en humano, para ello, se tiene que volver a enamorar y además evitar que su corazón partido sea robado por la malvada incineradora, si este monstruo se apodera de su corazón, nunca más volverá a ser humano. La chica y la vaca tendrán la inestimable ayuda del Mago Merlín para huir de la incineradora, Merlín no es el típico mago con sombrero, aquí está caracterizado por un rollo de papel higiénico. Entre nuestros dos protagonistas se establece una conexión y relación especial, un satélite convertido en chica, que aunque no tiene corazón sí que le afloran sentimientos y un chico convertido en vaca que lo que necesita es algo de comprensión. Ilo se la dará, incluso hasta llegar al punto de sacrificar su propia vida para luchar contra la incineradora.

Estamos ante una película de animación bastante especial, con una historia simple pero bonita y compleja. Sin duda, es una película más orientada al público adulto que a los niños, aunque estos podrían verla tranquilamente y les parecería bastante entretenida. Con una música a la manera J-pop blandito vamos viendo como avanza la relación entre la chica y la vaca. La película nos deja una reflexión muy importante, hasta que punto es tan importante tener corazón, para sufrir, para que te lo rompan. El satélite no tiene ningún problema, vaga por la atmósfera libremente y sin ninguna preocupación, mientras el pobre Yun tiene el corazón roto y además tiene que estar constantemente huyendo. Hay muchos más como Yun y la voracidad de la incineradora es insaciable, necesita muchos corazones para seguir encendida. Una bonita metáfora que hace que pases un rato entretenido con un relato muy sencillo y bien desarrollado en apenas 81 minutos. Si os gustan las buenas historias con un toque surrealista es una película muy recomendable, se demuestra que en la animación también hay buen drama.

Para Recordar: la bonita metáfora de como el chico se convierte en vaca, le han robado el corazón y ahora hasta que no vuelva a enamorarse no podrá volver a ser humano.

Para Olvidar: es un relato que pronto cae en el olvido porque a pesar de los trascendental que tiene la historia, simplemente pasas un rato entretenido y a otra cosa.




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miércoles, marzo 29, 2017

Scener ur ett äktenskap (Secretos de un matrimonio)

Suecia (1973)

Producción dirigida por Ingmar Bergman, ganadora del Globo de Oro a mejor película de habla no inglesa. Johan y Marianne son un feliz matrimonio que lleva una década casados, tienen dos hijas y al principio del relato son entrevistados por una periodista. Cuentan lo felices que son como pareja, que son muy buenos padres para sus hijas y sus respectivas profesiones, él es psicólogo y ella es abogada. La vida continúa con una cena en casa con otra pareja amiga de nuestro matrimonio protagonista. Peter y Katerina también están casados pero su relación se encuentra en su final, en plena cena se ponen a discutir y se hacen reproches mutuos. Su relación llega a su final y terminan divorciándose. Esta discusión entre Peter y Katerina hace que se planteen también su relación Johan y Marianne. Al principio del análisis están muy contentos, ellos son felices, al contrario que su pareja amiga pero no todo es tan bonito como se lo relataban a la periodista. La convivencia, los celos, la rutina y el aburrimiento empiezan a relucir, Johan es un hombre bastante más independiente que Marianne, de hecho prácticamente solo necesita a su mujer para el cuidado de sus hijas. Mientras Marianne es más sensible, necesita mucho más el apoyo del que es su pareja. La idílica relación se convierte en ataques y contra ataques, hay insatisfacciones afectivas, terceras personas, los compromisos familiares e incomunicación, hasta llegar a un punto de no retorno que es la violencia mental y física. Johan y Marianne terminarán también separados como sus amigos pero su relación continuará ya que tienen a sus dos hijas e incluso habrá un conato de retomar la relación de nuevo como pareja. Pero será imposible, son dos caracteres muy diferentes condenados a no entenderse.

Con un metraje de casi tres horas, el maestro Bergman realiza una tesis en versión cinematográfica de lo que es el matrimonio, destroza por completo cualquier esperanza en el amor eterno, el matrimonio es la tumba del amor y saca a relucir nuestros peores defectos. Esto lo consigue con una pareja principal formada por los actores Liv Ullmann y Erland Josephson que interpretan muy bien a este matrimonio tan feliz al comienzo y tan atormentado al final. Rodada casi enteramente en un único escenario que es la casa de Johan y Marianne, se nota que la película es auto financiada y el gasto en recursos es mínimo. En mi opinión más que una película, parece una obra de teatro donde hay diálogos muy brillantes y psicológicos acerca de la convivencia de una pareja. Aunque luego también hay mucha espesura y el metraje se hace largo porque hay tramos que no se sabe muy bien que nos quiere decir Bergman y para mí que se anda un poco por las ramas. Siempre recomendaré las películas de este gran director, uno de mis favoritos pero antes que esta producción, recomiendo obras como El séptimo sello o Saraband o Persona. Obras cumbres de este director y que me emocionaron más que este interesante y largo relato.

