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martes, agosto 23, 2016

35 y soltera

Argentina (2015)

Producción documental dirigida por Paula Schargorodsky y protagonizado por ella. Paula tiene 35 años, ha vivido un Argentina y en Italia y ha tenido múltiples parejas que o la han dejado o ella los ha dejado. Sigue soltera, sin hijos y todas sus amigas se han casado y alguna ya tiene también hijos, ella es la última soltera y este hecho le lleva a la reflexión y a preguntarse de como ha llegado actualmente a esta situación. Es por ello que se pone manos a la obra y saca de su cajón las diferentes cintas grabadas de cada una de sus ex parejas y va a visitar a cada uno de ellos para encontrar la razón de por qué una relación no le ha durado más de dos años. Empieza por el que creo que fue el amor de su vida, el chico que le rompió el corazón cuando la dejó siendo muy jovencita, ahora se llevan bien pero sus vidas son muy diferentes y aunque algo de amor queda, no funcionaría. Luego se embarca hasta Italia para ver a su ex pareja italiana que tuvo cuando estudió en el país transalpino, vivían en el bosque en una comuna hippie y fue Paula quien terminó la relación porque quería ver más mundo y no quedarse en esa comuna. Por último viaja hasta Uruguay a ver al hombre con el que tuvo la relación que más se aproximó a boda, hacía teatro y marionetas, la relación terminó por apagarse y no podía avanzar. Todo esto intercalado con las intervenciones de familiares y amigos de Paula que opinan que forma de ser tiene nuestra protagonista y cuales son las razones por las que sigue soltera y sin descendencia.

Película programada dentro del festival madrileño de documentales Documenta Madrid que se proyectó en el Matadero de Madrid Río y que contó con la presencia de la directora argentina para posterior coloquio después de la proyección. Paula se hizo famosa a través de un cortometraje donde contaba en formato reducido su elección por la soltería y no tener hijos, fue ampliamente visionado por las redes y consiguió la financiación para realizar esta obra. Un relato donde apenas me acuerdo de los detalles de por qué sus relaciones fracasaron pero donde queda clara la idea de que ella no busca una vida convencional donde tenga que casarse y tener hijos, por eso también se ve reflejado que los hombres que han pasado por su vida tampoco eran personas convencionales, uno no va conociendo a gente que vive en comunas o que se gana la vida haciendo marionetas todos los días. Paula es brutalmente sincera, ha llevado una vida como a ella le gustaría y aunque duda por ella misma y por el entorno que la rodea, no se arrepiente de lo que ha vivido, es más, su verdadero amor creo que es el cine y controla todo el documental, incluso haciendo caso omiso en algunas decisiones de su compañera en el guión Julieta Steinberg. Me pregunto como sería esta obra si hubiese sido un hombre quien la hubiese protagonizado, el tema de buscar un compañero con el que vivir y la maternidad se da de una manera bastante natural desde la perspectiva femenina, incluso a Paula la llaman la Brigdet Jones argentina, pero el tema de la paternidad y hombres solitarios no se aborda apenas. ¿Será otro síntoma de sociedad patriarcal donde tenemos que analizar a las pobrecitas mujeres que se quedan solas y a los hombres no? Es un debate muy interesante.

Para Recordar: que no es el sueño de todas las mujeres el casarse y tener una familia, en este siglo ya encontramos muchos modelos diferentes tanto de familias como de gente soltera y todos los modelos son válidos. No tiene porque andar una mujer continuamente justificándose porque tenga una edad más avanzada y aún no esté casada o sin hijos.

Para Olvidar: te queda la impresión de que el relato en ocasiones es muy caótico y desorganizado. La idea se entiende pero el tratamiento a veces es farragoso, el ritmo a veces es frenético y otras veces es lento, hay saltos que no se entienden, etc...


Entrevista con la protagonista Paula Schargorodsky antes del estreno de la película en Documenta Madrid 2016.



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domingo, agosto 21, 2016

Without a Clue

UK (1988)

La archiconocida pareja formada por el detective Sherlock Holmes y el médico venido a menos, John Watson, acaban de resolver otro enmarañado caso. El talento del detective parece no tener límites ¿pero cual es el secreto de tamaña inteligencia? Parece ser que todo se esconde de puertas para dentro. Y es que en la casa de los investigadores la realidad es muy diferente. Holmes esta todo el día bebiendo, fingiendo que toca el violín y esperando que caiga la noche para pasarla en la cama de cualquier mujer de malvivir. El 'responsable' de esta situación es el bueno de Watson, cuya timidez y falta de personalidad le ha hecho contratar a un 'actor' para que protagonice en primera persona las andanzas del detective creado por su privilegiada mente. La realidad superó a la ficción y ahora el negocio detectivesco le esta proporcionando pingües beneficios. Beneficios que por otro lado esta dilapidando Sherlock gracias su vida díscola. El doctor, harto de los desdenes del protagonista, decide prescindir de sus servicios, obviamente sin revelar su pequeña 'travesura'. La nueva formula con el cerebro de Holmes, pero sin su cara, no parece funcionar y el médico deberá readmitir al tunante artista para intentar resolver un asunto que puede afectar a la corona. Ahora es el momento de la verdad y ambos deberán luchar contra los elementos, contra el terrible Moriarty y, sobretodo, contra las meteduras de pata de Sherlock Holmes, una farsa que se convirtió en leyenda.


