Vinyl - Serie

EEUU (2016)

Serie de TV de 10 capítulos producida por Martin Scorsese y Mick Jagger para la cadena HBO. Estamos en el Nueva York de los años 70, Richie Finestra es el presidente de American Century, un sello discográfico en Manhattan que cuenta con varios socios y es un negocio bastante rentable. Con la eclosión de bandas de punk, rock o la música disco, en cualquier garito de Manhattan te puedes encontrar a los nuevos New York Dolls y forrarte siendo su representante. El problema está en que los socios quieren vender el sello a una major para poder vivir de las rentas y Richie quiere seguir siendo independiente. Sus alucinaciones, producto de las drogas que consume, le lleva a creer que es una especie de Mesías salvador de la industria discográfica, ahora la empresa está casi en la quiebra por la mala cabeza de Finestra, pero él va a levantar de nuevo la compañía que empezó desde cero. Por ello empieza a hacer recortes de personal, pide dinero prestado a la mafia italiana de NY e intenta descubrir nuevos grupos que le puedan salvar el negocio, su secretaria Jamie, le descubre un nuevo grupo de corte punk, los Nasty Bits, por ahí puede empezar el resurgimiento de American Century, pero el comportamiento de Richie va de mal en peor, está involucrado en un asesinato, la relación con su mujer Devon es tortuosa para ella y sus socios le odian, no hace más que meterse coca y en su autodestrucción se está llevando la compañía y la vida de sus familias por delante. Es mentiroso, traicionero y adicto pero no hay nadie mejor que él para descubrir nuevos talentos en el mundo del rock, tiene intuición, buen oído y se anticipa a lo que quiere el público, de ahí su éxito y su declive.

Como se puede observar esta es un serie que gira alrededor de un personaje principal que es Finestra, interpretado magníficamente por Bobby Cannavale, el otro personaje fundamental para este relato es la música, absoluta protagonista en los primeros capítulos de la serie, ante tus ojos ves desfilar a la Velvet Underground, a David Bowie, a Alice Cooper y a Lou Reed, bastante bien caracterizados por cierto. En el primer episodio que dirige Scorsese (de casi dos horas de duración) se centra en la escena musical de ese Nueva York tan interesante y con tanto brío, son episodios muy buenos que degeneran en la historia de mafiosos que prestan dinero al protagonista, este se droga un montón porque tiene problemas con la justicia y su familia y ya tenemos la típica serie de la HBO. No es que la calidad sea baja porque el listón de HBO es bastante alto, pero tienes la sensación de que esta historia ya te la han contado y no es nada original. Los actores están más que correctos en sus interpretaciones, incluso para generar morbo en el capítulo 6 hay un desnudo integral de la mujer de nuestro protagonista (Olivia Wilde), pero ahí es cuando empieza el declive de la serie, la música es un elemento secundario y para eso ya tenemos 'Los Sopranos' o 'Boardwalk Empire', serie donde aparece el mismo Bobby Cannavale. Solo ha tenido una temporada y ya se ha anunciado que no se renueva, supongo que tendrían problemas de presupuesto, imagino que costaría mucho dinero cada episodio. Pero casi que lo prefiero, la historia al final la medio arreglan y la última escena se desarrolla en lo que sería el mítico CBGB newyorkino, que mejor antro para cerrar una serie sobre el rock y NY. Una serie recomendable para amantes de la música o de tramas mafiosas.

Para Recordar: que la música puede cambiar el mundo y que ese Manhattan de los años 70 era una ciudad que estaba cambiando el mundo a través de su música, era donde se producía arte.

Para Olvidar: que estas series de HBO siempre acaban siendo tramas donde mafiosos, a poder ser italianos, prestan dinero al más drogado y colgado. Así se desarrolla un guión ya muchas veces visto en esta cadena.



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Vi är bäst! (We Are the Best!)

Suecia (2013)

Producción dirigida por Lukas Moodysson, ganadora a mejor película en el Festival de Tokio y varios premios Guldbagge de la academia de cine sueco. Bobo y Klara son dos niñas de 12 años que van al instituto en Estocolmo en el año 1982, son muy amigas y su gran hobby es la música, les gusta el punk, música con gran carga emocional, fuerza y bastante fácil de tocar. Por eso deciden formar un grupo de este género tan nuevo como es el punk en los comienzos de los años 80, Bobo que es de carácter más retraído tocará la batería y Klara será la vocalista. Tocan de pena y siendo ellas dos solas no tienen ningún futuro en la música, aunque tampoco es que les importe mucho. Un día descubren a Hedvig, una chica rubia de su edad muy formal y que toca de maravilla la guitarra de formación clásica. Bobo quiere que entre a formar parte del grupo, así además les enseña a tocar la guitarra o la batería. El cambio para Hedvig será total en su forma de ver la música, pero antes hay que cambiar su aspecto físico y nuestras protagonistas le rapan el pelo a cero. Los padres de Hedvig montarán en cólera ante lo que han hecho con el cabello de su hija. Pero a pesar de las dificultades de sus familiares y que la gente del instituto se ría de ellas, siguen adelante y componiendo temas que no tienen sentido alguno, como muy nihilistas. Conocen a otros grupos punks, principalmente de chicos que les acogen y les animan a seguir tocando. También vendrán los primeros enamoramientos y los posteriores celos entre ellas por su posición dentro del grupo o por algún chico que se interpone entre Bobo y Klara. Todo terminará con la primera actuación en directo del grupo, una actuación en un gimnasio a las afueras de Estocolmo, en Vasteras, donde se meterán con el público del lugar y las tienen que sacar del escenario porque acabarían siendo agredidas, siempre con actitud punk.