Para Recordar: hay tramos del film que son muy psicológicos, realmente son conversaciones que cualquier matrimonio podría tener, ese realismo es muy difícil de llevar a la pantalla.

Para Olvidar: es un relato muy espeso, con muchos altibajos, sin duda en mi opinión, Bergman no logra en este film emocionarme, al contrario que en otras de sus producciones. Además no es cine, parece más teatro.




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Escena que muestra cómo la vida en pareja puede llevarte a la anulación cómo persona. De lo mejor del film.



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jueves, marzo 23, 2017

Snowden

(2016)

Nowadays everybody knows the Edward Snowden's story. He is a kind of Information Technology genius who worked for the U.S. Government. The Army, CIA, NSA... Usually he worked on confidential projects. By chance he was involved in a new application designed to intercept digital communications between terrorists. However, Edward discovered that the original purpose is just an excuse to spy everybody across the world. Innocent people who expose their personal information. Pictures, videos, emails, messages... everything is managed by an impressive system that intercepts, analyses and filter the information of millions of people. It is absolutely illegal and Snowden has to decide if he prefers his amazing life in Hawaii, collaborating with the government to break the human rights and earning a lot money doing that, or, on the contrary, to reveal confidential information to fight against a monster called the United States. Maybe he took the wrong decision for himself but it was a brave choice; an incredible action to collaborate with the freedom in the world. He become in a dangerous criminal for the States and a hero for the rest of the countries.


After the boring (but powerful) Snowden's documentary (Citizen Four) directed by Laura Poitras, Oliver Stone filmed a fair story about one of the most brave IT professionals. The Edward Snowden's life deserved a movie like this. Following the real events happened before the Snowden's revelations, Stone shows an impacting story about a patriot who is losing the 'faith' when discovers that his government is spying innocent citizens. The director tries to be neutral and is the star who moves to the “bright side” after being betrayed by the secret services. The perfect balance between the reality (including the filming of Poitras' documentary) an some bits of fiction to present the impressive story of the guy who travelled from the paradise to the hell to denounce the shaming activities performed by companies like Google, Yahoo, Apple or Verizon helping US army (supported by the government) to break the law and the human rights of millions of people. Essential film to understand how big corporations are using the modern communication networks to spy all of us.


Mark: 9

To Remember: The real Snowden demonstrating his victory on the USA
To Forget: The Nicholas Cage's character is unnecessary








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miércoles, marzo 15, 2017

I Am Divine

EEUU (2013)

Producción dirigida por Jeffrey Schwarz, ganadora del premio del público en el FilmOut de San Diego. Harris Glenn Milstead fue un muchacho que nació en Baltimore en 1945. Hijo de Bernard y Diana apenas nadie en este mundo lo conoce por su nombre real. Divine es su nombre artístico, un nombre que pasaría a la historia gracias a las películas donde interpretaba a esta musa drag queen y que eran dirigidas por su amigo de la infancia, el director de cine B, John Waters. En el documental entrevistan a todos sus allegados y recuerdan toda la vida de Harris, ya que él falleció por una miocardiopatía hipertrófica (cardiomegalia) en 1988 a los 42 años, esta enfermedad fue debido a su obesidad. Divine interpretando papeles totalmente surrealistas y en películas de un presupuesto irrisorio se convirtió en una estrella en Hollywood y tiene hasta su estrella en el paseo de la fama. Su carrera como actriz drag queen comenzó en el grupo Dreamlanders que estaba asociado a la productora de John Waters (Dreamland Productions), era una persona muy tímida cuando era Harris, incluso tuvo una novia en el instituto que ella lo dejó, pero en cuanto se maquillaba y era Divine se convertía en un torbellino donde interpretaba y hacía lo que hiciese falta. Saltó a la fama por la película 'Pink Flamingos' sobre todo por la escatológica escena final del film. Después se dedicó a la música, con un estilo dance/electropop donde también tuvo un relativo éxito. En sus últimos años abandonó el papel de Divine y era simplemente el actor Harris Glenn Milstead.

Este hombre en su época se reían de él y lo tuvo muy complicado, una drag queen obesa no era precisamente un patrón del glamour y del éxito, incluso era una especie de apestada entre su gremio, no casaba con ningún grupo. Al ser única eso le llevó al éxito, no hay nadie como Divine, lenguaraz y que te interpretaba cualquier situación que le propusieses. Ahora es un símbolo dentro del colectivo LGTB y una musa del cine B junto a su amigo John Waters, un director también muy diferentes a los demás directores y que sin duda era lo más famoso de la ciudad de Baltimore hasta la llegada de la serie 'The Wire'. En la película ves a sus padres, como ellos no aceptaban el modo de vida de su hijo pero que luego con el tiempo ya volvieron a retomar la relación, ahora estaban orgullosos de él. Es justo cuando ya llega el reconocimiento, incluso familiar, cuando ya no puedes apenas saborearlo por no cuidar de tu salud, Harris no se cuidaba nada y sus kilos acabaron con su corazón. Sin duda, Harris era un buen tipo y además nos dejó a Divine, la drag queen más famosa y divertida que nunca va a existir. El documental lo recomiendo para los que conozcan algo de Divine y John Waters, no es para el público en general.