Hoy en piniculas tenemos una inteligente comedia que se podría encajar dentro del género detectivesco. Una obra que no puede faltar en la filmografía de los fanáticos de Sherlock, entre los que por supuesto me incluyo. Si en “La vida privada de Sherlock Holmes”, Wilder no mostraba el lado más intimo del sabueso, en Sin pistas, Eberhardt desenmascara al investigador y cuenta toda la verdad de uno de los engaños más grandes de la literatura. Gran idea y nueva vuelta de tuerca a un sub-género que parece inagotable. Un Holmes que en diferentes campos artísticos ha sido gay, un fraude, ha viajado al futuro, al pasado, ha conocido a Jack el Destripador e incluso ha peleado contra ¡zombies! Todo vale para el genio que siempre lleva sombrero con orejeras (o no). En este caso la trepidante comedia planteada por el director ofrece al espectador algo más que una curiosa idea. Estamos ante un film de humor con tintes de suspense y de aventura clásica, al más puro estilo de Blake Edwards. La trama se ve reforzada por la interpretación de dos monstruos como son unos jovencísimos Ben Kingsley y Michael Caine en una faceta en la que poco se han prodigado en su dilatada carrera. Por lo demás, no hay que buscar más complejidad en una historia sin puntos de reflexión. Esta es una pieza para entretener al espectador inteligente que no quiere ver la misma basura de siempre.


Nota: 8

Para recordar: La escena del perro; delirante.
Para olvidar: El abuso de algunos tópicos.


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martes, agosto 16, 2016

La isla de Giovanni

Japón (2014)

Producción de animación dirigida por Mizuho Nishikubo, distinción especial del jurado en el Festival de Annecy. Como resultado de la invasión del ejército rojo tras derrotar al ejército nipón, la pequeña isla de Shikotan quedó unida a la de Sajalin Oblast. La vida de sus habitantes iba a cambiar por completo y los rusos se instalaron en la isla. Giovanni (en realidad Junpei) y su hermano pequeño Campanella (en realidad Kanta, que manía con occidentalizar hasta los nombres) viven al principio ajenos a esta situación, solo quieren jugar con los trenes y ser felices. Pero en cuanto la invasión se hace efectiva, los cambios también van a venir para ellos. Su casa es expropiada y ahora vivirán en el cobertizo junto a su padre, su tío y los animales. En la escuela, la mejor aula será para los niños rusos y tendrán que aprender el nuevo idioma y adaptarse a un nuevo temario. Lo que en principio parece ser un desastre para todos, para Giovanni y Campanella es la oportunidad de hacer una nueva amiga, Tania, una chica rubia rusa de la edad de Giovanni algo tímida pero muy buena. Esta amistad no es conveniente para nuestro protagonista, su padre y su tío están aun luchando en la resistencia y si Tania ve o escucha algo sobre los planes de los habitantes de la isla, podría poner muchas vidas en peligro si ella hablase con su padre que es oficial ruso. En una de las emboscadas del padre de Giovanni él cae preso. El tío, la maestra y los dos hermanos se ven obligados a huir para que no les apresen también, empieza un largo viaje donde pasarán muchas penurias, mucho frío y donde Giovanni se hará adulto. A lo mejor ya no puede volver nunca más a su pequeña isla.

Preciosa película de animación algo sentimental y cursi pero que engancha desde el principio, además al ser una historia basada en hechos reales hace que te impliques un poco más. Con una mezcla de cruda realidad y la mente fantasiosa de los dos hermanos japoneses se crea una perfecta mezcla de como en una tragedia también existen cosas buenas. Podría haber sido tranquilamente una película con actores de carne y hueso para un drama de época, he aquí la originalidad, que lo hacen con dibujos animados y es para todos los públicos, es entretenida tanto para mayores como para los niños. En cuanto a que sea un poco cursi no le concedo importancia, ya que, lo que de verdad importa es que emocione y a en mi caso me emocionó, como puede ser que me entristezcan tantos las penurias de estos simpáticos hermanos japoneses que no son más que unos trazos de animación. También destacar que para hacer buen cine anime en Japón no hace falta ni lolitas, ni criaturas mágicas de otros mundos ni efectos visuales espectaculares. Con una buena banda sonora, basado en hechos reales y con un buen guión logras una producción muy recomendable que entretiene, enseña y que te hace sufrir un poco, es un gran drama el final que no quiero desvelar.

Para Recordar: esta historia está basada en hechos reales, todo un ejemplo de intento de convivencia entre niños de dos lugares diferentes que su inocencia y pureza hace que se salten las barreras de la incomprensión adulta a pesar de las terribles consecuencias que trae la posguerra.

Para Olvidar: es una historia muy triste, Giovanni y su hermano pequeño Kanta lo pasan realmente mal, aun siendo dibujos animados sufres por ellos, es como si fueran reales y es que en realidad estos hechos ocurrieron.




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sábado, agosto 13, 2016

Cien años de perdón

Spain (2016)
En un día especialmente lluvioso, un grupo de encapuchados irrumpe violentamente en un banco español, de esos que han empezado a hacer reducción de personal. El cabecilla del grupo, que parece bastante preparado, comienza a dar ordenes con acento sudamericano, probablemente argentino. Siguiendo los cánones de todo buen atraco, atan a los rehenes y empiezan a vaciar las cajas de seguridad. Pero parece que no todo está cumpliendo el cauce habitual. Parte de los ladrones esta haciendo un agujero en el suelo para enlazar con las alcantarillas; otra parte vigila a los clientes del banco y les han dejado que llamen a sus familias para decir que están bien. Esto claramente alertará a la policía sobre la situación, cosa que no inquieta a los asaltantes. Parece que tienen un plan B mejor que el A. Pero no habían contado con la lluvia torrencial ni con con que el motivo principal del atraco no es el dinero. Alguien no ha dicho toda la verdad y aparentemente, el verdadero 'tesoro' es un objeto escondido en una de las cajas. Las altas esferas andan detrás de 'eso' y no van a permitir que nada salga mal aunque para ello tengan que abortar la operación de cualquier manera. La cosa se pone fea pero el Gallego y compañía no se van a rendir fácilmente. Solamente hay que cambiar las prioridades y deberán robarle a un ladrón, cosa, que como todo el mundo sabe, tiene cien años de perdón.