El director de producciones como Lilja 4-ever o Fucking Amal ahora nos sorprende con una comedia ambientada en los años 80 y sobre la eclosión del punk mediante unas niñas de 12 años. Una idea un poco loca que es difícil que pudiese cuajar en un gran relato. Pero en lo sencillo es donde a veces está la solución y crear una comedia con esta temática, requería el tratamiento que el director muestra. Se puede explicar que es el punk mediante unas niñas adolescentes que tienen las ideas más frescas y revolucionarias que cualquier adulto "intoxicado" por la política y sus prejuicios. Es el mayor acierto de esta película. Con unos actores correctos y una ambientación que sorprende (realmente uno se imagina así Suecia en los años 80) uno pasa un rato entretenido viendo las aventuras y primeras experiencias de estas tres chicas. Por otra parte es un poco exagerado el relato y poco creíble, siendo unas protagonistas tan jovencitas son muy sabiondas y no me casa su comportamiento con niñas de su edad, a veces se fuerza demasiado y eso le hace perder mucha veracidad. Aunque tampoco eso es importante, estamos ante una comedia y no hay que andar sacando punta de que lo que se cuenta no es muy creíble. Lo importante es sacarte una sonrisa y la moraleja del relato. Recomiendo más los títulos anteriores como 'Lilja 4-ever' y 'Fucking Amal' pero no te llega nunca a decepcionar Lukas Moodysson.

Para Recordar: que el punk no es  un género musical, es una actitud ante la vida, hazlo tu mismo sin importar que piensen los demás.

Para Olvidar: las protagonistas son unas "marisabidillas" para solo tener 12 años, un tanto forzado. 



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Time of Eve

Japón (2010)

Producción de animación dirigida por Yasuhiro Yoshiura, lo que empezó siendo una miniserie de 6 capítulos en el año 2008, se convirtió en una película estrenada en cines en el 2010, siendo premiada por el festival de Anime en Tokio. En un futuro los habitantes de Japón dispondrán de androides que les facilitarán mucho sus vidas, realizarán las tareas cotidianas que tanto nos fastidian y tanto tiempo nos quitan. Estos androides de aspecto totalmente humano se identifican por el aura visible que tienen encima de sus cabezas. Rikuo, un adolescente que asiste a la escuela secundaria y que toca especialmente bien el piano tiene un androide llamado Sammy, al ver que su androide sin esfuerzo alguno tocaba tan bien o mejor incluso el piano que él, ya ha desistido de la música. Disfruta junto a su amigo Misuko y es un estudiante aplicado. Le interesa el mundo de los androides, está acostumbrado a vivir rodeado de ellos, conoce bien las 3 leyes de la robótica de Asimov y le preocupa la nueva moda en Japón donde hay personas que tratan a sus androides como si fueran un humano e incluso los prefieren a los propios humanos, son los Dorikei. Rikuo vigilando a su androide Sammy observa que en el registro de actividades del robot hay una dirección que no ha programado él, es la cafetería "The Time of Eve". Hasta allí van nuestros protagonistas Rikuo y Misuko. Nagi, la mesera, nada más entrar, les informa que la regla principal del lugar es no discriminar, ya sean humanos o androides. Allí los androides no están obligados a mostrar sus anillos que los identifican como tales, siendo ésta una ley obligatoria. Rikuo y Misuko no tienen manera de diferenciar en este pequeño mundo quienes son los humanos y quienes son los robots, se establecen nuevas relaciones no conocidas anteriormente y podrían incluso violarse las leyes de la robótica de Asimov.

Se suele asociar al género de la animación con el público infantil, aunque cada vez menos. Se realizan muchas películas de adultos en este género y el anime japonés por supuesto tiene muchos títulos de esta temática, sobre todo con la robótica y el futuro de los habitantes de la Tierra. Esta producción es bastante interesante, un micromundo se abre tras cruzar la puerta de "The Time of Eve" y esos robots tan obedientes con su anillo encima de sus cabezas, ya son seres pensantes que demuestran sentimientos, el aura desaparece y se igualan a los humanos, en la cafetería todo son buenos propósitos y se pinta un mundo ideal, pero eso tampoco es la vida real. La violencia, el odio o el rechazo también forman parte de la manera de ser de los humanos y que nunca se debería dar en el mundo de los androides. Un robot nunca podría hacer daño a un humano, también debe obedecerlos a no ser que se incumpliese la primera regla de no hacer daño a un humano y por último tiene que proteger su propia existencia a no ser que incumpliese la primera o segunda ley. Dentro de "Time of Eve" como no se sabe quien es quien, es imposible saber si se está haciendo algo ilegal, aunque ya el mero hecho de que no se muestren los anillos de los androides no es legal. Se originan conversaciones muy curiosas y una trama donde Rikuo ve la cara "humana" de Sammy que realmente le atrae. A destacar la música de la producción y un guión bastante bien elaborado, el ritmo del relato es el adecuado, nunca te aburres y lo más importante dentro del cine, te entretiene y aprendes algo. Es por eso que la recomiendo para todos los públicos, incluso para los más pequeños.

Para Recordar: refrescar la memoria con las 3 reglas de la robótica de Asimov y que es una historia muy humana, a pesar de que los robots sean los que en la película son los que tienen el comportamiento más humano.

Para Olvidar: la niña pequeña de la cafetería me ponía de los nervios, que chillona y que insustancial, típico personaje del anime japonés que no soporto.



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Trailer en japonés con subtítulos en inglés



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Eisenstein en Guanajuato

Holanda (2015)

Sergei Eisenstein esta medio desahuciado en su carrera profesional. Sin embargo, en el plano artístico el director ruso esta pletórico. Algo encasillado tras el inesperado éxito del 'Acorazado Pontenkin' el realizador decide irse al México más profundo para contar una historia existencial alejada del ambiente comunista que le dio la fama. Algo bastante arriesgado desde todos los puntos de vista: en Hollywood, de donde vienen los ingresos de Sergei, quieren seguir haciendo 'sangre' con historias que ensucien la imagen de la Unión Soviética; en la madre Rusia, Stalin quiere que su cineasta pródigo vuelva y filme las maravillas del nuevo sistema comunista. En medio esta batalla logística, Eisenstein que ha perdido el interés por todo lo relacionado con la política y solamente quiere grabar al pueblo llano. Y que mejor lugar para alcanzar sus propósitos que Guanajuato, una pequeña ciudad en el estado del mismo nombre en el centro de Méjico. Allí todo es primitivo, puro, sin aditivos. Este es el principal encanto para el artista protagonista, que en un alarde de imaginación, comienza a filmar cada situación cotidiana. Además, a la vorágine artística se une el descubrimiento del amor y de su inclinación sexual. Su homosexualidad se destapa de la mano de un galán local llamado Palomino, que, gracias a su elegante verborrea, engatusa al cineasta y le hace multiplicar su 'locura' creativa. Pero esto solo puede durar mientras el dinero fluya alegremente, dinero americano, dinero que no esta interesado para nada en aquel extraño documental que se esta gestando en Guanajuato. Por eso Eisenstein será extirpado como un quiste del país centroamericano y su potencial obra maestra, se verá abocada al olvido más absoluto.