Para Recordar: la figura de esta drag queen que en su época era algo tremendamente escandaloso, ni siquiera era aceptada por otras drag queens debido a su obesidad. Aun así, Divine luchó siempre por sus derechos y triunfó.

Para Olvidar: que el artista fallezca a los 42 años debido a su obesidad, no fue un caso de muere joven por drogas para ser inmortalizado, hasta para eso fue diferente.




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domingo, marzo 12, 2017

Contratiempo

Spain (2016)

Adrián Doria es un ejecutivo en la cima de su carrera profesional que se divierte con su amante a espaldas de su mujer. Le gustaba tenerlo todo bajo control y se jactaba de ser un tipo perfecto. Sin embargo, en una fría carretera de Cataluña un 'contratiempo' truncara momentáneamente las aspiraciones del empresario. Un ciervo, que se cruzó repentinamente en su camino, le hizo cambiar el rumbo de su automóvil, con tan mala fortuna que embistió a otro coche conducido por un joven. Claramente se trataba de un crimen involuntario, pero ni Adrián ni su amante estaban dispuestos a cargar con la culpa por algo que ocurrió azarosamente. Se deshacen del cadáver y continúan como ni nada hubiese ocurrido. Una vida de ensueño que se perturba cuando alguien parece saber algo de aquel incidente. Ese 'alguien' los cita en un aislado hotel para, aparentemente, chantajearlos. Todo dará un giro de 180º cuando Adrián aparezca inconsciente en el suelo y su pareja muerta, aparentemente, por obra suya. El directivo tendrá que recurrir a toda la pericia de sus abogados, concretamente a la de una preparadora de testigos recomendada por su más fiel picapleitos. Para poder ganar el caso, la experta deberá conocer todos los detalles de lo que pasó aquella noche. Una noche en la que nada esta claro, y lo que pareció un accidente, se irá tornando en una oscura trama urdida por el ejecutivo (o no).


Producción española de 2016 que ha resultado ser una grata sorpresa digna de estar entre nuestras piniculas. Este thriller de suspense cuenta la historia de un crimen involuntario que deber ser clarificado a través de diferentes puntos de vista. Al más puro estilo Kurosawa, el director irá moldeando la historia para adaptarla a las versiones planteadas por los protagonistas. Todo ello para mantener la tensión y la intriga hasta el final. Un final que puede decepcionar un poco al espectador más observador. Con esto no quiero quitarle ni un ápice de mérito al original y valiente planteamiento del realizador. En diferentes pasajes iremos viendo como, de manera precisa, las situaciones van evolucionando de forma trepidante para crear una trama robusta y creíble que cambiará cualquier percepción inicial sobre la historia. Una historia que se ve reforzada por la aportación de los secundarios más veteranos: Coronado y Ana Wagener. La parte negativa del film vendrá de mano del flojo dueto protagonista, que nos hará difícil meternos en la piel de unos potenciales criminales que, a juzgar por sus interpretaciones, no serían capaces de matar una mosca.
 
Nota: 8.1

Para recordar: La habilidad del director de jugar con los personajes y, al mismo tiempo, manipular las sensaciones del espectador.
Para olvidar: ¿Por qué Mario Casas parece un actor cómico venido a menos en todas las películas dramáticas que protagoniza?


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lunes, marzo 06, 2017

Difret

Etiopía (2014)

Producción dirigida por Zeresenay Mehari, ganadora del premio del público en el Festival de Sundance y Festival de Berlín. Producida por la famosa actriz Angelina Jolie. Hirut Assefa es una niña de 14 años que es raptada al volver del colegio por una tribu en Etiopía. La niña es llevada a la fuerza a una cabaña donde uno de los raptores la viola, la niña después de tan atroz acto, coge una piedra y mata a su violador. Logra escapar a su casa con sus padres pero pronto se presentará la policía para detenerla. Gracias a Dios llega antes la policía etíope, si llegan antes los amigos del captor fallecido, habrían asesinado a Hirut. Hasta la cárcel donde está nuestra protagonista se traslada Meaza Ashenafi, allí en Addis Abeba (capital del país) esta abogada ha creado una red de ayuda a mujeres y niños pobres que necesiten la ayuda de un letrado. Va a defender a Hirut en este caso que es bastante complicado, para ella se pide la pena de muerte, según las ancestrales leyes de las tribus etíopes, esta niña debería ser enterrada junto a su captor, ha cometido un asesinato y debe pagar con su propia vida. Además en el juicio no hay duda alguna de que el captor no habría violado a Hirut, simplemente fue a buscarla a la salida del colegio por que quería pedir su mano y fuera su esposa, una vez que la niña perdiese la virginidad con él ya solo podría ser su esposa. Meaza pone todos los medios para que Hirut encuentre el mínimo consuelo, al principio la saca de la cárcel y la hospeda en su propia casa. Allí la niña ve un mundo totalmente diferente al que vivía. Hay calles con coches, electrodomésticos, agua caliente y Meaza se convierte en un modelo a seguir para nuestra protagonista. Hirut con solo 14 años se enfrentará al juicio más importante de su vida.