El amigo Calparsoro se adentra de nuevo en su genero preferido, el thriller de accion. Esta vez acompañado del prolífico Jorge Guerricaechevarría (El día de la bestia, Celda 211), intenta dar un giro a la típica película de atracos para crear una obra algo compleja, con intriga, humor negro y denuncia politico-social. Quizás objetivos algo ambiciosos para un realizador visceral como lo es Calparsoro. Durante la primer media hora, la historia nos atrapa y nos invita a disfrutar con buen cine de suspense estilo patrio aunque con pinceladas yankis. Algo que no incomoda y que nos hace rápidamente ser participes de la situación. La cosa empeora cuando el pastel se descubre y comienza una especie de alocada carrera contra reloj para salir de banco a cualquier precio. La veracidad se pierde, la limitación de exteriores hace pesada la trama y la mezcla de conspiraciones nos hará perder la perspectiva de lo que de verdad importa: los atracadores y su plan. Un plan que tienen un trasfondo político pero que realmente poco tiene de idealista y de social, porque lo que al final importa es lo de siempre: la pasta. Nadie es Robin Hood y ninguno de los delincuentes quiere librarnos de la opresión bancaria. Solo quieren su parte y vivir su vida lo mejor posible, independientemente de que el pueblo español este ahogado por la crisis y sus gobernantes. Este innecesario paréntesis para identificar quien maneja los hilos, afortunadamente termina cuando el film se acerca al desenlace. Un desenlace que de nuevo nos atrapará y nos dejará con un buen sabor de boca, aunque con la inevitable sensación de que se podía haber sacado mucho más de este interesante largometraje.


Nota: 7.2

Para recordar: La puesta en escena, frenética y elegante.
Para olvidar: Los flirteos con el cine de acción.


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jueves, agosto 11, 2016

Requisitos para ser una persona normal

España (2015)

Producción dirigida por Leticia Dolera, ganadora en el Festival de Málaga a mejor guión novel, fotografía y montaje. María de las Montañas es una chica de 30 años que no le sonríe la vida, después de su etapa universitaria y viajar por Europa ahora no tiene trabajo, le han echado de su piso, no tiene pareja y está muy distanciada de su madre (Bárbara). A pesar de ello no le queda otro remedio que volver a la casa familiar con Bárbara y su hermano Álex que con él sí que se lleva bastante bien. En una de las múltiples entrevistas de trabajo a las que se presenta nuestra protagonista, le preguntan que tipo de persona es, ella se define como una persona "normal" pero cuando analiza el término comprueba que no tiene nada de convencional. Es por ello que intenta encontrar ese camino hacia la normalidad y para conseguirlo topa accidentalmente con Borja, un chico entrado en carnes, bastante asocial y que quiere aprender sueco para trabajar en el Ikea de Suecia, ya que, allí se cobra mucho más que en el de aquí. Ambos hacen un pacto, Borja ayudará a María de las Montañas a ser una persona normal y ella ayudará a Borja a adelgazar. Para conseguir sus objetivos, ella encontrará un trabajo como anuncio de galletas, se pondrá en contacto con su antigua compañera de instituto Cristina Pi, una mujer que sí cumple esos requisitos de persona normal, está casada, con un hijo y trabajo. Para encontrar pareja, su amiga Cristina Pi le pondrá en contacto con Gustavo, un triunfador que sabe mucho de gin tonics. Para que Borja consiga sus objetivos, María de las Montañas le pondrá una estricta dieta con mucha zanahoria como si fuera un conejo y mucho ejercicio físico. Borja y María se llevan estupendamente porque ellos no son personas normales, pronto se hacen amigos y aunque persiguen integrarse socialmente, solo están cómodos cuando están a solas y realizando sus aficiones, así es como son felices. ¿Podrán luchar contra su propia naturaleza y ser personas normales?

Ópera prima de la actriz Leticia Dolera, que con un estilo muy Miranda July o de cine independiente americano, construye una comedia romántica bastante previsible pero muy fresca y con algún trazo para la reflexión. Es una película de un género que no es de mis gustos favoritos y logro recordar bastante bien todo lo que pasa, eso quiere decir que tiene un buen guión, que entretiene y que los actores hacen muy bien su trabajo, tanto los protagonistas, la propia Dolera y Manuel Burque, como los secundarios, que tienen unos papeles muy bien definidos para retratar muchos tipos de personas que podrían estar en nuestras propias vidas, la amiga que parece una triunfadora en la vida pero que en la realidad está vacía, el amiguete pijo follable que luego nunca lo tendrías como pareja, la madre que no para de aconsejarte para que hagas algo con tu vida, etc... Se nota una gran sintonia entre la pareja protagonista, creo que seguro que se llevan muy bien en la vida real. Un buen trabajo que siendo el primero como directora hace que en el futuro se esperen grandes cosas dirigidas por Leticia. Por mi parte la recomiendo, el cine también es entretenimiento y si este tiene algo para la reflexión es bienvenido a esta humilde bitácora, parece que hacer comedia es algo menor, pero es muy difícil hacerla bien.

Para Recordar: que lo que la sociedad te dicta por normal es lo que casi nunca te va a hacer feliz, la moraleja es que uno tiene que seguir su camino por muy bicho raro que pueda ser, la coherencia otorga dignidad.

Para Olvidar: es bastante previsible y a veces un poco básica y ligera, aún así tiene algo de sustancia que no suelen tener las comedias románticas de su género.




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miércoles, agosto 10, 2016

Piedras en los bolsillos

Letonia (2014)

Producción dirigida por Signe Baumane, mención especial del jurado en el festival checo de Karlovy Vary. Durante cinco generaciones de mujeres de la familia Baumane (la familia de la directora de la cinta) se han producido casos de depresión e incluso suicidios. Nuestra protagonista cuenta al principio la historia de como estas mujeres cayeron en ese estado mental tan oscuro debido a sus tragedias en sus vidas, sobre todo cuando los nazis invadieron Letonia y su abuela fue abandonada por su marido y con dos hijos. Pero no siempre ha habido guerras o catástrofes de tanta magnitud para que se repita el fenómeno de la depresión en esta familia, hay algo genético que también afecta a nuestra protagonista y quiere indagar el por qué de este patrón que se repite. Todos los testimonios son autobiográficos y contados mediante dibujos animados, no a la manera Disney o Pixar, sino mucho más sobrio, es en el guión y en los monólogos donde reside la fuerza de este largometraje. Una catarsis mental para averiguar a través del pasado que se puede resolver para en el futuro salir del pozo de la depresión.