Hoy tenemos en Piniculas una pieza de difícil clasificación. Podemos decir que es una biografía poética de uno de los directores malditos de mediados del siglo XX, Sergei Eisenstein es un director clave en la historia del cine gracias a obras legendarias como el 'Acorazado Pontenkin' o 'Los 10 días' que conmovieron al mundo. Aunque más que una biografía, el director Galés, Peter Greenaway, relata un pasaje muy específico del realizador ruso: su corto periplo por tierras Mejicanas. En este periodo, desconocido para el gran público, parece ser que se gestó lo que podría haber sido la obra cumbre del aclamado director ruso. Sin embargo, la política, el dinero, las circunstancias y, sobretodo, la excentricidad de Eisenstein, hicieron que la obra cayera en el olvido y que solo se pueda ver parcialmente montada en reposiciones de filmoteca (por ejemplo Eisenstein's Mexican Project). Como se puede entender, este argumento tan específico, no es fácil de digerir para los profanos en la obra de Sergei y la película resulta algo pesada y lenta. El planteamiento, aunque original, tampoco ayuda al ritmo. Greenaway trata de mostrarnos con una narrativa poética, como el cine de los años 30 estaba envilecido por la industria norteamericana. Si bien es cierto que la mención a los clásicos hará las delicias del espectador más cinéfilo, el resultado final es una amalgama de escenas, de sentimientos, de experiencias que el protagonista disfruta sin compartir con la audiencia. Floja película de la que se podía haber sacado más si el director hubiese sido más flexible y hubiese dejado de lado su punto de vista personal. Además, una ciudad super interesante como es Guanajuato (doy fe), se retrata de manera superficial. Una pena no sacar más partido al magnetismo del lugar.

Nota: 6.9

Para Recordar: La alegoría a la siesta. Memorable

Para Olvidar: El batiburrillo que se monta en la cabeza de Eisenstein una y otra vez.

 

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Synecdoche, New York

USA (2008)

Caden Cotard es un director teatral que vive en la populosa ciudad de Nueva York. Su vida ha traspasado los límites de la ficción y la realidad. Y no tan solo en aspectos digamos, más comunes, sino que su paranoia le lleva a imaginarse que hasta su familia le abandona para vivir en Europa con una pareja lesbiana. Caden se ve a si mismo reflejado en cada aspecto de la vida cotidiana: el es el protagonista de anuncios, de reportajes en revistas y hasta de dibujos animados. Por si estas excentricidades fueran pocas, el director cree que su hija pequeña creo un diario que se actualiza en tiempo real. Para culminar este conjunto de despropósitos, Caden ha decidido crear una obra que recreará la vida del propio artista en un Nueva York a escala real. Los protagonistas serán actores que encarnarán el entorno del señor Cotard y la obra nunca se terminará, pues representará cada día que Caden pase en la ciudad. Una pieza dinámica repleta de complejidad, donde los actores se retroalimentarán de la existencia de Caden. Una existencia que por otra parte resultaría insulsa de no ser por la locura transitoria del protagonista y las situaciones que se crean durante las representaciones ficticias que se mezclan con la realidad para esculpir una vida por encima de la vida. Una existencia monótona que se ilumina cuando los focos del escenario principal se encienden al ritmo de los pasos de los viandantes de la Gran Manzana.

De nuevo una pieza de Charlie Kaufman ocupa el espacio de nuestro blog. En este caso Charlie se ocupa del guión y de la dirección con un resultado dispar. La ambiciosa y compleja historia que se crea alrededor del protagonista hace perderse al espectador y, en muchos momentos, aburrirse. El largometraje esta plagado de momentos brillantes, como el diario en tiempo real, la mujer que vive en la casa en llamas, la hija que se marchita y un largo etcétera que convierten la trama en una sucesión de subtramas secundarias que desembocan en una obra de teatro imposible que da una vuelta de tuerca al género denominado 'cine dentro del cine' (en este caso teatro dentro del cine). Kaufman pretende crear una historia existencial con trasfondo surrealista, pero la enorme complejidad de lo narrado, solo deja tiempo de imaginar lo que realmente esta ocurriendo, cosa que nunca sabremos si es verdad o no debido a la paranoica mente de Caden y la recursividad extrema que va adquiriendo el guión a medida que nos acercamos a un desenlace que, como no, culmina con la muerte. En definitiva, estamos ante la que probablemente es la pieza mas enrevesada de Charlie, que aunque pesada en muchos momentos, al menos deja espacio a la reflexión. Muy apta para el que le guste darle vueltas a las cosas.

Nota: 8

Para recordar: El cura transcendental hablando de la vida y su conclusión: ¡que os jodan a todos!
Para olvidar: Lo pesada que se hace la película en algunos momentos


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Leviatán

Rusia (2014)

Producción dirigida por Andrei Zvyagintsev, ganador del Globo de Oro a mejor película de habla no inglesa y premio al mejor guión en el festival de Cannes. Kolia vive en un pueblito a orillas del mar de Barents, al norte de Rusia. Tiene una mansión donde vive junto a su segunda mujer (Lilya) y su hijo (Roma) fruto del primer matrimonio. Con el taller mecánico que tiene en el garaje de la casa se puede ganar la vida y tener una existencia tranquila junto a su familia. Pero la vida te complica y el alcalde del pueblo quiere expropiarle su casa a cambio de nada, para ello el alcalde tiene de su parte a la justicia rusa y a la iglesia ortodoxa, dos grandes enemigos para que Kolia pueda continuar viviendo en su hogar. Nuestro protagonista contrata los servicios de un abogado amigo suyo muy prestigioso en Moscú, Dmitriy será quien se enfrente a la demanda de expropiación de la mansión de Kolia, pero el monstruo de la corrupción es tan enorme que es una lucha desigual y perdida, el alcalde amenazará a Dmitriy para que se vaya. Para colmo de los males de Kolia, su mujer tiene una aventura con el abogado y los descubre, aunque luego hacen las paces, la culpa que corroe a Lilya hace que se suicide e implican a Kolia en la muerte de su mujer, es acusado de asesinato. Su plácida vida ya no tiene sentido, ni hogar, ni amigos y ni siquiera familia, solo su hijo Roma. Tantas desgracias harán que Kolia caiga víctima del alcoholismo a causa del vodka y terminará con sus huesos en la cárcel. Su hermoso hogar será derribado por orden del tribunal de la región y se construirá una Iglesia en ese lugar. La bestia que simboliza el Leviatán de la Biblia es el propio sistema corrupto ruso.