Esta historia está basada en hechos reales y todavía en Etiopía se raptan a niñas para violarlas y así asegurarse matrimonios. La película destila una realidad muy cruda sobre unos actos tan crueles que van contra la infancia y las mujeres. Es un tema bastante recurrente que en toda sociedad enfrentemos las tradiciones contra el estilo de vida más moderno y occidental, aquí está el debate que estas tribus tienen unas tradiciones que para nosotros son una auténtica barbaridad y que desde luego por encima de todo está la ley, que es la que rige nuestra convivencia. Ahí es donde entra en acción la abogada, muy bien interpretada por Meron Getnet en el papel de Meaza, Hirut es una niña inocente que vive con una familia totalmente analfabeta y no tienen medios algunos para su defensa. Cabe destacar también la interpretación de nuestra niña protagonista, Tizita Hagere como Hirut Assefa. No todo es negativo y un dramón en este film, a partir del caso de Hirut hubo mucha más protección por parte de la ley para las niñas etíopes y el país intenta avances en esta materia para que se produzcan los mínimos casos posibles. Cine social que es necesario, la denuncia de las injusticias a través del séptimo arte muchas veces funciona y cuantos más espectadores tenga esta producción, mejor les irá a estas niñas.

Para Recordar: queda mucho por avanzar en la igualdad tanto en Occidente como sobre todo en sociedades más medievales, donde la mujer es un mero objeto que se puede utilizar al antojo del hombre y está regida bajo unas leyes muy desiguales.

Para Olvidar: como los seres humanos podemos llegar al punto de lapidar a otras personas o enterrar a la víctima junto a su verdugo.




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viernes, febrero 24, 2017

La marrana

Spain (1992)

El siglo XV fue un siglo glorioso para el Imperio Español. Sobre todo el final del siglo, con la expulsión de los judíos, la toma de control político de los reyes y la iglesia a partes iguales y como no la expedición de Colón a América que tanto oro trajo al reino. Pero esta riqueza y opulencia no se vio reflejada en el pueblo llano. Un pueblo que malvive en los caminos, sacando lo justo para comer por medio del pillaje y el engaño. Este es el caso de Bartolomé un hombre inteligente que ha tenido la suerte de nacer plebeyo y laico. La misma condición que la de Ruy y sinvergüenza mentiroso que tiene la dudosa fortuna de cruzarse con Bartolomé justo despues de haber robado una cerda. Ambos individuos cruzan mentira tras mentira, tan disparatada como inverosimil. Pero pronto se dan cuenta de la situación y deciden unirse para intentar hacer un quiebro a la pobreza. Siguiendo con sus artimañas, sus huesos llegarán al convento al covento de Fray Jerónimo para hacerse pasar por familiares suyos y así de paso comer y descansar como es debido. También conseguirán una carta de recomendación para los 3, incluida la marrana de la que no se separarán ni un segundo. Tras varias peripecias en los pueblos peninsulares con fulanas, trovadores y ciegos con delirios de grandeza, llegaran al puerto de Palos donde una desagradable sorpresa les esperará al final de tan largo camino.

Desde hace tiempo tenía bastantes ganas de visionar esta película, escrita y dirigida por uno de mis realizadores favoritos, José Luis Cuerda. En esta ocasión, alejado del genial surrealismo que lo lanzó a la 'fama' con Amanece que no es poco, nos presenta un drama rural ambientado en la época más gloriosa del imperio. Con su particular sarcasmo, el director nos presenta a unos personajes bastante básicos que, basándose en una vasta cultura popular, nos irán explicando su manera de ver la vida y como se puede sobrevivir en aquella realidad repleta de injusticia, racismo y religión. En general el realizador dará pinceladas de los diferentes problemas sociales de la época, aunque sin profundizar en ninguno de ellos y sin llegar a los matices que se le presuponían tras su obra maestra. Lamentablemente, La marrana es una pieza simple con excelentes actores (Fernando Rey, Alferdo Landa, Antonio Resines...) y un guión denso y elaborado pero que no termina de sorprender ni de impactar en el espectador. Se trata de reflexiones sobre la vida del español de 'a pie', a través de muchas situaciones que pasan casi desapercibidas. Hay una pequeña crítica a la iglesia, al poder, a la expulsión de los judíos, al ejercito y a la mentalidad latina. Proyecto ambicioso que se queda corto y que puede dejar indiferente al espectador menos paciente.

Nota: 7.1

Para recordar: El ciego presenciando la copulación de los porcinos. Me reía a carcajadas.
Para olvidar: El pesimismo con el que es tratada la historia. Un pesimismo que parece reflejarse en la calidad final del largometraje.


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miércoles, febrero 22, 2017

Mil títulos y doce años de pasión por el cine.