Signe Baumane, directora letona residente en Nueva York, realiza su primer largometraje que una joya del cine de animación independiente sobre su propia historia y la de sus antepasados. Ella misma sufre depresión y quiere explicar sus mecanismos mentales para haber llegado a esta situación, nada mejor que mirar hacia el pasado y ver que distintas mujeres de su familia también la han sufrido, con un ácido humor negro afronta la situación y seguro que realizar este film le ha dado fuerzas para intentar superar su estado mental y tener más normalidad en su vida. Sorprende el tono de la película porque es positivo cuando lo que se le está contando a uno es una gran tragedia que a cualquiera le pondría triste y deprimido. Quizás adolece de cambios de ritmos muy bruscos lo que hace que la película tenga picos de alta intensidad como cuando los nazis invaden Letonia o el final del relato y otros puntos más monótonos donde se pierde un poco el hilo. Una película curiosa y digna para este blog, donde los aciertos son muchos más que los defectos y que por eso recomiendo, visionar una película de dibujos animados y que trate sobre la depresión me causó una gran sorpresa, no es una temática nada habitual en este género.

Para Recordar: a pesar de ser una historia triste deja un poso de optimismo y resulta hasta terapéutica. Seguro que a la directora le ha servido para reflexionar y conocer mejor la historia de sus antepasados.

Para Olvidar: Que cinco mujeres de tu familia se vean abocadas a la depresión e incluso al suicidio es muy triste.




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Trailer en inglés



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lunes, agosto 08, 2016

La sal de la Tierra

Francia (2014)

Producción dirigida por Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado, ganadora de la sección 'A certain regard' del Festival de Cannes. Documental que rinde homenaje a los 40 años como fotógrafo de uno de los grandes, Sebastião Salgado, de hecho uno de los directores de esta producción es su propio hijo Juliano Ribeiro y Wim Wenders además de director de cine, también es fotógrafo. Nuestro protagonista brasileño se ha embarcado en múltiples expediciones para fotografiar los rincones más bellos de la naturaleza como también conflictos bélicos. Como bien recuerda en el film, las personas son la sal de la Tierra, esa sal que hiere a la naturaleza para incluso transformarla, desde Vietnam, pasando por la antigua Yugoslavia o Ruanda, Salgado nos muestra la violencia que puede causar el ser humano por las guerras. En otras ocasiones ese ser humano no está en el lugar o está en pequeñas tribus, es ahí donde la naturaleza se muestra en todo su esplendor, los animales y tribus también son violentos pero para sobrevivir, lo que les hace tener una cierta dignidad frente a los demás hombres del supuesto "mundo desarrollado". También se hace un leve repaso por la vida tanto personal como profesional de Sebastião, un hombre que nunca podría haber conseguido lo que ha hecho sin tener a su esposa, leal y fiel siempre ha comprendido la profesión de su marido y sus largas ausencias. Tuvieron que lidiar con un hijo con síndrome de Down y siempre han sido un matrimonio muy compenetrado. Salgado, a través de sus distintas series fotográficas se ha ido reinventando constantemente, siendo un fotógrafo único en su profesión y muy admirable.

Este documental podría haber sido un ejercicio de intelectuales diciéndose a sí mismos que grandes somos y los demás no nos comprenden, una especie de paja mental. Pero no es así y es raro viniendo de los últimos tiempos de Wenders donde a veces no hay por donde cogerlo. A través de algo de poesía y mucho de sentido común de las palabras de Sebastião Salgado inferimos que es una persona honesta y seria, además de un artista con gran talento. Esa suma hace que sea un grande, porque ya puedes ser el mejor fotógrafo del mundo, que si no eres una persona que tratas a los demás con respeto y admiración, tu visión del mundo no sirve para nada. Por eso puede construir esas series fotográficas tan impactantes y realizar un documental en defensa del medio ambiente en sentido positivo, hay esperanza porque los hombres que hemos hecho este daño, todavía estamos a tiempo de revertirlo y poder dejar un mundo mejor a las futuras generaciones. Además, mostrando el horror en imágenes en sus series de la guerra, podemos examinarnos y no cometer los mismos errores en el futuro. Un documental imprescindible, duro pero también bello que me ha hecho descubrir no solo un gran fotógrafo, sino también un gran ser humano. Muy recomendable obviamente para los amantes a la fotografía.

Para Recordar: la belleza de los paisajes que Sebastião Salgado muestra en sus fotos en contrapunto con la aridez y la crueldad del ser humano. Hace reflexionar sobre las barbaridades que cometemos.

Para Olvidar: hay fotos realmente duras, que te quedas espeluznado, esa torre de Babel de personas muertas en Ruanda es una imagen mental que nunca podré borrar de mi mente.




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lunes, julio 25, 2016

Dheepan

France (2015)

Dheepan es un joven soldado de Sri Lanka acaba de ver como su unidad es masacrada. Esos hombres eran lo único vivo que le quedaba, tras perder a sus hijos y a su mujer. Destrozado, decide acudir al campo de refugiados para pedir un pasaporte falso que le permita pedir asilo en Europa. Lo mejor para hacer esto es una familia y, como no la tiene, pues también la deberá falsificar. Para salir de aquella situación todo vale y una mujer y una niña huérfana le acompañarán a Francia para intentar vivir allí. Un periodo de prueba, donde Dheepan tendrá que trabajar en lo que salga, vendiendo sombreros, rosas y demás cachivaches inútiles antes de ser requerido por las autoridades para decidir si se queda o no. Por supuesto debe mentir al igual que su 'familia'. Sin hablar francés y junto a unos desconocidos a los que debe llamar esposa e hija, el hombre deberá trabajar en un barrio marginal como portero de unos edificios en los que el tráfico de droga es el negocio principal. Pero los Dheepan no tienen problemas, con techo, algo de dinero y colegio para la pequeña, la vida parece volver a sonreirles. Pero el pasado nunca se puede borrar del todo y el protagonista esta al filo del desequilibrio mental. Un estado que podría llevarlos a todos al desastre o directamente al paraíso soñado...