Albergaba muchas esperanzas con esta película, grandes críticas, muy premiada e incluso sale en las listas de mejores películas del siglo XXI, pero luego me he quedado bastante decepcionado, el argumento que es interesante y una buena historia se queda en un segundo plano ante la desesperante falta de ritmo y sentido de la narración. Todo resulta muy pesado, los diálogos muy básicos, sin fuerza alguna y los actores no muestran emociones, muy fríos, cuando el tribunal lee la sentencia parece que te están tomando por tonto. No llego a entender el mérito de este film, los paisajes sí que son impresionantes, pero esto es cine y no basta con rodar en sitios extraordinarios. Espero que El Regreso, cinta de este mismo director, esté mucho mejor. Será la última oportunidad que le dé. Sin duda, 'Leviatán', poco menos que ha sido un fiasco y desde luego no la recomiendo, son dos horas y veinte minutos donde sabes que está pasando pero no te crees que hayan hecho un tratamiento tan pesado para la historia que es, la corrupción, la infidelidad y la traición tienen mucha más emoción que lo que muestra esta película.

Para Recordar: los impresionantes paisajes del pueblecito al lado del mar de Barents y como en la actual Rusia es la corrupción quien manda, su transición del comunismo al capitalismo ha sido de la peor manera posible, mediante la oligarquía.

Para Olvidar: la lentitud de esta película, falta de ritmo totalmente. El alcoholismo de los rusos con el vodka, que tópico tan explotado.



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Mommy

Canadá (2013)

Producción dirigida por Xavier Dolan, premio del jurado en el festival de Cannes y mejor film extranjero en los premios César. Steve es un adolescente que padece el ADHD (Trastorno Hiperactividad con Déficit de Atención), en Canadá el Estado puede hacerse cargo de él internándolo en un centro especial y quitar la tutela a los padres. Su madre, Diane 'Die' Després, no quiere estar lejos de su hijo y decide que no va a estar más en el centro y que ella la educará, es viuda y tendrá que hacer frente a una difícil situación para el tratamiento de la enfermedad de Steve. A veces se pone violento, insulta a quien se le ponga por delante y se mete en bastantes líos, aunque también es un chico dulce, cariñoso y que quiere a su madre. Enfrente de su casa vive un matrimonio, la mujer, Kyla, está de baja a causa la depresión que le produjo su trabajo como profesora y tiene problemas de comunicación oral. Ahora se ofrece como voluntaria para en ocasiones cuidar de Steve cuando Diane no esté, así, poco a poco, se podrá ir integrando en el mundo laboral al que antes pertenecía y a empezar a comunicarse con el mundo exterior. Entre los tres se establece una relación muy especial, cuyo nexo de unión es este chaval tan problemático que les hará enfrentarse a estas dos mujeres a múltiples situaciones de estrés y les obligará a las dos a tomar decisiones a veces dolorosas. Pero entre tanto estrés, hay también ratos donde son felices, lo pasan bien y nunca se olvidarán.

Película dirigida por el joven Xavier Dolan, el nuevo 'enfant terrible' del cine independiente, anteriormente ya comentamos su ópera prima Yo maté a mi madre, donde había algún trazo que indicaba que iba a dar bastante que hablar y que estábamos delante de una nueva promesa del séptimo arte, esa promesa ya es una realidad a sus 25 años y aquí construye un relato de tres pirados que llega al espectador por el buen trabajo realizado de guión y un estupendo trabajo por parte de los actores, especialmente de Suzanne Clément como Kyla, su trabajo para mostrar la incapacidad de poder comunicarse es simplemente genial. Pero no solamente tenemos un buen guión y actores, también hay ritmo, buena música y la película no se hace para nada pesada. Como punto negativo y bastante malo es que el director acorta la pantalla para contar la historia y eso es muy molesto. Seguro que lo ha hecho para ser diferente y vender una nueva técnica que precisamente no aprovecha la calidad que tienen las pantallas de ahora en formato televisión, me imagino que ver esta película en el cine tiene que ser insufrible porque desaprovechar una pantalla tan grande adrede tiene que ser frustrante para el espectador. Podría haber sido una película redonda y este detalle, que es muy importante, echa bastante a perder lo que es un trabajo magnífico y que te emociona. Es por eso (que emociona) por lo que la recomiendo, te hace pasar un buen y mal rato de la pena que te da este trío protagonista y hasta te encariñas un poco con ellos.

Para Recordar: es una buena historia, bien contada y no era nada fácil porque son personajes complicados de caracterizar, también muy complejos para actuar, los actores están muy a altura. Impresionante banda sonora con temas de Oasis o Lana del Rey.

Para Olvidar: demasiados gritos por parte de la pareja protagonista de madre e hijo y la modernez del director de acortar la pantalla para contar la historia, me parece una tontería que simplemente la realiza para que se hable sobre él.



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NOLA? Irun Meets New Orleans

España (2015)

Producción documental dirigida por el músico vasco Fermín Muguruza, antiguo componente del grupo Kortatu y Negu Gorriak. 10 años después del huracán Katrina que asoló la ciudad de Nueva Orleans, Fermín viaja hasta esta ciudad tan musical para grabar su nuevo disco compuesto de 10 temas, también realizará este documental de como fue la experiencia de grabar estos temas con los músicos de allí. Con el patrocinio de la cadena de radio WWOZ de Nueva Orleans se empiezan a grabar las canciones en la misma cadena, otras en salas míticas de la ciudad como el Reservation Hall y entre ensayos y grabaciones los músicos hablan de la catástrofe que fue el Katrina para New Orleans (Nola como la llaman los lugareños) y como fue la posterior reconstrucción de la ciudad. Obras que aun no han terminado pero que gracias a la voluntad de la gente de allí y la ayuda de muchos de estos músicos regresando a la ciudad, han podido conseguir que la ciudad no desapareciera. Si en Las Vegas lo que mueve la ciudad es el juego, en Nueva Orleans es la música y luego su gastronomía tan especial, es por ello que hay muchas personas y grupos que quieren que eso no desaparezca, es su modo de ganarse la vida, una filosofía y un estilo único que hace tan especial a este lugar. También se debate de otros temas como la gentrificación, las ventajas e inconvenientes que tiene, ya que, es positivo que otros artistas como en este caso vengan a aportar algo a otro lugar pero también hay aspectos negativos, los barrios que antes fueron ocupados por familias de clase media baja, ahora son guettos de nuevos ricos que desplazan a la población del que fue su barrio de toda la vida.