Bueno ahora nos estamos acercando a las 1000 películas y al décimo segundo aniversario, qué mejor que echar la vista atrás y analizar lo mejor del blog hasta ahora. Han sido muchas horas de trabajo, muchos cambios y sobre todo, muy buenos ratos de cine de verdad; de PINICULAS en estado puro. Sin más dilación, repasemos algunos de los mejores títulos del blog. Entre las mejores series y películas podemos destacar las siguientes en el top 10:

1: A dos metros bajo tierra (2001-2005)
2: Monster
3: El gran Lebowski
4: 12 hombres sin piedad
5: Twin Peaks
6: Gozu
7: Punto Limite
8: Mary and Max
9: The Fall
10: The Look of Silence

Las películas preferidas de nuestros lectores son las siguientes:

1: Tropa de Elite 2
2: Children of Men
3: La fin absolue du monde
4: Vincent Finch: Diario de un ego
5: Red Army
6: God's Pocket
7: '76
8: Polednice
9: Submission part 1 (Sumisión)
10:La Tama

Y finalmente el historial de visitas que ha tenido esta humilde página que no recibe ninguna ayuda económica:

Páginas vistas (historial completo):
96.472

Gracias a todos por leernos. Esperamos seguir mucho tiempo con nuestro hobby y nuestra pasión cinéfila.

martes, febrero 21, 2017

Dark Horse

EEUU (2011)

Producción dirigida por Todd Solondz, uno de los directores más corrosivos del cine independiente americano, autor de obras como Happiness o Bienvenidos a la casa de muñecas. Abe es un joven norteamericano que vive en casa de sus padres, su vida es tan cómoda que no termina de madurar y entrar en la edad adulta. Trabaja en la empresa familiar donde es bastante inútil pero como su padre es el jefe, nadie le puede decir nada, incluso el padre está harto de él. A menudo se larga de su puesto de trabajo y se pira al centro comercial a comprar juguetes, es coleccionista. Se aprovecha sobre todo de la debilidad que tiene su madre por él, siempre está mediando entre su padre y él en todos los conflictos que se originan. También tiene un hermano, Justin, más joven que él y que ya es médico, su éxito profesional es una patada en el orgullo de Abe y se llevan bastante mal. No tiene pareja pero esa situación va a cambiar cuando conoce en una boda a Miranda, una chica de carácter depresivo a la que le insiste que salga con él. Miranda no está nada entusiasmada con la idea, ni siquiera contempla la idea de salir con Abe, pero nuestro protagonista es muy pesado y se presenta en casa de ella para ofrecerle incluso matrimonio, dice que está enamorado y en cuanto acceda a su petición, se pueden ir a vivir a casa de sus padres. Ante tal disparatada opción, al final Miranda da su aprobación, eso sí, Abe tendrá que aguantar la buena relación que Miranda tiene con su ex Mahmoud, asunto que no le hace ni puñetera gracia. Desde luego Miranda no está para nada enamorada de Abe.

Nuevo relato del maestro Solondz que no recibió buenas críticas, al igual que nuestro protagonista, sale perdiendo como esos caballos oscuros a los que se refiere la película. Abe encarna el personaje perfecto de gorrón perdedor de la Norteamérica del siglo XXI, un tipo consentido por su familia, sobre todo por su madre, y que nunca va a madurar, tampoco es que le haga falta, todas sus necesidades básicas y algún capricho los tiene más que garantizados. Simplemente se tiene que centrar en la búsqueda de una pareja y acaba con una chica que tiene depresión, otro personaje encantador porque su negatividad hasta te hace reír por lo ridículo que puede resultar Abe al decir que está enamorado de esta chica, se agarra al primer clavo ardiendo para terminar con su soledad e intenta conseguir ser aceptado como alguien de "éxito" socialmente. Con un guión aceptable, muy del estilo de Solondz y unos actores con grandes interpretaciones pasas un rato divertido, el protagonista Jordan Gelber está bastante bien y los padres de él, encarnados por los famosos Christopher Walken y Mia Farrow son magníficos. Cine que nunca será tomado en serio, ya que la comedia muchas veces parece un género menor, cuando muchas veces es al contrario, hacer una buena comedia es de lo más complicado, conseguir la risa del espectador es una de las mayores satisfacciones del séptimo arte y conmigo siempre Solondz lo ha conseguido.

Para Recordar: los padres de Abe, Christopher Walken y Mia Farrow, están geniales. Si te gustan las historias de Todd Solondz este film no te va defraudar.

Para Olvidar: no es una comedia fresca, Solondz se suaviza y no sorprende si has visto alguna película más de él.