Hoy traemos al blog la ganadora de la Palma de Oro en 2015. Desde Francia, el galardonado director Jaques Audiard nos presenta un drama de acción que desgraciadamente esta muy de moda en Europa. La situación de un refugiado de guerra, en este caso de Sri Lanka, que llega al país galo con la intención de huir de su pasado. Y ante esta lamentable situación el realizador podría haber construido un drama que evolucionaría de manera sencilla. Sin embargo, ha intentado alejarse de los tópicos y, sin mermar un ápice la dura existencia de estas personas, nos retrata unos protagonistas que dejaron el miedo atrás y que simplemente vienen a Europa a sobrevivir y a formar parte de una sociedad que los encasilla y los margina irremediablemente. Pero ellos no se rendirán y a pesar de ser ubicados donde ninguno de nosotros se atrevería ni a pasar, las situaciones por las que pasan no son forzadas y ocurren de manera natural sin acelerar ninguna tragedia. Más bien lo triste es comprobar como funciona nuestro mundo, repleto de vanidad y materialismo. Y así llegaremos a los últimos 30 minutos del film, donde el melodrama cambiará de golpe a thriller de acción y el calmado protagonista, deberá luchar contra si mismo, contra su simulada familia y contra los deshechos humanos que le rodean día tras día. Una sorpresa que nos deja sin palabras y aporta un valor extra de acción a este largometraje que debe hacer reflexionar a cualquier espectador que aún siga teniendo corazón.


Nota: 9.2

Para recordar: Dheepan es un tigre y cuando se cabrea, la cosa se pone fea.

Para olvidar: Hacernos creer que Inglaterra es un sitio maravilloso para vivir. Eso no es así (puedo dar fe)


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lunes, julio 11, 2016

Que Horas Ela Volta? (Una segunda madre)

Brasil (2015)

Producción dirigida por Anna Muylaert, ganadora del premio del público en el Festival de Berlín y premio del jurado en el Festival de Sundance. Val es una asistenta de una familia acomodada en Sao Paulo, se trata de un matrimonio donde el marido (Carlos) es artista y la esposa (Bárbara) es la que aporta la mayoría de los ingresos. Tienen un hijo que se llama Fabinho, desde muy crío es Val quien lo ha cuidado y para ella es como un hijo, ambos tienen una relación bastante especial. Después de más de diez años sin verse, Jessica, la hija de Val, se pone en contacto con ella, tiene que hacer la selectividad y la prueba va a ser en Sao Paulo, por fin, madre e hija se pondrán ver después de tanto tiempo, ya que Val la dejó a cargo de su familia en el norte. Val pide a los señores de la casa el permiso para que su hija Jessica se pueda quedar en la casa y así poder hacer la selectividad. El perfecto equilibrio que existía en esa casa se verá alterado por la llegada de esta joven y guapa adolescente. La asistenta se verá terriblemente avergonzada por el comportamiento de Jessica y sobre todo Bárbara montará en cólera por el descaro de Jessica y los continuos flirteos de su marido con la muchacha. En esta ocasión, nuestra protagonista se verá obligada a elegir entre la convivencia con su hija y así poder recuperarla o volver a su anterior vida antes de la llegada de Jessica, servir en un hogar tan bien acomodado donde no tendría ningún apuro económico.

Tratamos un drama alrededor de esta peculiar asistenta de Sao Paulo con algunos tintes de comedia e incluso romanticismo. Tenemos la trama principal que es la llegada de Jessica a la vida de nuestra protagonista, pero no solo trata de eso este relato, hay muchas más subtramas que hacen que la película sea muy completa. La relación entre Val y Fabinho tan especial que tienen, ya que fue Val quien siempre le cuidó y es como si fuera su madre, el cariño, ánimo y comprensión de Val hacia él que nunca encontró en su verdadera madre, una mujer de negocios siempre muy ocupada y bastante egoísta y rencorosa. El marido es un personaje muy amable pero con el alma atormentada de cualquier artista que se precie, en busca de líos para tener algo de vida activa y rebelarse contra su mujer. Por último el personaje de Jessica, una nueva generación de brasileños que no entiende de escalones sociales y que mediante su esfuerzo en el estudio, quiere conseguir un estatus social que nunca tendrá su madre. Eso sí, Val, a pesar de su ausencia en la vida de Jessica, siempre ha procurado que no le falte de nada a su hija y tenga una correcta educación. Un film muy interesante, entretenido y que me recordó a esas grandes películas españolas donde convivían distintas clases sociales y se mantenía esa distancia entre amo y sirviente y los amos ejercían todo tipo de pequeñas humillaciones y faltas de respeto a los sirvientes , por ejemplo 'Los santos inocentes' es una historia única dentro de este género. Me ha sorprendido gratamente 'Una segunda madre', una película con una temática que ya apenas se trata como son las relaciones de convivencia entre diferentes clases sociales, además desde un prisma que no resulta para nada aburrido, es por ello que la recomiendo porque te hace pasar un buen rato e invita a la reflexión.

Para Recordar: la magnífica interpretación de nuestra protagonista Val (Regina Casé), atrapada entre su profesionalidad de su trabajo y los aprietos en los que les pone su hija cuando llega a Sao Paulo. Al final, sale airosa y demuestra el gran ser humano que es.