Segundo documental que comentamos que fue proyectado en el festival madrileño de documentales Documenta Madrid en el Matadero de Madrid Río y que también contó con la presencia del director de la cinta, el compositor vasco Fermín Muguruza, muy contento además de presentar este trabajo en Madrid y orgulloso de poder posteriormente presentar su disco en una de las salas del circuito madrileño. Fermín estuvo vetado durante muchos años y no podía tocar en la capital. El documental es muy entretenido e interesante, para los seguidores de la serie Treme muchas cosas ya te suenan pero para los que no la han visto se aprenden muchas cosas. En mi opinión grabar el disco allí fue una manera excusa para viajar y estar en contacto con otros músicos y otros estilos musicales ajenos al ska que práctica nuestro protagonista, antes de esta experiencia con el blues y el jazz, estuvo en Jamaica explorando el reggae. Fermín es un artista multidisciplinar, no solo apuesta por la música, también por el cine y toca diferentes palos para que su carrera no se quede estancada, aunque y esta es una opinión personal, siempre me ha sonado igual. Muy recomendable este documental aunque ni sepas quien es este cantante.

Para Recordar: la música de jazz de Nueva Orleans, la WWOZ que es una cadena de radio muy importante e interesante. Las reflexiones de Muguruza y los músicos de la ciudad acerca del papel de la música que es tan importante allí, articula mucha de la vida de esta ciudad sureña de EEUU, tras el Katrina se ha vuelto todavía si cabe más importante.

Para Olvidar: las canciones y el estilo de Muguruza son bastante particulares, así que por mucho que vaya a Nueva Orleans, Buenos Aires o Memphis su música va a ser muy parecida. Este experimento ya lo hicieron los Foo Fighters con su disco 'Sonic Highways' y pasaba lo mismo que con nuestro protagonista, su música era Foo Fighters, no cambiaba nada.



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Para escuchar WWOZ Radio New Orleans




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35 y soltera

Argentina (2015)

Producción documental dirigida por Paula Schargorodsky y protagonizado por ella. Paula tiene 35 años, ha vivido un Argentina y en Italia y ha tenido múltiples parejas que o la han dejado o ella los ha dejado. Sigue soltera, sin hijos y todas sus amigas se han casado y alguna ya tiene también hijos, ella es la última soltera y este hecho le lleva a la reflexión y a preguntarse de como ha llegado actualmente a esta situación. Es por ello que se pone manos a la obra y saca de su cajón las diferentes cintas grabadas de cada una de sus ex parejas y va a visitar a cada uno de ellos para encontrar la razón de por qué una relación no le ha durado más de dos años. Empieza por el que creo que fue el amor de su vida, el chico que le rompió el corazón cuando la dejó siendo muy jovencita, ahora se llevan bien pero sus vidas son muy diferentes y aunque algo de amor queda, no funcionaría. Luego se embarca hasta Italia para ver a su ex pareja italiana que tuvo cuando estudió en el país transalpino, vivían en el bosque en una comuna hippie y fue Paula quien terminó la relación porque quería ver más mundo y no quedarse en esa comuna. Por último viaja hasta Uruguay a ver al hombre con el que tuvo la relación que más se aproximó a boda, hacía teatro y marionetas, la relación terminó por apagarse y no podía avanzar. Todo esto intercalado con las intervenciones de familiares y amigos de Paula que opinan que forma de ser tiene nuestra protagonista y cuales son las razones por las que sigue soltera y sin descendencia.

Película programada dentro del festival madrileño de documentales Documenta Madrid que se proyectó en el Matadero de Madrid Río y que contó con la presencia de la directora argentina para posterior coloquio después de la proyección. Paula se hizo famosa a través de un cortometraje donde contaba en formato reducido su elección por la soltería y no tener hijos, fue ampliamente visionado por las redes y consiguió la financiación para realizar esta obra. Un relato donde apenas me acuerdo de los detalles de por qué sus relaciones fracasaron pero donde queda clara la idea de que ella no busca una vida convencional donde tenga que casarse y tener hijos, por eso también se ve reflejado que los hombres que han pasado por su vida tampoco eran personas convencionales, uno no va conociendo a gente que vive en comunas o que se gana la vida haciendo marionetas todos los días. Paula es brutalmente sincera, ha llevado una vida como a ella le gustaría y aunque duda por ella misma y por el entorno que la rodea, no se arrepiente de lo que ha vivido, es más, su verdadero amor creo que es el cine y controla todo el documental, incluso haciendo caso omiso en algunas decisiones de su compañera en el guión Julieta Steinberg. Me pregunto como sería esta obra si hubiese sido un hombre quien la hubiese protagonizado, el tema de buscar un compañero con el que vivir y la maternidad se da de una manera bastante natural desde la perspectiva femenina, incluso a Paula la llaman la Brigdet Jones argentina, pero el tema de la paternidad y hombres solitarios no se aborda apenas. ¿Será otro síntoma de sociedad patriarcal donde tenemos que analizar a las pobrecitas mujeres que se quedan solas y a los hombres no? Es un debate muy interesante.

Para Recordar: que no es el sueño de todas las mujeres el casarse y tener una familia, en este siglo ya encontramos muchos modelos diferentes tanto de familias como de gente soltera y todos los modelos son válidos. No tiene porque andar una mujer continuamente justificándose porque tenga una edad más avanzada y aún no esté casada o sin hijos.

Para Olvidar: te queda la impresión de que el relato en ocasiones es muy caótico y desorganizado. La idea se entiende pero el tratamiento a veces es farragoso, el ritmo a veces es frenético y otras veces es lento, hay saltos que no se entienden, etc...