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martes, febrero 14, 2017

La fiesta de despedida

Israel (2014)

Producción dirigida por Tal Granit y Sharon Maymon, premio del público en el Festival de Venecia y Espiga de oro a mejor película en la Seminci de Valladolid. En una residencia de ancianos en Jerusalén cada día se viven muchas tragedias cotidianas, son gente muy mayor y muchos se encuentran solos o con graves enfermedades que les azotan, sobre todo el alzheimer y el cáncer. Los que mayor suerte tienen son los que al menos todavía vive su pareja junto a ellos/as. Un grupo de ancianos de esta residencia son bastante amigos, se reúnen en la piscina cubierta, en el salón para ver la televisión juntos y son bastante ingeniosos. Nuestro protagonista Yehezkel es un anciano que anteriormente inventaba diferentes tipos de maquinarias en su vida laboral, ahora también utiliza sus conocimientos para crear una máquina de eutanasia y así poder ayudar a uno de los amigos de la pandilla, es un enfermo terminal y quiere acabar con su agonía. Yehezkel utiliza para construir su máquina un sistema donde el propio enfermo es el que se administra la dosis necesaria para fallecer, nadie decide por el enfermo, es él mismo el que se "suicida" y así no hay delito alguno para terceras personas. Todo sale según lo previsto y quieren olvidar la máquina, pero los rumores de la existencia de este aparato se extienden por la residencia y ahora otro anciano acude a ellos para poder utilizarla con su mujer, una enferma de alzheimer que también se encuentra bastante mal. Entre el grupo hay diferentes posturas, una cosa era ayudar a un amigo y otra es ya utilizar la máquina con desconocidos. Esto implica un gran dilema donde para algunos esto los convierte en asesinos y para otros es pura humanidad.

Atrevida y divertida comedia procedente desde Israel. Lo más sorprendente es que se habla del tema de la eutanasia en tono comedia desde un país donde el judaísmo y la radicalidad de la religión es bastante extendida, se ve que esta película es una maravillosa excepción. Tenía muchas reservas acerca de este relato, cómo se puede hablar de la muerte y más la eutanasia que es tan controvertida hoy en día y se pueda hacer una comedia. He de decir que los directores lo logran, te sacan alguna sonrisa y estás ante un gran drama en primer lugar y luego ante un mayor dilema en la segunda parte. El trabajo de los actores es más que correcto en sus actuaciones, el guión es muy bueno porque no se ceban en la desgracia y tampoco son ligeros en la comedia, todo está construido en torno a la dignidad de las personas y el mayor acierto de este film es que lo que te cuentan es muy creíble, aunque uno pueda leer este resumen de que esta película trata sobre algo disparatado, la sensación que te deja al finalizar su visionado es que esto se podría dar perfectamente en la realidad. Por eso me parece un film muy recomendable tanto para pasar un buen rato y para una buena reflexión, hacerse viejo es muy difícil pero también se puede seguir disfrutando de lo que a uno le quede.

Para Recordar: el tratamiento que realiza en el film sobre un tema tan controvertido y duro como es la eutanasia, logran hacer una comedia de ello y sin faltar el respeto a nadie, tanto si estás a favor como en contra en este tema.

Para Olvidar: que es muy duro hacerse viejo y cuando te llegan enfermedades muy graves es muy difícil seguir viviendo con una mínima calidad.




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miércoles, febrero 08, 2017

La casa del tejado rojo

Japón (2014)

Producción dirigida por Yôji Yamada adaptación de la novela de Kyoko Nakajima, ganadora a mejor película en la academia de cine japonés y Oso de Plata en el Festival de Berlín para la actriz Haru Kuroki. Taki Nunomiya es una joven muchacha que vive en el Japón antes de la II Guerra Mundial, en el año 1939 se traslada a la capital del país. Allí en Tokio entrará a trabajar como sirvienta en casa de la familia Hirai, el patriarca Masaka trabaja en el diseño de juguetes, cree que Japón nunca entrará en combate pero a la vez le preocupa y la crisis cada vez es mayor. Su mujer, la bella Tokiko está al cuidado de la casa familiar y del hijo de la pareja, Kyoichi, que Taki enseguida le coge mucho cariño y prácticamente está a su cuidado. Todo transcurre como una rutina de una familia normal en esta época en Japón, Taki está muy contenta que los Hirai le hayan acogido en su bonita casa que tiene un precioso tejado rojo. Esta armonía se rompe con la llegada de un joven diseñador que Masaka contrata para la empresa de juguetes, Itakura le robará el corazón a Tokiko, es un proceso lento que va paso a paso pero que ambos sienten una atracción fatal. Tanto para Itakura como para Tokiko es un gran problema, para él es su jefe y ella traicionaría a su marido, algo que en esa época en Japón era muy grave. A través de los ojos de Taki vemos este romance prohibido que a ella tampoco le parece bien, nunca se puede romper la familia por el amor. Al final todo estallará, ni romances, ni separaciones, ni siquiera la casa del tejado rojo, la guerra llega a Japón y Tokio es bombardeado, los Hirai tienen que huir y nuestra protagonista Taki tiene que volver al campo.