Para Olvidar: Brasil es un país de grandes desigualdades que están muy bien reflejadas en esta producción. Recuerda mucho al cine de la España de la dictadura, donde el servicio tenía que aguantar varias humillaciones de sus amos.




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viernes, julio 08, 2016

El Crack

Spain (1981)

El castizo detective Germán Arteta, sobrevive en una profesión que no es nada agradecida: detective privado. Detrás del romanticismo desprendido por la literatura y el cine, el oficio de investigador no tiene ningún glamour, es duro y esta muy mal pagado. Sobretodo en España. Eso lo sabe el bueno de Germán, que a pesar de los inconvenientes, se siente cómodo haciendo su trabajo sin tener que rendirle cuentas a nadie. Aunque a veces los casos le vienen grandes, como ocurre con el de una chica desaparecida hace años y que ahora es buscada por su enfermo padre. A priori el típico asunto de hija que se va de casa a vivir la vida. Algo fácil, sencillo y con el éxito asegurado. Sin embargo parece que hay alguien al que estan incomodando las pesquisas de Arteta. Alguien poderoso que intenta coaccionar al rudo detective. Pero esa persona se ha equivocado de enemigo y, aunque Germán Arteta sea el paradigma de español bajito, calvo y con bigote, su integridad y profesionalidad le harán llegar hasta el fondo de un más que oscuro caso.


Tenemos hoy en el blog una obra esencial en la filmoteca española. Un joven y ambicioso José Luis Garci decide demostrar al mundo que el séptimo arte en nuestro país estaba resucitando. El crack podría considerarse el arma que aniquila de un plumazo el casposo cine franquista y post franquista. Germán Arteta, de la mano de un memorable Alfredo Landa, hace ver a la sociedad que el cine español puede competir con las mejores piezas internacionales y que la basura creada por el destape, Marisol y demás amiguetes, eran cosa del pasado. En cuanto a la película estamos ante un denso thriller policíaco ambientado en el Madrid de principio de los 80. Como parte de ruptura con el ciclo cinematográfico anterior, el protagonista, Alfredo Landa, encasillado en el papel de bobalicón graciosete, encarna a un duro detective que nunca sonríe. Cuidadosamente se va creando una trama oscura que repentinamente se tiñe en drama y el taimado protagonista se convierte en un justiciero improvisado. Multitud de matices en el que un Garci pletórico va colocando los cimientos de una de sus mejores obras y un referente para el futuro cine de ficción patrio. El crack fue la antesala de su título más emblemático, el oscarizado 'Volver a empezar' y de la conclusión de las andanzas de Germán Arteta en la segunda parte de 'El Crack', para mi, los 3 mejores títulos del director.

Nota: 9.2

Para recordar: Los métodos poco ortodoxos del detective.
Para olvidar: Los innecesarios 'tributos' al cine yankie.


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jueves, julio 07, 2016

Anomalisa

  USA (2015)

Michael Stone es un excéntrico escritor acude a un evento a dar una charla sobre un tema relacionado con sus libros. Será algo rápido, un evento de un día y una noche fuera de casa. Sin embargo lo que se planteaba como una conferencia rutinaria se transforma en un curioso galimatías gracias a la mente paranoica del escritor. Su vida es claramente un caos y en los recuerdos de nuestro protagonista siempre aparece la misma cara con la misma voz. Una antigua relación le corroe por dentro y es el momento de saber que hubiera ocurrido si no hubiese abandonado a su antiguo amor. Por eso la llama y por eso queda a tomar una copa con ella. Pero nunca es bueno remover el pasado y cuando se encuentran nada es como recordaban. Él tiene familia y esta viejo y ella ha engordado y ha perdido su vitalidad. Un choque que genera una incomodidad palpable de la que Michael quiere sacar provecho acostándose con su ex-pareja. Esta es la gota que colma el vaso y la mujer abandona al escritor visiblemente alterada. Stone esta desquiciado e intenta apagar su 'calentón' de la manera más rápida posible. Su 'victima' será la dulce Lisa, una tímida chica que jamás ha sabido lo que es el amor y que, al menos durante una noche, soñará con él en los brazos del malogrado protagonista.
 
El pasado año, Charlie Kaufman (Como ser John Malkovich) estrenó este largo de animación que como suele ser habitual en sus obras, no dejo indiferente a nadie. Para unos una obra maestra, para otros lo peor de Charlie hasta a fecha. Lo cierto es que Anomalisa es una atrevida producción que habla de los estereotipos de las relaciones de parejas de más de 50 en el mundo moderno. El principal punto negativo de la historia es que se queda a medio camino de múltiples géneros desviando la atención del espectador. Por momentos es un drama, a veces una comedia y en algunos pasajes se vuelve surrealista, para dejarnos con un melodrama de rápida conclusión. Poca 'miga' para lo que nos tiene acostumbrados el bueno de Charlie. Aunque yo me quedo con los momentos brillantes y las reflexiones profundas, lo cierto es que esta película puede resultar aburrida para el espectador menos preparado.


Nota: 7.1

Para recordar: El tono surrealista de la historia. Me encanta cuando los personajes pierden la mandíbula.
Para olvidar: El poco contenido de la trama.