Entrevista con la protagonista Paula Schargorodsky antes del estreno de la película en Documenta Madrid 2016.



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Without a Clue

UK (1988)

La archiconocida pareja formada por el detective Sherlock Holmes y el médico venido a menos, John Watson, acaban de resolver otro enmarañado caso. El talento del detective parece no tener límites ¿pero cual es el secreto de tamaña inteligencia? Parece ser que todo se esconde de puertas para dentro. Y es que en la casa de los investigadores la realidad es muy diferente. Holmes esta todo el día bebiendo, fingiendo que toca el violín y esperando que caiga la noche para pasarla en la cama de cualquier mujer de malvivir. El 'responsable' de esta situación es el bueno de Watson, cuya timidez y falta de personalidad le ha hecho contratar a un 'actor' para que protagonice en primera persona las andanzas del detective creado por su privilegiada mente. La realidad superó a la ficción y ahora el negocio detectivesco le esta proporcionando pingües beneficios. Beneficios que por otro lado esta dilapidando Sherlock gracias su vida díscola. El doctor, harto de los desdenes del protagonista, decide prescindir de sus servicios, obviamente sin revelar su pequeña 'travesura'. La nueva formula con el cerebro de Holmes, pero sin su cara, no parece funcionar y el médico deberá readmitir al tunante artista para intentar resolver un asunto que puede afectar a la corona. Ahora es el momento de la verdad y ambos deberán luchar contra los elementos, contra el terrible Moriarty y, sobretodo, contra las meteduras de pata de Sherlock Holmes, una farsa que se convirtió en leyenda.

Hoy en piniculas tenemos una inteligente comedia que se podría encajar dentro del género detectivesco. Una obra que no puede faltar en la filmografía de los fanáticos de Sherlock, entre los que por supuesto me incluyo. Si en “La vida privada de Sherlock Holmes”, Wilder no mostraba el lado más intimo del sabueso, en Sin pistas, Eberhardt desenmascara al investigador y cuenta toda la verdad de uno de los engaños más grandes de la literatura. Gran idea y nueva vuelta de tuerca a un sub-género que parece inagotable. Un Holmes que en diferentes campos artísticos ha sido gay, un fraude, ha viajado al futuro, al pasado, ha conocido a Jack el Destripador e incluso ha peleado contra ¡zombies! Todo vale para el genio que siempre lleva sombrero con orejeras (o no). En este caso la trepidante comedia planteada por el director ofrece al espectador algo más que una curiosa idea. Estamos ante un film de humor con tintes de suspense y de aventura clásica, al más puro estilo de Blake Edwards. La trama se ve reforzada por la interpretación de dos monstruos como son unos jovencísimos Ben Kingsley y Michael Caine en una faceta en la que poco se han prodigado en su dilatada carrera. Por lo demás, no hay que buscar más complejidad en una historia sin puntos de reflexión. Esta es una pieza para entretener al espectador inteligente que no quiere ver la misma basura de siempre.

Nota: 8

Para recordar: La escena del perro; delirante.
Para olvidar: El abuso de algunos tópicos.


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La isla de Giovanni

Japón (2014)

Producción de animación dirigida por Mizuho Nishikubo, distinción especial del jurado en el Festival de Annecy. Como resultado de la invasión del ejército rojo tras derrotar al ejército nipón, la pequeña isla de Shikotan quedó unida a la de Sajalin Oblast. La vida de sus habitantes iba a cambiar por completo y los rusos se instalaron en la isla. Giovanni (en realidad Junpei) y su hermano pequeño Campanella (en realidad Kanta, que manía con occidentalizar hasta los nombres) viven al principio ajenos a esta situación, solo quieren jugar con los trenes y ser felices. Pero en cuanto la invasión se hace efectiva, los cambios también van a venir para ellos. Su casa es expropiada y ahora vivirán en el cobertizo junto a su padre, su tío y los animales. En la escuela, la mejor aula será para los niños rusos y tendrán que aprender el nuevo idioma y adaptarse a un nuevo temario. Lo que en principio parece ser un desastre para todos, para Giovanni y Campanella es la oportunidad de hacer una nueva amiga, Tania, una chica rubia rusa de la edad de Giovanni algo tímida pero muy buena. Esta amistad no es conveniente para nuestro protagonista, su padre y su tío están aun luchando en la resistencia y si Tania ve o escucha algo sobre los planes de los habitantes de la isla, podría poner muchas vidas en peligro si ella hablase con su padre que es oficial ruso. En una de las emboscadas del padre de Giovanni él cae preso. El tío, la maestra y los dos hermanos se ven obligados a huir para que no les apresen también, empieza un largo viaje donde pasarán muchas penurias, mucho frío y donde Giovanni se hará adulto. A lo mejor ya no puede volver nunca más a su pequeña isla.

Preciosa película de animación algo sentimental y cursi pero que engancha desde el principio, además al ser una historia basada en hechos reales hace que te impliques un poco más. Con una mezcla de cruda realidad y la mente fantasiosa de los dos hermanos japoneses se crea una perfecta mezcla de como en una tragedia también existen cosas buenas. Podría haber sido tranquilamente una película con actores de carne y hueso para un drama de época, he aquí la originalidad, que lo hacen con dibujos animados y es para todos los públicos, es entretenida tanto para mayores como para los niños. En cuanto a que sea un poco cursi no le concedo importancia, ya que, lo que de verdad importa es que emocione y a en mi caso me emocionó, como puede ser que me entristezcan tantos las penurias de estos simpáticos hermanos japoneses que no son más que unos trazos de animación. También destacar que para hacer buen cine anime en Japón no hace falta ni lolitas, ni criaturas mágicas de otros mundos ni efectos visuales espectaculares. Con una buena banda sonora, basado en hechos reales y con un buen guión logras una producción muy recomendable que entretiene, enseña y que te hace sufrir un poco, es un gran drama el final que no quiero desvelar.

Para Recordar: esta historia está basada en hechos reales, todo un ejemplo de intento de convivencia entre niños de dos lugares diferentes que su inocencia y pureza hace que se salten las barreras de la incomprensión adulta a pesar de las terribles consecuencias que trae la posguerra.

Para Olvidar: es una historia muy triste, Giovanni y su hermano pequeño Kanta lo pasan realmente mal, aun siendo dibujos animados sufres por ellos, es como si fueran reales y es que en realidad estos hechos ocurrieron.