El veterano directo Yôji Yamada de 85 años, creador del remake de Una familia en Tokio nos propone un viaje al pasado de como era el modo de vida tokiota antes de la II Guerra Mundial, en una especie de culebrón sobre una infidelidad. Este argumento puede que en apariencia no parezca muy interesante. Aquí lo bonito es el tratamiento que hace de esta sencilla historia. Como un maestro muy paciente construye un relato donde todas las piezas van encajando poco a poco y en armonía. Es muy difícil mostrar en pantalla una serie de sentimientos tan complejos como la culpa, la traición o el amor familiar. Yamada lo consigue y logra emocionar en las dos horas y pico que dura el relato, aunque a veces se hace un poco largo. Al comienzo del film es el sobrino de Taki (Takeshi) quien encuentra unos diarios de su difunta tía, empezará a leerlos y así es como comienza esta historia, a partir de esos diarios, la nueva generación aprende el modo de vida de sus antepasados que tenían problemas parecidos a los actuales. Sin duda es un tipo de cine muy especial y muy alejado de los parámetros occidentales, yo personalmente lo recomiendo. Es cine elegante, muy trabajado y que parece sencillo. Pero no es así, te das cuenta de cuantas diferencias culturales tenemos y también lo que nos une que es la universalidad de los sentimientos, todos sentimos vergüenza, culpa, amor o simplemente cariño. Por eso recomiendo esta producción y seguiré indagando sobre este veterano director.

Para Recordar: lo relajante que resulta este tipo de cine japonés, como con una historia tan sencilla se monta una película que es bonita y sugerente.

Para Olvidar: el defecto que tiene muchas veces también este tipo de cine, el excesivo metraje, dos horas y cuarto para una historia de infidelidad me parece exagerado.




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jueves, febrero 02, 2017

Angustia

Spain (1987)

John es un tímido enfermero de 50 años que aún vive con su inquietante madre. Bajo la apariencia de una viejecita apacible se esconde un ser manipulador que es capaz de hipnotizar a su propio hijo para obligare a que cometa crímenes horrendos. Crímenes sanguinarios relacionados con la extracción de globos oculares. Un acto sádico y despiadado que el pobre John comete sin oposición por culpa del influjo de su progenitora. Una bruja moderna cuyos poderes podrían traspasar la pantalla del ¡cine! Si porque Patty y Linda son dos entre la multitud de personas que están viendo Mummy, el film donde la anciana y el asesino protagonizan las crueles matanzas. Pero algo raro esta ocurriendo dentro de la sala. El comportamiento de varios espectadores empieza a ser perturbador y de eso se ha dado cuenta Patty, una veinteañera sensiblona que no soporta el visonado de aquel largometraje salido del averno. Intenta irse pero en el pasillo descubre que un tipo muy raro esta planeando algo muy siniestro. Nadie la toma en serio hasta que el individuo, como si estuviese bajo el influjo de la protagonista, comienza a disparar indiscriminadamente contra la muchedumbre dominada por el pánico. Están todos atrapados; todos excepto Linda que conseguirá dar la voz de alarma. Entre el caos y el desconcierto generalizado, la audacia de las muchachas evitará que la desgracia sea mayor. Aunque eso no será el final sino más bien el principio de una locura en la que se mezcla el celuloide y la realidad... o no.


Debo reconocer que cuando descubrí este título de terror psicológico me sentí muy intrigado. Y no por el argumento que aparentaba la típica historia en la que se mezcla la realidad con la ficción, sino por el contexto de la misma. Se trata de una producción española, rodada en Estados Unidos, en inglés y protagonizada por la viejecita de Poltergeist y Michael Lerner (X-Men). Por si esta serie de circunstancias fueran poco significativas, lo más sorprendente es el director: el singular Bigas Luna. Un realizador que se hizo popular por sus dramas contemporáneos subidos de tono. Pues bien, en este caso se aventura con un film que supongo pretendía ser comercial en su momento (1987) El caso es que el resultado es tan ecléctico como la situación que lo rodea. Estamos ante una historia de cine dentro del cine y dentro del cine. Una vuelta de tuerca al género del thriller psicológico que intenta crear una atmósfera angustiosa e inquietante, pero que hoy en día no pasa por ser un thriller correcto sin más méritos. Quitando la mencionada pareja protagonista, los actores son amateurs y las escenas en la parte de la realidad parecen sacadas de una película dogma. Un cine, un puñado de policías y unos pocos tiros es el contenido de ese lado de la acción; por el contrario la película como tal, tiene más medios y es la que salva en cierto modo el galimatias en el que se convierte la trama que intenta ser una paradoja extrema de los intentos de mezclar ficción y realidad (como por ejemplo Pesadilla en Elm Street) Para mi un intento fallido del director catalán, que vio claro que en este género no tenia mucho que hacer.

Nota: 6.6
 
Para recordar: La inquietante Zelda Rubinstein.
Para olvidar: Lo malos que son los 'actores' de la parte del cine.