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lunes, julio 04, 2016

Él me llamó Malala

Emiratos Árabes (2015)

Producción dirigida por Davis Guggenheim, ganador en el Festival de San Diego a mejor documental. Cuenta la historia de Malala, una niña del valle de Swat en Pakistán, una región prospera que en unos años cayó en manos de los talibanes y cambió la vida de los habitantes de esta región. Por aquel entonces Malala iba al colegio, su padre era profesor y le encantaba aprender a leer y le gustaba mucho estudiar para su educación. Los talibanes al principio dejaron la escuela abierta y prometían que no iban a interferir en la vida comunitaria, sino que los iban a defender contra los infieles y corruptos del gobierno. Pero con el tiempo, todo se fue radicalizando y según su interpretación del Corán, las niñas no tenían que ir al colegio, solo estar en casa con sus madres tapadas, para a una temprana edad, casarse y perpetuar la especie. Malala no quería dejar el colegio, allí estaba gran parte de su vida, su padre había abierto ese colegio, sus amigos y amigas estaban allí y a ella le encantaba ir. A pesar de las amenazas y hasta de los bombardeos que sufrían las escuelas por parte de los talibanes, ella no dejó de ir a sus clases, también fue informante para medios extranjeros de comunicación de lo que era su vida entre talibanes. Hasta que llegó el día que los talibanes atentaron contra Malala, recibiendo un tiro en la parte izquierda de la cabeza. Todos pensaron que había fallecido pero milagrosamente salvó la vida, desde Islamabad, la trasladaron a Londres y se pudo mantener con vida, el precio que pagó por ese disparo fueron las secuelas que tiene, ahora mismo parte de su cerebro está muerto y no puede tener la movilidad y agilidad mental que cualquier persona. Aún así, ahora ya desde Inglaterra, Malala sigue con su lucha, que todo niño o niña reciba una educación en cualquier parte del mundo.

Malala se ha convertido en uno de los grandes iconos de este siglo, representa la lucha por los derechos de la infancia y por su increíble historia ha recibido el Premio Nobel de la Paz, siendo la persona más joven en recibirlo. El documental, como se podía esperar, se centra en la figura de esta adolescente que ahora tiene 17 años, muestra su lado humano, por ejemplo, como se avergüenza cuando tiene que hablar de chicos, citas y como le gusta el físico de Roger Federer, también muestra sus dificultades en su aprendizaje debido al atentado y a ese fatal disparo que recibió. Vemos a su familia y como ha cambiado su vida de cuando vivía en Pakistán y ahora reside en Birmingham. Para ilustrar su historia, en algunos tramos de la película, se usa animación que no me termina de convencer, simplemente hubiese sido suficiente con los testimonios de Malala y su familia. A destacar que no todo el documental es una oda complaciente a nuestra protagonista, también hay cabida a las críticas por el excesivo protagonismo que a veces ha tenido en los medios, hay muchas niñas más que han tenido historias incluso peores que Malala, pero ella se ha convertido en un personaje público y en un icono para hablar de la educación para la infancia y lo nocivos que son los talibanes con su fundamentalismo religioso. Es un buen documental que te permite acercarte a la figura de Malala, una niña muy tímida y valiente a la vez que quiso enfrentarse a la barbarie y que casi lo paga con su vida.

Para Recordar: para formar personas y ciudadanos cívicos, en contra de todo fundamentalismo religioso, la educación es la base, por eso lucha Malala, un icono como en su día fue Martin Luther King para los derechos de su raza.

Para Olvidar: hay cierto buen rollismo y posturas políticamente correctas en Malala y su familia que les ha traído alguna controversia. Aún así su lucha en Pakistán contra los yihadistas es admirable. Para nada empaña su cruda historia.




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miércoles, junio 29, 2016

El caso contra la proposición 8

EEUU (2013)

Producción documental dirigida por Ben Cotner y Ryan White, premio al mejor documental en el Festival de Sundance. En 2008 sale adelante la proposición 8 en las elecciones en el estado de California y por lo tanto se elimina el derecho de contraer matrimonio entre personas del mismo sexo, una ley que había sido aprobada 8 meses antes. 2 parejas, una de hombres sin hijos (Jeffrey y Paul) y otra de dos mujeres (Kristin y Sandra) ya con hijos de relaciones anteriores, se unen para revocar esta proposición porque quieren casarse y formar una familia, tener los mismos derechos que una familia entre heterosexuales. Para ello encuentran el apoyo de los abogados David Boies y Ted Olson, anteriormente rivales en la política y que ahora se unen por esta noble causa. Especialmente representativo es el caso de Ted Olson, uno de los hombres fuertes en la administración Bush y que por encima de todo cree en los derechos y las libertades individuales, entre las filas del Partido Republicano este hecho no sentó nada bien. Durante 5 años luchan por la revocación, aportando sus testimonios, siendo parejas ejemplares y teniendo el apoyo de estos dos abogados y muchos activistas que se manifestaban a las puertas de la Corte Suprema de EEUU. Finalmente en 2013 fallan a su favor y se revoca la proposición 8, de nuevo son legales las uniones entre homosexuales, nuestros protagonistas son los primeros en casarse y así celebrar la victoria en esta lucha por los derechos de este colectivo.

Interesante producción que proviene de la cadena HBO, porque no solo este canal de pago es de series, también su sección de documentales es muy prestigiosa. En este caso nos retrata la lucha en pleno siglo XXI que tienen que hacer las agrupaciones de gays y lesbianas por tener los mismos derechos que cualquier persona heterosexual, la discriminación ante el matrimonio, la adopción de hijos, etc. Algo parecido a las luchas raciales en el siglo anterior, con la diferencia que en este colectivo hay integrantes con un buen nivel económico que les permite luchar desde dentro del sistema con muy buenos abogados. Es este caso, David Boies y Ted Olson realizan el trabajo porque les apetece esta causa, pero no solo va a ser por amor al arte. El documental está bastante bien rodado, es capaz de captar las emociones de estas dos parejas, los buenos planteamientos de los abogados del caso y muestra diferentes opiniones a favor y en contra de la proposición 8. Es difícil rodar un documental sobre un tema controvertido y que los directores no tomen partido por los protagonistas, pero en este caso no lo toman y muestran desde diferentes ángulos y opiniones lo que se estaba tratando en esos momentos. El listón de calidad de la HBO es muy alto y en este documental se mantiene ese listón. Una gran historia que incluso luego la estudiarán las futuras generaciones.

Para Recordar: la lucha de estas dos parejas homosexuales por revocar un derecho que en pleno siglo XXI no debería ni ser discutido, la libertad de las personas para decidir con quién quieren estar. Curiosamente es un republicano de la administración Bush quien defiende esta causa, Ted Olson.