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Cien años de perdón

Spain (2016)

En un día especialmente lluvioso, un grupo de encapuchados irrumpe violentamente en un banco español, de esos que han empezado a hacer reducción de personal. El cabecilla del grupo, que parece bastante preparado, comienza a dar ordenes con acento sudamericano, probablemente argentino. Siguiendo los cánones de todo buen atraco, atan a los rehenes y empiezan a vaciar las cajas de seguridad. Pero parece que no todo está cumpliendo el cauce habitual. Parte de los ladrones esta haciendo un agujero en el suelo para enlazar con las alcantarillas; otra parte vigila a los clientes del banco y les han dejado que llamen a sus familias para decir que están bien. Esto claramente alertará a la policía sobre la situación, cosa que no inquieta a los asaltantes. Parece que tienen un plan B mejor que el A. Pero no habían contado con la lluvia torrencial ni con con que el motivo principal del atraco no es el dinero. Alguien no ha dicho toda la verdad y aparentemente, el verdadero 'tesoro' es un objeto escondido en una de las cajas. Las altas esferas andan detrás de 'eso' y no van a permitir que nada salga mal aunque para ello tengan que abortar la operación de cualquier manera. La cosa se pone fea pero el Gallego y compañía no se van a rendir fácilmente. Solamente hay que cambiar las prioridades y deberán robarle a un ladrón, cosa, que como todo el mundo sabe, tiene cien años de perdón.

El amigo Calparsoro se adentra de nuevo en su genero preferido, el thriller de accion. Esta vez acompañado del prolífico Jorge Guerricaechevarría (El día de la bestia, Celda 211), intenta dar un giro a la típica película de atracos para crear una obra algo compleja, con intriga, humor negro y denuncia politico-social. Quizás objetivos algo ambiciosos para un realizador visceral como lo es Calparsoro. Durante la primer media hora, la historia nos atrapa y nos invita a disfrutar con buen cine de suspense estilo patrio aunque con pinceladas yankis. Algo que no incomoda y que nos hace rápidamente ser participes de la situación. La cosa empeora cuando el pastel se descubre y comienza una especie de alocada carrera contra reloj para salir de banco a cualquier precio. La veracidad se pierde, la limitación de exteriores hace pesada la trama y la mezcla de conspiraciones nos hará perder la perspectiva de lo que de verdad importa: los atracadores y su plan. Un plan que tienen un trasfondo político pero que realmente poco tiene de idealista y de social, porque lo que al final importa es lo de siempre: la pasta. Nadie es Robin Hood y ninguno de los delincuentes quiere librarnos de la opresión bancaria. Solo quieren su parte y vivir su vida lo mejor posible, independientemente de que el pueblo español este ahogado por la crisis y sus gobernantes. Este innecesario paréntesis para identificar quien maneja los hilos, afortunadamente termina cuando el film se acerca al desenlace. Un desenlace que de nuevo nos atrapará y nos dejará con un buen sabor de boca, aunque con la inevitable sensación de que se podía haber sacado mucho más de este interesante largometraje.

Nota: 7.2

Para recordar: La puesta en escena, frenética y elegante.
Para olvidar: Los flirteos con el cine de acción.


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Requisitos para ser una persona normal

España (2015)

Producción dirigida por Leticia Dolera, ganadora en el Festival de Málaga a mejor guión novel, fotografía y montaje. María de las Montañas es una chica de 30 años que no le sonríe la vida, después de su etapa universitaria y viajar por Europa ahora no tiene trabajo, le han echado de su piso, no tiene pareja y está muy distanciada de su madre (Bárbara). A pesar de ello no le queda otro remedio que volver a la casa familiar con Bárbara y su hermano Álex que con él sí que se lleva bastante bien. En una de las múltiples entrevistas de trabajo a las que se presenta nuestra protagonista, le preguntan que tipo de persona es, ella se define como una persona "normal" pero cuando analiza el término comprueba que no tiene nada de convencional. Es por ello que intenta encontrar ese camino hacia la normalidad y para conseguirlo topa accidentalmente con Borja, un chico entrado en carnes, bastante asocial y que quiere aprender sueco para trabajar en el Ikea de Suecia, ya que, allí se cobra mucho más que en el de aquí. Ambos hacen un pacto, Borja ayudará a María de las Montañas a ser una persona normal y ella ayudará a Borja a adelgazar. Para conseguir sus objetivos, ella encontrará un trabajo como anuncio de galletas, se pondrá en contacto con su antigua compañera de instituto Cristina Pi, una mujer que sí cumple esos requisitos de persona normal, está casada, con un hijo y trabajo. Para encontrar pareja, su amiga Cristina Pi le pondrá en contacto con Gustavo, un triunfador que sabe mucho de gin tonics. Para que Borja consiga sus objetivos, María de las Montañas le pondrá una estricta dieta con mucha zanahoria como si fuera un conejo y mucho ejercicio físico. Borja y María se llevan estupendamente porque ellos no son personas normales, pronto se hacen amigos y aunque persiguen integrarse socialmente, solo están cómodos cuando están a solas y realizando sus aficiones, así es como son felices. ¿Podrán luchar contra su propia naturaleza y ser personas normales?

Ópera prima de la actriz Leticia Dolera, que con un estilo muy Miranda July o de cine independiente americano, construye una comedia romántica bastante previsible pero muy fresca y con algún trazo para la reflexión. Es una película de un género que no es de mis gustos favoritos y logro recordar bastante bien todo lo que pasa, eso quiere decir que tiene un buen guión, que entretiene y que los actores hacen muy bien su trabajo, tanto los protagonistas, la propia Dolera y Manuel Burque, como los secundarios, que tienen unos papeles muy bien definidos para retratar muchos tipos de personas que podrían estar en nuestras propias vidas, la amiga que parece una triunfadora en la vida pero que en la realidad está vacía, el amiguete pijo follable que luego nunca lo tendrías como pareja, la madre que no para de aconsejarte para que hagas algo con tu vida, etc... Se nota una gran sintonia entre la pareja protagonista, creo que seguro que se llevan muy bien en la vida real. Un buen trabajo que siendo el primero como directora hace que en el futuro se esperen grandes cosas dirigidas por Leticia. Por mi parte la recomiendo, el cine también es entretenimiento y si este tiene algo para la reflexión es bienvenido a esta humilde bitácora, parece que hacer comedia es algo menor, pero es muy difícil hacerla bien.