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miércoles, febrero 01, 2017

Eye in the Sky

UK (2015)

La acción se desarrolla entre Kenia, Inglaterra y Estados Unidos. Aparentemente unos peligrosos terroristas están tramando un golpe letal en el país africano. Los servicios de inteligencia de los ejércitos anglosajones, ayudados por los últimos avances tecnológicos aportados principalmente por los populares drones, ven todo lo que esta pasando en un pequeño campamento situado en una poblada zona de la capital keniata. El único 'escollo' que salvar es la manera de lanzar un bombardeo a distancia en el epicentro de la casa de los criminales. El problema es simplemente burocrático, pues gracias a lo aviones no-tripulados el matar nunca ha sido tan fácil. Un mando a distancia y un botón es lo único que hace falta para aniquilar a cientos de personas. Un juicio rápido por algunos que se creen dioses y una simple orden, son los instrumentos necesarios para masacrar impunemente. Pero esto es un tema controvertido que no conviene que salga de los despachos; además algunos de los peones aún tiene un resquicio de moralidad y se niegan a ejercer de verdugos por el simple hecho de prevenir un potencial ataque del que no hay pruebas categóricas. Pero los intereses son muchos y la inversión millonaria; hay que explotar los nuevos avances en el mundo de la muerte, aunque para ello mueran inocentes que ni siquiera verán la cara de su asesino.


Interesante película que pasó sin pena ni gloria por las carteleras, pero que sin embargo pone de manifiesto de la manera más cruda uno de las epidemias más silenciosas del siglo XXI: los asesinatos del ejercito yanki. Con la excusa de mostrarnos como se comportan los drones, el director Gavin Hood no duda en mostrarnos de la manera más cruda un gabinete de crisis formado por los gobiernos norteamericano e inglés. En una batalla moral al más puro estilo 12 hombres sin piedad, la ética se va diluyendo conforme los intereses y los miedos van ganando posiciones. Con la excusa de presentarnos la guerra a distancia, la trama va ganando en tensión y acritud a medida que los mandatarios se muestran indolentes y quieren ejercer de justicieros en un mundo que no los necesita. Cuando el final se va acercando a los clichés de esta especie de cine bélico-social, el director da un golpe en la mesa y nos pega un puñetazo de realidad que servirá como clara denuncia de lo que están haciendo en nombre de un pueblo que no quiere sus bombas. Que no busca mancharse con la sangre de inocentes para estar a salvo de unos supuestos asesinos. Tan asesinos son los que dan la orden y pulsan el botón, como los que aprietan un gatillo.
 
Nota: 8.0

Para recordar: El valor de narrar las cosas claras.
Para olvidar: Los gobiernos occidentales.


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The Boy

USA (2015)

Una excéntrica pareja de millonarios norteamericanos busca una 'nanny' para cuidar de su 'pequeño' durante el periodo de vacaciones que van a disfrutar. Hasta ahí todo normal. Sin embargo nada más lejos de la realidad. El niño en cuestión no es de carne y hueso si no que se trata de ¡un muñeco! Un muñeco de ventrílocuo que ha ocupado el lugar del maltrecho hijo del matrimonio. Ellos lo tratan como si fuera de verdad y es lo que pretende que haga la niñera durante su ausencia: acostarlo a su hora, leerle un cuento, darle de comer... Una serie de instrucciones simples por la que le pagarán un sueldazo. Es un trabajo muy sencillo y es dinero fácil por lo que la protagonista, Greta, decide seguirles la corriente y hablar del muñeco como si fuera humano. Pero su error será hacer esto solo cuando la pareja esta presente y evitar hacer su trabajo en su ausencia. Obviamente se siente un poco estúpida intentando alimentar a un ser inanimado. Aburrida en la mansión a las afueras donde reside el juguete con sus 'padres', decide invitar a un lugareño y abandonar sus tareas de cuidadora. Es entonces cuando hechos inexplicables comenzarán a suceder, todos ellos relacionados con el muñeco. Situaciones que desembocarán en un final para el que nadie estaba preparado.


Hoy en pinuculas presentamos uno de los títulos de terror más inquietantes de 2016. Sí a priori este 'The Boy' parecía el típico largometraje americano que termina siendo carne de sobremesa o de sesión de madrugada, debo reconocer que el ritmo y la historia me sorprendieron gratamente. Claramente influenciado por los clásicos (Al final de la escalera) el director W. Brent Bell nos presenta una historia siniestra que se desarrolla con suma normalidad durante la primera hora del film. El espectador se verá sorprendido ante la falta de sucesos 'paranormales' que se presupone deben ocurrir. Sin embargo, el realizador ira dando forma a la historia intentando huir todo lo posible de los tópicos del género (al menos contemporáneos) cosa que se agradece enormemente. Puede resultar algo lenta para los menos pacientes, pero en mi opinión el ritmo es muy adecuado para crear una atmósfera de inquietud. Atmósfera que eclosionará acercando la trama peligrosamente hacia los tópicos de los que hablamos, siendo redirigida en el último momento hacia una nueva situación que hace concluir el largometraje de una manera sorprende y dinámica que lo acerca más al thriller que al género de terror. Como siempre digo, una bocanada de aire fresco para un tipo de cine muy desgastado por la industria pero que siempre tiene algo nuevo que aportar (como en este caso)


Nota: 7.7

Para recordar: Los giros que da la historia para no aburrir al espectador,
Para olvidar: La historia tarda un poco en evolucionar, lo que hará bostezar al más impaciente.


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