Para Olvidar: que para revocar una decisión, el sistema judicial sea tan lento, da igual que sea en América o en España. 5 largos años para obtener una sentencia, en este caso fue favorable pero tras una larga lucha.




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jueves, junio 16, 2016

El mundo de Suzie Wong

UK (1960)

Suzie Wong es una joven cantonesa que vive en el Hong Kong de los años 60. En pleno apogeo de la colonia británica, los nativos asiáticos eran tratados como personas de segunda categoría. En contra de lo que se percibía en sociedades occidentales, el racismo era elevado y los oriundos solo podían trabajar en los puestos más bajos. Ese es el caso de Suzie Wong, una mestiza china que se ganaba la vida de la única manera posible para una chica soltera como ella: de prostituta. Suzie es inteligente, alegre y sobre todo, muy imaginativa. Es eso lo que más sorprende al británico Robert Lomaz, un bohemio pintor amateur que había dejado su vida de lujos en Inglaterra para disfrutar de su pasión más profunda: la pintura. La casualidad hace que su vida se mezcle con la de Suzie y una relación de lo más peculiar comience a forjarse. La belleza de la muchacha hipnotiza a Robert y la elige como musa de su obra. Sin embargo no quiere ir más lejos, pues, a pesar de las declaraciones amorosas de la mujer, él no se fía de alguien de su clase; alguien que haría cualquier cosa para escapar de una vida miserable. El tiempo hará erosionar ese escepticismo y poco a poco el señor Lomax conocerá a la verdadera señorita Wong, una torbellino cuya humildad y sencillez hará tumbar cualquier prejuicio racista y social.

Debo reconocer que para nada soy un seguidor del genero de comedia romántica. Pero si que sé reconocer cuando una obra merece estar en piniculas y este es el caso del film que comento hoy. Un largometraje repleto de delicadeza, con un guión ágil e intenso, con diferentes partes perfectamente identificadas: la realidad del pintor, la arrogante sociedad inglesa de Hong Kong y, finalmente, el mundo de Suzie Wong. Si en un principio puede parecer un título al estilo 'El principe y la corista', la evolución de la historia nos demostrará que estamos ante una aguda denuncia social de la época, en el que los británicos no salen bien parados. El desprecio hacia la sociedad asiática, las condiciones de vida de los nativos y los prejuicios de las clases sociales más altas, se ven plasmados en diferentes pasajes de la película. Y luego esta la rebeldía y la tozudez de la dulce Suzie, interpretada por la guapísima Nancy Kwan una mestiza de Hong Kong que fue elegida en un acto del mismo racismo que se denuncia en el film. La historia del casting es curiosa porque Nancy fue seleccionada por ser mitad china mitad europea y, según el director, al parecer mas occidental no habría rechazo por parte del público. Lamentable comprobar como la ficción de la historia se consumaba en la vida real. Por lo demás impecable melodrama que no te aburre ni un segundo y que deja detalles para la reflexión sobre el colonialismo, la xenofobia, la sociedad capitalista y, por supuesto, el amor.

Nota: 9.1

Para recordar: Suzie mintiendo a sus amigas sobre la violencia que el buenazo de Lomax practicaba sobre ella para demostrar sus celos. Un ejemplo de lo retorcidas que pueden llegar a ser algunas sociedades.

Para olvidar: Nancy es ideal por su belleza y por su dominio del cantones; sin embargo no destaca por su nivel interpretativo.


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jueves, mayo 19, 2016

Krull

UK (1983)

En un planeta olvidado, donde habitan los reyes del universo, el príncipe y la princesa van a contraer matrimonio. De esta unión debe salir el regente de la galaxia que gobernará y unificará el mundo para convertirlo en un lugar mejor. Maravillosa idea, que, en como todo cuento de hadas, no puede salir bien desde el principio. En efecto, una fuerza maligna venida de otro planeta, secuestrará a la princesa y la obligará a contraer matrimonio con él. Ella se negará y su amado prometido deberá encontrarla en la recóndita fortaleza dinámica en la que se encuentra recluida. Dicha fortaleza cambia de posición cada cierto tiempo. Pero esto no detendrá al protagonista que, tras reclutar un ejercito de ladrones, un transeúnte que se convierte en animales domésticos, un cíclope y un mago venido a menos, luchará con multitud de entes hasta dar con su princesa cabalgando caballos voladores que dejan una estela de fuego. Muchas aventuras y emociones para perseguir su mas preciado anhelo, ¿lo conseguirá?

Hoy traigo a Piniculas una obra que hará las delicias de los amantes de las películas épicas de príncipes y princesas. Si con La Princesa Prometida el género encontró su culminación, no hay que olvidar otras piezas memorables como Lady Halcón, El Señor de las Bestias o, esta desconocida, Krull. Honestamente entiendo el poco éxito del film, porque en los 80 la gente no estaba preparada para una cinta tan, digamos, compleja. El realizador plantea la lisergica idea de mezclar el entorno galáctico al puro estilo Star Trek o Star Wars con el ambiente medieval de las películas antes citads. El resultado, una sorprendente mezcla, donde los caballeros del rey, luchan con espadas que disparan rayos laser y los castillos de piedra, son protegidos con puertas de acero y soldados que se parecen a Tron. Desde luego la pieza esta todo el rato 'flirteando' entre la chorrada y el surrealismo más abstracto. La poca calidad de los actores tampoco ayuda a valorar positivamente un film, que, en resumen, recomiendo a los que se quieran sorprender con este 'subgénero' de príncipes y princesas (y pasar un buen rato flipando con la puesta en escena)


Nota: 6.8

Para recordar: Los caballos voladores y su estela de fuego. Superándo toda dosis de surrealismo.
Para olvidar: El primo de Godzilla venido del espacio; una pena acabar así.


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