Para Recordar: que lo que la sociedad te dicta por normal es lo que casi nunca te va a hacer feliz, la moraleja es que uno tiene que seguir su camino por muy bicho raro que pueda ser, la coherencia otorga dignidad.

Para Olvidar: es bastante previsible y a veces un poco básica y ligera, aún así tiene algo de sustancia que no suelen tener las comedias románticas de su género.



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Piedras en los bolsillos

Letonia (2014)

Producción dirigida por Signe Baumane, mención especial del jurado en el festival checo de Karlovy Vary. Durante cinco generaciones de mujeres de la familia Baumane (la familia de la directora de la cinta) se han producido casos de depresión e incluso suicidios. Nuestra protagonista cuenta al principio la historia de como estas mujeres cayeron en ese estado mental tan oscuro debido a sus tragedias en sus vidas, sobre todo cuando los nazis invadieron Letonia y su abuela fue abandonada por su marido y con dos hijos. Pero no siempre ha habido guerras o catástrofes de tanta magnitud para que se repita el fenómeno de la depresión en esta familia, hay algo genético que también afecta a nuestra protagonista y quiere indagar el por qué de este patrón que se repite. Todos los testimonios son autobiográficos y contados mediante dibujos animados, no a la manera Disney o Pixar, sino mucho más sobrio, es en el guión y en los monólogos donde reside la fuerza de este largometraje. Una catarsis mental para averiguar a través del pasado que se puede resolver para en el futuro salir del pozo de la depresión.

Signe Baumane, directora letona residente en Nueva York, realiza su primer largometraje que una joya del cine de animación independiente sobre su propia historia y la de sus antepasados. Ella misma sufre depresión y quiere explicar sus mecanismos mentales para haber llegado a esta situación, nada mejor que mirar hacia el pasado y ver que distintas mujeres de su familia también la han sufrido, con un ácido humor negro afronta la situación y seguro que realizar este film le ha dado fuerzas para intentar superar su estado mental y tener más normalidad en su vida. Sorprende el tono de la película porque es positivo cuando lo que se le está contando a uno es una gran tragedia que a cualquiera le pondría triste y deprimido. Quizás adolece de cambios de ritmos muy bruscos lo que hace que la película tenga picos de alta intensidad como cuando los nazis invaden Letonia o el final del relato y otros puntos más monótonos donde se pierde un poco el hilo. Una película curiosa y digna para este blog, donde los aciertos son muchos más que los defectos y que por eso recomiendo, visionar una película de dibujos animados y que trate sobre la depresión me causó una gran sorpresa, no es una temática nada habitual en este género.

Para Recordar: a pesar de ser una historia triste deja un poso de optimismo y resulta hasta terapéutica. Seguro que a la directora le ha servido para reflexionar y conocer mejor la historia de sus antepasados.

Para Olvidar: Que cinco mujeres de tu familia se vean abocadas a la depresión e incluso al suicidio es muy triste.



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La sal de la Tierra

Francia (2014)

Producción dirigida por Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado, ganadora de la sección 'A certain regard' del Festival de Cannes. Documental que rinde homenaje a los 40 años como fotógrafo de uno de los grandes, Sebastião Salgado, de hecho uno de los directores de esta producción es su propio hijo Juliano Ribeiro y Wim Wenders además de director de cine, también es fotógrafo. Nuestro protagonista brasileño se ha embarcado en múltiples expediciones para fotografiar los rincones más bellos de la naturaleza como también conflictos bélicos. Como bien recuerda en el film, las personas son la sal de la Tierra, esa sal que hiere a la naturaleza para incluso transformarla, desde Vietnam, pasando por la antigua Yugoslavia o Ruanda, Salgado nos muestra la violencia que puede causar el ser humano por las guerras. En otras ocasiones ese ser humano no está en el lugar o está en pequeñas tribus, es ahí donde la naturaleza se muestra en todo su esplendor, los animales y tribus también son violentos pero para sobrevivir, lo que les hace tener una cierta dignidad frente a los demás hombres del supuesto "mundo desarrollado". También se hace un leve repaso por la vida tanto personal como profesional de Sebastião, un hombre que nunca podría haber conseguido lo que ha hecho sin tener a su esposa, leal y fiel siempre ha comprendido la profesión de su marido y sus largas ausencias. Tuvieron que lidiar con un hijo con síndrome de Down y siempre han sido un matrimonio muy compenetrado. Salgado, a través de sus distintas series fotográficas se ha ido reinventando constantemente, siendo un fotógrafo único en su profesión y muy admirable.

Este documental podría haber sido un ejercicio de intelectuales diciéndose a sí mismos que grandes somos y los demás no nos comprenden, una especie de paja mental. Pero no es así y es raro viniendo de los últimos tiempos de Wenders donde a veces no hay por donde cogerlo. A través de algo de poesía y mucho de sentido común de las palabras de Sebastião Salgado inferimos que es una persona honesta y seria, además de un artista con gran talento. Esa suma hace que sea un grande, porque ya puedes ser el mejor fotógrafo del mundo, que si no eres una persona que tratas a los demás con respeto y admiración, tu visión del mundo no sirve para nada. Por eso puede construir esas series fotográficas tan impactantes y realizar un documental en defensa del medio ambiente en sentido positivo, hay esperanza porque los hombres que hemos hecho este daño, todavía estamos a tiempo de revertirlo y poder dejar un mundo mejor a las futuras generaciones. Además, mostrando el horror en imágenes en sus series de la guerra, podemos examinarnos y no cometer los mismos errores en el futuro. Un documental imprescindible, duro pero también bello que me ha hecho descubrir no solo un gran fotógrafo, sino también un gran ser humano. Muy recomendable obviamente para los amantes a la fotografía.

Para Recordar: la belleza de los paisajes que Sebastião Salgado muestra en sus fotos en contrapunto con la aridez y la crueldad del ser humano. Hace reflexionar sobre las barbaridades que cometemos.

Para Olvidar: hay fotos realmente duras, que te quedas espeluznado, esa torre de Babel de personas muertas en Ruanda es una imagen mental que nunca podré borrar de mi mente.



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